Ryuichi Sakamoto

Back To The Basic la abreviatura que ha utilizado el prestigioso Ryuichi Sakamoto, para introducirnos en este disco en solitario. Sakamoto saltó a la fama como miembro de la banda japonesa Yellow Magic Orchestra con los co-fundadores Haruomi Hosono y Yukihiro Takahashi. Ha colaborado en muchos de los discos de David Sylvian. A su vez podría ser considerado como uno de los mas prestigiosos músicos nipones de las últimas décadas, colaboró a su vez con Bernardo Betolucci en desarrollar la banda sonora del Último Emperador. Este disco en solitario, tiene muchas mas influencias clásicas que del jazz, aún así las interpretaciones de Sakamoto se acercan mucho mas a la improvisación que a una mera lectura. Un excelente disco grabado para la casa Sony en 1998

Enrico Pieranunzi & Domenico Scarlatti

Domenico Scarlatti es uno de esos tesoros del barroco italiano absolutamente irremplazables, escribió casi 600 sonatas, de las cuales Pieranunzi ha rescatado 13. Es cierto y sabido que el jazz, ha mantenido desde siempre una hermandad con la música madre como como es la clásica, algo mas que estrecha y en este disco Pieranunzi rinde homenaje a ella. Dentro de los cortes Pieranunzi no deja de mantenerse fiel a su estilo creando a partir de estas sonatas un disco absolutamente memorable, en cuanto estilo, técnica e improvisación. Este disco puede ayudar a muchos admiradores del mundo clásico a valorar la importancia del jazz. Un disco excelente para la Cam Jazz grabado en el 2008.

Dave Peck Chuck Deardorf & Dean Hodges

Es muy probable que la carrera musical de Dave Peck sea mas conocida como la de arreglista, que como pianista o músico, propiamente dicho. Aún asi y poco a poco saca algún album a cuentagotas como este explendido 3 in 1. Este album contiene temas que contienen algo difícil, como es conjugar la maestría con la sencillez. En los cortes Eronel(famosa pieza de Thelonius Monk)encontramos el decomunal apoyo del bajista Chuck Deardorf, el cual se mantiene incansable mostrando un apoyo a su compañero. El disco puede traernos también recuerdos a la música brasileña o cubana, con ritmos que pueden pasar del jazz latino al bop de los años 60. Un disco editado por la Let's Play Stella en el año 2001. Un disco altamente recomendable a todos esos críticos que creen saber mucho de música y llevan recomendando a los mismos músicos 6 años seguidos.

Ignasi Terrazza Pierre Boussaguet & Jean-Pierre Derouard

Ignassi Terrazza ganó el premio Altaveu, por esta fabulosa obra, titulada In a Sentimental Groove. El disco tiene una sencillez y una calidez absolutamente maravillosa, unos títulos tan evocadores como El cant dels ocells, de Pau Casals, el cual convierte en parte de su maravilloso repertorio, el trio comienza el album con la ya famosa pieza de Casals donde se contemplan reminiscencias del ya clásico Explorations de Bill Evans, junto a LaFaro y Paul Motian. Este enorme trio compuesto por los franceses Pierre Boussaguet al contrabajo, y Jean-Pierre Derouard a la batería. Conservan el sabor de un buen jazz, los cuales traen recuerdos olvidados, un album absolutamente evocador cargado de una excelente música.Terrazza es un pianista absolutamente irremplazable dentro del panorama jazzistico nacional. Un disco perfecto y conmovedor producido por la propia discográfica de Terrazza ,Swit Records en el año 2006.

Sammer Ramchandran Dominic Duval & Newman Taylor Baker

Sameer Ramchandran hizo un enorme debut, con esta grabación realizada en el año 2006 en los que no solo marca su carrera como pianista, sino que también avanza como compositor notable. En este album encontramos también standars de Thelonious Monk o de Bill Evans, magistralmente interpretados en los que incluso el joven Sameer improvisa. Junto a él dos jovenes promesas como Dominic Duval al contrabajo, el cual conoción a Sameer despues de haber realizado diferentes jam sessions por la ciudad de Nueva York a lo largo de los años 2004 y 2005. Mas tarde contarian con la presencia de Newman Taylor Baker el cual cumple perfectamente con su labor en este joven disco. El album fue producido por la casa Roverbird Newyorkina en el año 2006.

Kenny Wheeler Mike Brecker John Taylor Dave Holland & Jack DeJohnette

Dentro de la cadencia introspectiva de la gran mayoría de discos editados por Wheeler para el sello ECM, podría destacarse también este Double,Double You. Bajo las poderosas improvisaciones y melodias compuestas por el siempre mágico trompetista Wheeler ,arranca un poderoso equipo de colegas que se nutren de esas maravillosas iterpretaciones para hacer unos acompañamientos fuera de lo normal. Mike Brecker está sencillamente insuperable en este disco, consigue una comunicación absolutamente perfecta a los vientos junto a Wheeler, siendo ambos de diferentes escuelas. Junto a ellos los maestros y amigos Dave Holland al contrabajo, el cual se vuelve a lucir y Jack DeJohnette a la batería. Unos temas de mención y de admiración en este disco podrian ser Three For D'reen, la maravillosa Blue For Lou el potente comienzo haciendo un homenaje al Fox Trot con Foxy Trot, donde Jack DeJohnette demuestra que por algo se tiene merecido un lugar en el Olimpo. El disco fue producido por la ECM y fue grabado en mayo de 1983.

Leo Parker

Quizás sea este disco uno de los mejores albums del representativo jazz de Chicago de los años 60. Es en esta joyita donde se esconden los mayores secretos del Kid de Illinois, como se le apodaba en esos años, gracias al maestro Dizzy Gillespie, del cual formó parte de su primera banda y de la primera grabación del jazz moderno allí por el año 1947. En este disco publicado(dato curioso)en 1980, pero grabado en 1961 debido a complicaciones de producción, destaco los cortes donde suplen Stan Conover a Al Lucas en el contrabajo, en los cortes 3 y 4 y Wilbert Hogan a Purnell Rice en la batería. Tras diversos intentos de acercamiento hacia Gillespie para que fuese su trompeta, este no cedió y acudió a Dave Burns, el cuál no defrauda en absoluto. Como colofón a esta magnífica producción de la Blue Note el acompañamiento de Bill Swindell el cual sostiente la melodia en todo momento mientras Leo Parker navega hacia lo desconocido. La carrera de Leo Parker prometía muchísimo pero moriria a la edad de 36 años debido a una sobredosis. Este disco es mucho disco, la remasterización ha sido llevada a cabo a cd este mismo 2009 en el mes de febrero.

Lars Danielsson Leszek Możdżer Mathias Eick Eric Harland & John Parricelli

Elegir a los músicos correctos puede ser la decisión que haga o destruya un proyecto. Durante años, ahora -como con su pasado tan lejano (y excepcional) cuarteto con el saxofonista Dave Liebman, el pianista Bobo Stenson y el baterista Jon Christensen, a través de la tropa noruega en Mélange Bleu y su íntima grabación de dúo con el pianista Polaco Leszek Możdżer, Pasodoble (ACT, 2007) -el bajista/violoncelista/pianista sueco Lars Danielsson ha hecho elecciones coherentemente astutas. Tarantella sigue la senda victoriosa, trayendo de vuelta a Możdżer para otro álbum de clasicismo romántico; la música vistosamente lírica es igualmente introspectiva, pero con una paleta acústica más grande, gracias al reclutamiento de Danielsson del guitarrista británico John Parricelli, el trompetista noruego Mathias Eick, y el baterista/percusionista norteamericano Eric Harland. Un disco magnífico grabado para la casa ACT. Fuente John Kelman para allbaoutjazz .Traducción: La Bestia Políglota

Peter Erskine Palle Danielsson & John Taylor

Este sensacional trio no deja de esconder maravillosos secretos en su música. Nos adentramos en un viaje de introspección donde todos los músicos tienen algo mágico y a veces hasta oscuro que contar. Este viaje musical se cuenta en 9 cortes, donde cada uno muestra una velocidad tremenda, acercando al oyente a una de las mejores rítmicas a nivel mundial. Junto al genial batería Peter Erskine se une el potente contrabajo del maestro Palle Danielson y el piano de John Taylor. A destacar el tema On the Lake,el enorme trabajo de batería en Pure & Simple y el sensacional New old Age. Este magnífico trabajo titulado You Never Know fue grabado en 1992 para la ECM.

Sun Ra

Lo cierto sobre el pianista, compositor, arreglista y director de orquesta Sun Ra, es que su excentricidad no fué un lastre para la música que creó.Sun Ra llegó a creerse descendiente directo de faraones egipcios, nacido en el planeta Saturno y muchas mas excentricidades. Desde discos mas o menos clásicos como este Jazz in Silhuette grabado en la ciudad de Chicago a finales de 1958, hasta pasar por las maravillosas vueltas de tuerca con su free jazz en The Space is the Place.Similar a Sun Song en cuanto a contenido general, indica ya más claramente cuáles serán los derroteros de la futura música de la Arkestra. Pero es en 1958 cuando se graba el primer disco de los considerados imprescindibles por cualquier fan de Sun Ra: Con la incorporación de Hobart Dotson, uno de los trompetistas más capacitados y antiguo compañero de Sun Ra en los Dukes of Swing, la Arkestra encuentra por primera vez el sonido que le caracteriza. "Jazz in Silhouette" es una obra maestra de principio a fin donde los músicos se lanzan a la busca de nuevos caminos, las composiciones rompen con toda la tradición del jazz hasta entonces e incluso los instrumentos se escapan a todo lo conocido: Irrumpen las percusiones africanas, el Wurlitzer empieza a ganar terreno al piano acústico y las flautas luchan sin complejos contra trompetas y saxos. Un disco absolutamente imprescindible.

Sonny Stitt

A un oyente familiarizado con el famoso dueto junto a Sonny Rollins en The Eternal Triangle, grabado para la casa Verve en 1957, puede que este discazo les plantee nuevas expectativas en torno a la música de Stitt, en la cual encontramos pura comunicación junto a toda la parafernalia que rodea a este album. En este disco se encuentran referencias claras de la música de Lester Young, Art Tatum y también los fanánicos de Charlie Parker podrán encontrar en él un auténtico escondite. Junto a Lou Levy al piano, el excepcional Leroy Vinnegar al contrabajo y Mel Lewis a la percusión el magistral saxo de Stitt se encuentra como en casa. Puede que sea este disco uno de los mas cañeros de la década de los 50. Stitt fue comparado en esos años con Charlie Parker de ahí el titulo de este intenso y magistral disco grabado en 1959 para la Fresh Sounds. Un disco recién llegado a mis manos absolutamente magistral.

Pat Metheny

Un disco realmente extraño del guitarrista Pat Metheny, el cuál no se acerca ni por asomo a su particular estilo musical. Este One Quiet Night debe de ser escuchado de un modo muy diferente, en él destacamos a un Pat Metheny mucho mas técnico y mucho menos introspectivo el cual saca a relucir durante todo el disco su guitarra barítono con una afinación extrañísima. El disco destaca por su estilo reposado y tranquilo, en el que encontramos preciosos temas como Another Chance, Song for the Boys o Over on 4th Street o la magnífica My Song de Keith Jarret. El disco es altamente aconsejable por dos motivos, el primero por ver a un Pat Metheny totalmente distinto en el que encontramos una nueva via de comunicación, y el segundo por escuchar en solitario una guitarra única bajo la dirección de un maestro de la música. Un buen disco en solitario grabado en el año 2003.

Kenny Wheeler Chris Potter John Taylor & Dave Holland

Un viaje geográfico desde Iowa hasta Verona. Esto fue lo que se propusieron estos cuatro maestros realizar en este disco, y creo que no fueron hasta Verona. Creo que fueron y volvieron cinco o seis veces. Desde el comienzo del primer tema Iowa City el disco va adquiriendo matices absolutamente geniales, la unión de estos cuatro genios por parte de la Cam Jazz fue todo un éxito. Si Wheeler destaca por su profunda introspección y nostalgia a la hora de interpretar y de improvisar en este disco se nos muestra con una extroversión digna de cualquier conversación con un grupo de buenos amigos, y eso es lo que son en todo momento en este disco. Cuatro buenos amigos haciendo un descomunal disco del mejor jazz. El excepcional saxofonista Chris Potter se encuentra como en casa, destaco en él el tema March Mist,en el que arropa con su improvisación toda la estructura montada por Wheeler. Para redondear a este álbum la aparición de las figuras de los maestros Dave Holland al contrabajo y de John Taylor al piano. Un disco asombroso grabado en el año 2005 para la Cam Jazz Records.

Joe Satriani

Este disco ha pasado como una mera anécdota dentro de la gigantesca discografía de uno de los mayores genios del Rock, aún así este disco sera de leyenda en un futuro. La guitarra del Satriani, nos tiene acostumbrados a viajes desconcertantes y en mas de una ocasión a que nos preguntemos ¿Como ha conseguido hacer eso con la guitarra?. Este disco marca una etapa mucho mas introspectiva dentro de la música de Satriani temas tan hermosos como Is There Love in Space? o If I Could Fly deben de merecer como mínimo un aplauso despues de su audición. Ya no solo con eso, Satriani vuelve a reunir en su estudio a los enormes Matt Bissonette haciendo una unión, con su perfecto dominio del bajo, a la magnífica percusión de Jeff Campitelli durante todo el disco. Este disco me entusiasma, aunque se que a muchos Satriani no les guste demasiado por su extremado tecnicismo a la hora de interpretar, cosa que yo no veo mal, solo creo que es otra forma mas de tocar y por supuesto un estilo absolutamente propio. El disco fue grabado en el año 2004 y creo que fue uno de los mejores albums de rock de ese año.

Bill Frisell

Después de una semana casi exiliado, molesto y dolido por unos cuantos correos sin respuesta. Presento un disco absolutamente redentor, de uno de mis guitarristas favoritos, y en concreto un disco que me ha acompañado en momentos buenos y en ratos malos. Nashville, fue el noveno disco de Bill Frisell, en el descubrimos esa maravillosa mezcla de sonidos countrie, blues, jazz y folk que tanto caracteriza a la música de Bill Frisell, pero este disco destaca por ser grande por algo mas(y no solo por los maravillosos acompañamientos de su inseparable Viktor Krauss, ni por una maravillosa aportación al dobro, por parte de Jerry Douglas)sino por un tema que llega a lo mas profundo de mi corazón como es Keep your Eyes Open,el cual puede hacer estremecer al mas inhumano de los humanos. Con este disco Frisell se afianzó el puesto de ser uno de los mayores guitarristas del nuevo jazz y en Nashville encontramos una auténtica joya. La casa Nonesuch editó este discazo en el año 1997, el cual tardó dos años en completarse. Junto a Krauss,Douglas y Frisell, aparecen Ron Block al Banjo, Adam Steffey a la mandolina y Pat Bergeson a la armónica

Diarios de un Blogger

He abierto este apartado de mi blog, por diversas razones la primera por justicia. La segunda por el derecho a todos a recibir información gratuita, sin costes adicionales. Por el derecho a todos a la copia privada, sin mamoneos políticos ni económicos. Por el apoyo incondicional a las redes P2P sin las cuales una inmensa mayoría de jóvenes y no tan jóvenes no podríamos ver, oir y escuchar aquello que queremos. Porque creo que hay un inmenso grupo de personas que sienten inquietudes mas allá del fútbol y de Operación Triunfo. Porque creo que cuantos mas enlaces se encuentren en Internet, mas posibilidades habrá para todos los músicos, escritores, pintores, arquitectos,fotógrafos, directores de cine o escultores, de que se les reconozcan sus méritos. Porque creo que el trabajo de toda persona que se meta a hacer un blog, es el de informar y difundir. No el de hablar desde una cátedra, sino con el lenguaje de la calle. Fué un fallo mío utilizar información que al esconderse en una página oficiosa(cosa que no créi que fuese), no oficial(la cuál creí tan libre, como la música de la que hablaban) me ha llamado al orden. He retirado pues todo contenido perteneciente ahora a unos pocos, dejando solo aquellos discos los cuales he compartido con mis amigos, con mis blogs vecinos y con las páginas relacionadas con redes p2p y sobre propiedad intelectual(sin participar activamente en ellas). Quedamos aún muchos, quedamos muchísimos en este inmeso mundo llamado Internet los cuales creemos que el derecho a la información y a la cultura debe de ser libre. No creemos en el chantaje, ni en los métodos dictatoriales de cátedra a la hora de disfrutar lo que para muchos nosotros es un hobby y una pasión. La piratería es un modo de jactarse económicamente, siempre económicamente del trabajo del otro, eso si es un delíto. Pero a este blog se le ha acusado de pirata y de canalla, cuando la reputación de la persona que escribe estas lineas, pueden ser otras como bebedor de whiskies con hielo o fumador vicioso,lector empedernido,amante del cine, de la música y de la buena cocina. Canalla es esconderse en detras de las palabras "Cualquier acto de explotación, de la totalidad o parte de las páginas..." explotación implica la palabra económico o económica, cosa que ellos si hacen con el material del que hablan pomposamente. En ningún caso este blog a perseguido ánimo de lucro alguno, lo único que ha perseguido este blog han sido los ánimos de Libre Difusión, al árticulo 20.d de la Constitución Española cito-A comunicar o recibir libremente información veraz por cualquier medio de difusión- y el punto 2-2. El ejercicio de estos derechos no puede restringirse mediante ningún tipo de censura previa- Ya que estamos con la ley en la mano, pediría a estos señores que ojeasen el Código Penal artículo 270.1 Cito-Será castigado con la pena de prisión de seis meses a dos años quien, con ánimo de lucro reproduzca, distribuya o comunique públicamente, en todo o en parte, una obra- . La mayoría de los partisanos que hoy se sientan en los altares de los ministerios, Sociedades Generales con cierta Autoría muy poco moralizante, actuan como actuaban los grises cuando ellos llevaban melena y escuchaban canciones protesta. Así pues amenazado y solo, me encuentro pensando que fue de lo que se habló en París hace ya casi 50 años en la Asamblea General de las Naciones Unidas, ¿Que habrá sido de la Declaración Universal de los Derechos Humanos?. Cito- Articulo Número 26- La educación tendrá por objeto el pleno desarrollo de la personalidad humana y el fortalecimiento del respeto a los derechos humanos y a las libertades fundamentales; favorecerá la comprensión, la tolerancia y la amistad entre todas las naciones y todos los grupos étnicos o religiosos, y promoverá el desarrollo de las actividades de las Naciones Unidas para el mantenimiento de la paz. Artículo número 27-Toda persona tiene derecho a tomar parte libremente en la vida cultural de la comunidad, a gozar de las artes y a participar en el progreso científico y en los beneficios que de él resulten-. Detras de sus máscaras progresistas, sociales y evagelizadoras de tres al cuarto se esconde el terrible rostro del capitalismo mas feroz y del sectarismo mas inhumano. Cuidado amigos de este blog con copiar una sola linea, os llevaré a los tribunales y me haré rico con todo vuestro oro, me han dicho que soy yo el pirata, pero estoy seguro que de son ellos los que navegan junto a Calico Jack.

Gustav Mahler & Bruno Walter

Das Lied von der Erde (La Canción de la Tierra) es un trabajo en gran escala para dos solistas vocales y orquesta escrito por el compositor austríaco Gustav Mahler. Distribuido en seis movimientos separados, cada uno de ellos una canción independiente, el trabajo es titulado Eine Symphonie für eine Tenor- und eine Alt- (oder Bariton-) Stimme und Orchester (nach Hans Bethges "Die chinesische Flöte") ('Una sinfonía para voz tenor y alto (o un barítono) y orquesta (basado en 'La Flauta China' de Hans Bethge'). La copiosa utilización de Mahler de características "chinas" en la música hace que este trabajo sea único en su obra. Compuesta entre los años 1907-1909, siguió a la Octava Sinfonía pero no recibió número, supuestamente debido al temor supersticioso del compositor respecto al significado mortal de una 'novena sinfonía'. La ejecución de la obra demora aproximadamente 65 minutos en ejecutarse. Existe también una versión reducida para orquesta de cámara realizada por Schönberg, que fue acabada por Rainer Riehn.Cuatro de los poemas chinos usados por Mahler (Das Trinklied vom Jammer der Erde, Von der Jugend, Von der Schönheit y Der Trunkene im Frühling) son de Li Tai-Po, el famoso poeta errante de la Dinastía Tang. Der Einsame im Herbst es de Chang Tsi y Der Abschied combina poemas de Mong Kao-Yen y Wang Wei con varias líneas agregadas por el propio Mahler. Este disco de la Sony Classical del año 1994 nos ofrece un expectáculo sin precedentes. Una dirección del maestro Bruno Walter y bajo su bauta la mezzo soprano Mildred Miller el tenor Ernst Haefliger y la orquesta de Nueva York. Un discazo. Todos estos datos se encuentran volcados en wikipedia.

Aki Kaurismäki & The Leningrad Cowboys

En algún lugar de Siberia donde el frío es implacable, habita un grupo de música, son una especie de Beatles mezclados con Bandas de Rock Subte. Cantan polka. Los Leningrad Cowboys que estaban destinados al fracaso, emigran a América a buscar suerte hasta terminar en México, y es ahí donde su aventura toma vuelo. Kaurismaki hace de esta película, un ejercicio de creatividad y esperanza. El humor ligero que acompaña a la banda musical buscando un futuro mejor. Durante su camino, con muchas piedras por cierto, se van descubriendo a si mismos, van mejorando su repertorio musical y lo van adecuando al exigente gusto musical de las distintas zonas a las que van por América. Los Leningrad Cowboys son un grupo finlandés de música rock, famosos por sus canciones humorísticas y sus conciertos junto con el Coro del Ejército Rojo.La banda fue una invención del director de cine finlandes Aki Kaurismäki, apareciendo como una banda ficticia en su película de 1989 «Leningrad Cowboys Go America». La banda ficticia, así mismo, fue formada por ex miembros de una banda finlandesa real, the Sleepy Sleepers, junto con miembros adicionales. En la película, ellos son presentados por Nicky Tesco, líder y miembro fundador de la banda de punk rock, The Members. Recomiendo a todos los que pasen por este blog a que disfruten de cualquiera de las películas de este director finés, al cual he quedado enganchado de por vida.

John Mayall

Este Blues for the Laurel Canyon, acaba de caer en mis manos hoy, gracias a un buen intercambio musical. Si ya conocía los buenos haceres de Mayall, creo que es prácticamente imposible abarcar su extensa discografía y creo que un album como este es de agradecer. En este disco se esconde un áspero blues, un sonido puramente añejo influido también por el buen rock& roll de esos años. En este disco se esconden también una excelente seleción de músicos,sabiamente elegidos entre las entradas y salidas de los muchos colaboradores que Mayall ha ido teniendo a lo largo de sus muchísimos años como músico. Mick Taylor a la guitarra acompañando a Mayall(el cual en este disco también se atreve con el piano)Stephen Thompson al bajo y Colin Allen a la batería. Un excelente disco de blues grabado en 1968 para la casa Deram.

Stefano di Battista

Stefano Di Battista, uno de los más famosos saxofonistas de jazz. Estilo inconfundible y grande habilidad con el instrumento, dividido entre Italia y Francia siendo esta última, Paris concretamente, su patria. Ha tocado con los más grandes jazzistas a escala mundial, entre los cuales Herbie Hancock y artistas del calibre de Carlos Santana. Con el proyecto “Trouble Shooting”, su último trabajo, se presenta en trío con Baptiste Trotignon , virtuoso del órgano Hammond y Benjamin Henocq en la batería. Trouble Shooting' es un expectacular trabajo para quinteto en el que resulta inconfundible el estilo de Battista. Fue grabado en el 2007 para la Blue Note.Un gran disco.

Ludwig van Beethoven Lajos Mayer Bela Banfalvi Imre Rohann & Sandor Falvai

El virtuoso maestro Beethoven compuso unas cuantas obras para mandolina, la historia cuenta que se las escribió a un muy buen amigo suyo, para que pudiera conquistar a una mujer. El disco fue editado por la Hungarotron Classic en 1994 y participaron en el Lajos Mayer a la Mandolina, Bela Banfalvi al violín e Imre Rohmann y Sandor Falvai a los pianos. Un magnífico disco de música clásica donde escuchamos la cara oculta de uno de los mayores genios de la música.

Michael Galasso Terje Rypdal Frank Colón & Marc Marder

El prestigioso violinista Michael Galasso, se encargó de hacer música para peliculas de Wong Kar-Wai, como In the Mood for Love. En este caso nos ocupamos de un estilo muy diferente, ahora tiene que demostrar su valía junto a maestros como Terje Rypdal. Y es en este disco donde Galasso alcanza la catarsis, donde da todo . Donde se desprende de los canones y saca todo al exterior. La ECM reunió a estas estrellas para hacerlas imperecederas en este discazo descomunal, un disco donde Rypdal se maneja con su sabiduría musical, donde Colón maneja el ritmo imposible, pausado y a veces hasta enérgico con una maestría digna de un sabio y donde Marc Marder esta también insuperable. Una joya de la casa ECM grabada entre noviembre del 2002 y abril del 2004.

John Scofield Joe Lovano Dave Holland & Al Foster

ScoLoHoFo es el grupo formado por John Scofield en guitarra, Joe Lovano en saxo, Dave Holland en contrabajo y Al Foster en batería. Los miembros de la banda ya habían trabajado juntos en diversas oportunidades, pero nunca los cuatro en la misma formación. Muchos super grupos se forman para algún evento especial o bajo el diseño y dirección de algún sello discográfico. John Scofield dice que lo que distingue a ScoLoHoFo es el hecho e que cada uno de sus integrantes colabora de manera equilibrada en los arreglos y en la composición, y que estó es posible gracias a la química que existe entre ellos y la mutua admiración. Todo ello se muestra en este album gigantesco. Un disco grabado para la Blue Note en el año 2002.

Joshua Redman Pat Metheny Charlie Haden & Billy Higgins

El esfuerzo de estudiante de segundo año de Joshua Redman lo encontró conduciendo un cuarteto sin piano, que incluyó la guitarra del gran Pat Metheny y la mitad del cuarteto pionero de fines de los '50 y principios de los '60 de Ornette Coleman: el bajista acústico Charlie Haden y el percusionista Billy Higgins. Con tal compañía, Redman podría haber entregado un fuerte álbum de jazz de vanguardia o free; Haden y Higgins han jugado un papel importante en el jazz de vanguardia debido a su asociación con Coleman, y Metheny se unió a Coleman en su emocionante sesión de 1985, "Song X". Pero Wish no es de vanguardia; en su lugar, está sobre todo, dentro de la época del post-bop enfatizando lo lírico y lo introspectivo. Un discazo grabado en 1993.Fuente para la reseña:Alex Henderson de la All Music Guide una traducción de La Bestia Políglota.

Dave Holland

Pass it on es el nuevo trabajo discográfico del incansable bajista Dave Holland. Tras habernos deleitado con su genial quinteto con el que nos ha regalado discos tan memorables como Extended Play, Dream of the Elders o Not for Nothing y tras haber sorprendido al mundo con su Big Band con registros como Overtime o What goes Around, el londinense Holland estrena formación y formato en un nuevo trabajo que quizás inaugure una nueva etapa, a pesar del revisionismo de su repertorio.Dave Holland Sextet cuenta con asiduos colaboradores de su quinteto y su big band como el saxofonista Antonio Hart, el trombonista Robin Eubanks y el trompetista Alex Sipiagin y con nuevas incorporaciones como el pianista Mulgrew Miller y el batería Eric Hardland. El repertorio es una revisión de varios de sus temas más emblemáticos a lo largo de su dilatada carrera por lo que el trabajo es en parte revisionista pero teniendo en cuenta la incorporación del piano tras muchos años si contar con el en sus formaciones, parece que Holland ha decidido hacer un cambio de rumbo que teniendo en cuenta su trayectoria significará que se encuentra mirando hacia una nueva dirección. Siempre es un placer escuchar un nuevo disco de uno de los músicos más creativos del panorama jazzistico actual a pesar de haberse convertido ya en una auténtica leyenda, pero es más gratificante cuando sabemos que problablemente nos encontremos ante el nacimiento de otro grupo de Dave Holland, que tiene el listón muy alto tras haber llegado a lo más alto con el Dave Holland Quintet. Un excepcional trabajo para la casa Emarcy del año 2008.

Bertrand Tavernier & Dexter Gordon

Una película que me ha tocado la fibra sensible y que recomiendo a todos los amantes del jazz y de la música. Esta es la hermosa historia que relata el director francés Bertrand Tavernier, en su película de 1986 ROUND MIDNIGHT, con el que logra una inmersión de una profundidad sin precedentes en todos los aspectos del universo jazzístico: el literario, el musical, y sobre todo en el peculiar carácter de sus personajes, sin mas artificios que las licencias propias del drama. ROUND MIDNIGHT no es propiamente una película mas sobre el Jazz, sino un verdadero musical, en el que destacados jazzmen, interpretan en directo números completos en el escenario de un club de Jazz, perfectamente retratado por Tavernier, sin ningún tipo de interferencia argumental. Por otra parte la música incidental, arreglada y en parte compuesta por Herbie Hancock y que mereció el Oscar de la Academia de Hollywood, es un elemento fundamental que colorea sus escenas de tristeza y poesía. En el escenario se encuentra Dexter Gordon, que transformado en actor protagonista da vida a Dale Turner, saxofonista alcohólico y drogadicto, que como otros muchos de sus compatriotas se ha refugiado en Europa, no ya en busca del éxito y el aplauso, sino de la mera supervivencia. Allí, sometido a la férrea dictadura de su compañera Buttercup, recorre a diario el triste camino que separa el hotel en el que vive encerrado, del club en el que toca todas las noches. Francis Borler, un aficionado francés que ha hecho de la música de Turner, la razón de su vida, sacrificando incluso su trabajo y su propia familia, acude al club para conocer a su ídolo.La presencia de Baker en la banda sonora del film, obró los efectos de la del mosquito atrapado en el ámbar: un pequeño detalle que convierte un objeto de gran valor y belleza en algo excepcional e irrepetible. La interpretación de Chet nos relata sin palabras la razón por la que el trompetista se transformó en vida en un mito del Jazz. El tema se registró en una sola toma y sin ensayos y la sensibilidad de Chet, tanto al cantar la balada como al interpretar su solo de trompeta, impresionó sobremanera a los músicos que le acompañaban. La película se despide con la agridulce belleza del tema de Hancock, “Chan´s Song”, interpretado nuevamente por Bobby McFerrin. Datos de Jazzonend. Una película asombrosa la cual recomiendo a todos aquellos que analizan la misma banda sonora sesenta veces seguidas.

Tom Waits

Otro de Waits para terminar este buen dia de Junio. “Real Gone” es un disco de gravilla y herrumbre. Áspero y rudo, aunque también profundo, lleva más lejos que nunca la faceta más “difícil” de Waits, aquella que se comenzara a intuir en “Heartbreak And Vine”, se consagrara en el seminal “Swordfishtrombones” y encontrara su paroxismo provisional en “Bone Machine”. Desde entonces, esta cubista y agresiva exploración de la música tradicional norteamericana y centroeuropea se había convertido en un recurso sabiamente dosificado. No así en “Real Gone”, para el cual Waits grabó horas de su propia voz profiriendo rugidos y golpes guturales, dejando su garganta al rojo vivo, sangrando y esputando los jirones de carne, convirtiendo este material en un peculiar instrumento percusivo. Sobre esta insospechada base rítmica su renovada banda, en la que el piano brilla por su completa ausencia, grabó las pistas instrumentales, dejando como resultado un sonido único, aunque reconocible. La escueta banda, que incluye ilustres como el prodigioso guitarrista Marc Ribot, Les Claypool (bajo) y Brain (batería) de Primus, el veterano bajista Larry Taylor o la propia hija de Waits, Casey, a la percusión y turntables, ha sabido comprender a un verdadero marciano de andar por casa y nos ha conseguido regalar otro disco extravagante y especial, habitante feliz de una dimensión sonora propia, una suerte de hip hop tradicionalista y rústico que rompe todas las convenciones y suena más vanguardista que toda la electrónica del mundo. Repleto de “grooves” cíclicos de funk pantanoso y blues del Delta, por momentos parece un álbum de dance music para zombies epilépticos. Las tersas líneas de Ribot tornan, por ejemplo, “Hoist That Rag” en un mutante ritmo afrocubano en el que por su parte Waits nos regala simultáneamente una ruda exhibición vocal y una hermosa melodía subterránea. La clase de cosas que sólo ocurren en uno de sus discos.

Tom Waits

Puedo decir que siempre he sido un profundo admirador de la música de Tom Waits, pero pido disculpas a todos los visitantes de este blog, por hablar últimamente demasiado de este músico. Estos dos últimos meses ha sonado la música de este enorme artísta una media de tiempo demasiado alta en mi habitación, como para que se me olvide escribir algo sobre él o sobre sus discos. El tercero de la trilogía, y un disco imprescindible para llegar a comprender los 70’. Quizá su trabajo más depresivo, alcanzando la tragedia a todas sus historias “Tom Traubert’s Blues” () o “I Wish I Wash In New Orleans”. Descripciones nocturnas de ambientes lúgubres, rapeando más que cantando en ocasiones (“Pasties And G-string”), llegando incluso a narrar asesinatos en “Small Change”. En definitiva, otra joya.

Cortex

De este extrañísimo álbum de jazz fusión francés, del sello Disques Esperance solo se sacaron a la venta 7000 copias, lo que le convirtió en una especie de utopía inalcanzable para coleccionistas y un auténtico milagro para Ebay. En 1974 ,Alain Mion,Alain Gandolfi y Jeff Hunter formaron la mítica banda Cortex que, acontinuación, grabó varios Lp´s, incluido el album Troupeau Bleu. Este album, grabado en dos dias en julio de 1975 es un autentico OVNI musical, un disco inclasificable, una mezcla de mil sabores, el disco solo se descubre despues de haberlo escuchado. Un muy buen disco de jazz fusión.

Johnny Coles

Es impresionante ver la cantidad de creatividad y talento musical que ha expresado mediante el jazz, el trompetista Johnny Coles. Este trompeta es solo uno de los miles de artistas infravalorados y que tan pocas grabaciones han realizado. Este bello conjunto de cálidos temas de bop, con ciertos toques de blues es una rareza a cargo de un interprete poco habitual. El disco fue grabado en 1963 y junto Coles se encuentran un grupo de maestros como Joe Henderson al saxo, Duke Pearson al piano, Bob Cranshaw a la guitarra, Walter Perkins a la batería y Pete LaRoca al contrabajo entre otros muchos colaboradores. Un disco olvidado donde se reunen los mejores músicos de la década de los 60. Altamente recomendable.