Ornette Coleman

La crítica se tomó este trabajo como una ofensa. The Shape of Jazz to Come, es otro de esos trabajos de la ya conocida Generación del 59. En este album de Ornette Coleman, ofrecía un avance de su This is Our Music, repitiendo exactamente la misma formación. Aquí intervienen varios factores que hacen de este disco una grabación historica. A su vez fue el primer disco del saxofonista Ornette Coleman para la Atlantic, puede entenderse como el inicio del Free Jazz, este último un estilo en el cual la improvisación se libera de la estructura armónica y el género alcanza el mayor grado de libertad.El trabajo se compone de estructuras muy afines a This is our Music, pero cambiando frecuentemente los tiempos, dejando que las percusiones coloreen los fraseos e improvisaciones de Coleman. La interacción entre ellos es única y la sección rítmica corre a cargo de Charlie Haden y Billy Higgins los cuales tocan de un modo absolutamente vanguardista,para una época donde donde el contrabajo y la batería tenían una contribución inusual.Pasados unos años Haden convertiría el tema Lonely Woman casí en un himno propio en su album Etudes un trabajo realizado para la Blue Label Italiana en los 80, grabado junto a Geri Allen y Paul Motian. El sonido del saxo alto de plástico es seco, crudo y agudo, sus frases son fluidas y el efecto creado junto a la trompeta de bolsillo de Don Cherry es descomunal. Un disco de jazz esencial.

Dave Brubeck

Este Time Out, ha enganchado a generaciones al jazz. Es otro de esos discos de la Generación del 59, una grabación ya histórica y cargada de anécdotas. En este album Brubeck propuso cambiar los tiempos predominantes en percusión de 4/4 o 3/2 a 5/4 variando con ello la estructura predominante en los 50. A lo largo de el album, encontramos temas ya clásicos y versionados hasta en rock por Emerson, Lake & Palmer como Blue Rondo a la Turk o el icono del álbum compuesto por Paul Desmond Take Five. Este tema casi acaba con la formación del cuarteto. Brubeck el cual tenia una gran relación con el batería Joe Morello, le propuso un solo de batería a lo largo de la grabación durante la finalización y contestación al solo de Paul Desmond, el cuál apareció finalmente en la grabación final. Morello realiza con ello uno de los primeros grandes fraseos de batería de la historia del jazz, hasta esos momentos un instrumento bastante arrinconado y centrado en la meramente en la labor rítmica por standares del swing de esos años. Paul Desmond discutió con Brubeck al final de la grabación,siendo este el motivo por el cual el disco fue grabado en tres días diferentes, con márgenes casi de meses entre ellos. Un buen recuerdo que ha vuelto después de mucho tiempo. El album fue grabado para la Columbia entre junio y agosto de 1959. Un disco magnífico.

Johnny Griffin

1959 año en el cual se dice que hubo un giro drástico en cuanto a la estética que ofrecía el jazz. Del swing al bop, bebop y los cañonazos de los últimos cincuenta con el hardbop. The Little Giant es el comienzo o el principio de algo en constante evolución. Este disco pasó prácticamente sin pena ni gloria, por aquel año. Eclipsado por The Kind of Blue de Miles Davis, Ah Um de Charlie Mingus o por The Shape the Jazz to Come de Ornette Coleman. Pero esto también es un buen trabajo, sin la mas mínima pretensión de Griffin que la de hacer música, buena música. Destaco el tercer corte, Lonely me, en el que ensalzo la absoluta comunicación entre Albert Heath, Sam Jones y el propio Griffin. La formación se compone de Johnny Griffin al saxo tenor, Blue Mitchell a la trompeta, Julian Priester al trombón, Wynton Kelly al piano, Sam Jones al bajo y Albert "Tootie" Heath a la batería. El album fue una producción para la Riverside records.

Charlie Haden

Puedo decir abiertamente que este disco me enamoró desde el primer tema hasta el último. La comunicación entre los tres maestros se demuestra desde los primeros acordes por parte del contrabajo de Charlie Haden en el primer corte, Lonely Woman. Tema compuesto por Ornette Coleman, pero con una interpretación y ejecución por parte de este trio descomunal. Geri Allen vuela alto a lo largo de todo este álbum de estudio, pareciendo un trabajo grabado en vivo, respecto a la intensidad con la que ha sido realizado. Todo el disco se compone de temas de Paul Motian, Charlie Haden y Herbie Nichols. Etudes está mucho mas arriba dentro de la carrera de estos genios, de lo que el tiempo ha mostrado. Creo que es de justicia sacar de cajón del olvido este enorme trabajo. Etudes fue una producción de la casa italiana Blue Label, grabada entre el 14 y 15 de septiembre de 1987.

Eddie "Lockjaw" Davis & Johnny Griffin

Battle Stations es considerado un trabajo menor dentro de la amplia obra de Eddie "Lockjaw" Davis y Johnny Griffin . Ese menor impuesto por la moda del absurdo y por sobretodo este revisionismo que nos atrapa a los seguidores de esta música, no debe de hacer sombra a ese seguir descubriendo, a ese seguir conociendo. Este trabajo al fin y al cabo es otra sorpresa. Un álbum que arranca con un clamoroso hard bop, en el corte de entrada What's happening, pero se vuelve a ubicar en las raices del swing de los 50. Ese sonido que se mezcla con las sensaciones, con todo aquello que va mas allá de la palabra. Pura mágia reducida en casi 55 minutos de música. Por parte de Davis y de Griffin poco mas puedo decir de sus batallas, este disco es otra pieza de colección. Junto a ellos Norman Simmons al piano, Victor Sproles al contrabajo y Ben Riley a la batería. Un disco grabado para la casa Prestige en 1960.

Coleman Hawkins

Coleman Hawkins perteneció a la generación del swing de los primeros años 50, pero siempre mantuvo a su música cercana al bebop, pero siempre fue Hawkins. Desde este The Hawk Flies High hasta su último album llamado Sirius. Hasta cuando fue sideman de músicos afines a su estilo como Sonny Rollins o Kenny Burrell, hasta autores que poco tenían que ver con la música que Hawkins escribía. como Abbey Lincoln en Straight Ahead o su ya reconocido We Insist, en el cual aparece también la incursión Max Roach. Este The Hank flies Hight, es una de las primeras grabaciones como lider de Hawkins. El swing lo envuelve todo, pero sin llegar a ser cargante. Un álbum perfecto para entender la mejor faceta del jazz de los años 50. El equipo de Coleman se compone de J.J. Johnson al trombón, Idrees Sulieman a la trompeta, Hank Jones al piano , Oscar Pettiford al contrabajo, Barry Galbraith a la guitarra y Jo Jones a la batería. El disco fue una producción de la Riverside del año 1957.

Ornette Coleman

Preparados para los ritmos del bebop y del free jazz. En este discazo de Ornette Coleman todo es obligatoriamente improvisado, en esa obligatoriedad de no seguir los cánones marcados por un jazz mas primitivo, Coleman mueve a su equipo por parajes que se adelantan treinta años a su música. Donde el movimiento del Free Jazz se encontraba buscando su hueco aparecían músicos que hacían emerger al jazz de nuevo con sus propuestas como este This is our music. Este disco acompaño a trabajos de Coltrane como Avant Garde o Impresions editados ese mismo 1961. Y tiene una particularidad especial es la única grabación de la Atlantic Records que no contiene ningún standar, todo son improvisaciones a excepción de Embraceable You. Coleman no dudo tampoco en recurrir a un conjunto de maestros como Don Cherry a la trompeta, Ed Blackwell a la batería y Charlie Haden al contrabajo.

Sam Rivers

Este Fuschia Swing Song es el debut como líder del saxofonista Sam Rivers en 1964 para la afamada Blue Note. Entre otras peculiaridades su portada, la original en color rojizo es de la copia original del año 64, en el año 2005 se realizó una remasterización del album en la cual se eligió el color azul para su edición en cd. En este disco se muestran claramente las influencias de John Coltrane o del Free Jazz de Ornette Colleman. Después de haber escuchado grabaciones como sideman junto a Bill Frisell, Miles Davis, Barry Altschul, Bobby Timmons, Larry Young o Dave Holland, puedo decir que este disco es absolutamente distinto en cuanto estilo, no encuentro parecidos ni en forma ni en ejecución en el resto de sus albums, siendo este una pequeña joya distinta a la música que nos tiene acostumbrados rivers, un disco que se mueve entre el free jazz y el hard bop, pero sin ser los momentos mas intensos de la grabación fraseos forzados.El disco original se compone de seis temas, pero en la reedición se añadieron cuatro temas extra que quedaron descartados en el album original. Junto a Rivers, aparece un terceto de lujo compuesto por Jaki Byard al piano, Ron Carter al contrabajo y Toni Williams a la batería. El disco fue grabado en los Van Gelder Studios en un único día, el 11 de diciembre de ese mismo 1964.

Elvin Jones & Richard Davis

Heavy Sounds es uno de los primeros trabajos como líder del batería de jazz norteamericano Elin Jones junto al bajista Richard Davis. En este disco se juntaron, para interpretar temas de Frank Foster, George Gershwin o Johnny Bourke. Este disco se acerca a las raices del Hard Bop, pero sin adentrarse el vértigo y la velocidad que a veces impera en el estilo. El disco se compone de seis cortes,entre los cuales encuentro una curiosidad como es el Elvin's Guitar Blues interpretado por el propio Elvin Jones, pero esta vez dejando la batería y pasándose por unos minutos a la guitarra . Junto a Elvin Jones y a Richard Davis, aparecen Frank Foster al saxo y Billy Greene al piano. El disco fue grabado entre el 19 y 20 de junio de 1967 en los Rudy Van Gelder Studios de Nueva Jersey para la Impulse Records.

Charles Mingus

Un disco grabado en vivo durante la actuación de Charlie Mingus y su sexteto, durante el Newport in Europe Festival celebrado en Rotterdam el 1 de noviembre de 1970. Mingus abre la grabación haciendo un enorme homenaje al público holandés, con su conocido Orange Was the Color of Her Dress, en el cual se advierte lo que viene después. Fraseos e intercambios entre el piano de Jaki Byard y el saxo alto de Charles McPherson y el disco avanza tema a tema haciendose cada vez mas versátil. Giros drásticos, ritmos incansables,improvisaciones y unos destellos de genialidad por parte de Mingus que rozan en ser una de las mejores grabaciones en vivo que se conservan durante sus tours europeos. La formación se conservó hasta el North Sea del siguente año. Desapareciendo con esta grabación el sexteto original formado por Mingus al contrabajo, Jackie Byard al piano, Charles MacPherson al saxo, Bobby Jones al clarinete,Eddie Preston a la trompeta y Dannie Richmond a la batería. El disco fue una producción de la Cross Roads Records.

John Abercrombie

Within A Song es el título del nuevo trabajo de John Abercrombie, desde la anterior grabación como líder en el año 2009 con Wait till you see here, ha aparecido acompañando trabajos de John Surman o John Patitucci. Y tres años después nos presenta esta sorprendente propuesta, alejada de los canones marcados en Cat n Mouse o Tactics. Esto es otro album, un homenaje extenso a los clásicos basandose en standars de Miles Davis, John Coltrane, Ornette Colleman o Bill Evans. Abercrombie nos entrega un disco tierno y melancólico, donde no falta fuerza y calor, un trabajo con cargado de influecias y detalles a esa generación de su juventud. Compone un tema llamado ‘Easy Rider’, recrea una composición que en su momento toco Sonny Rollins y Jim Hall: ‘Without a Song’ mezclándola con otra suya ‘Withing a Song’, y además revisa ‘Flamenco Sketches’ de Miles Davis, ‘Blues Connotation’ de Ornette Coleman, ‘Wise One’ de John Coltrane e ‘Interplay’ de Bill Evans. Este disco es otra tremenda producción de la ECM para este 2012, pero grabada en septiembre del 2011. En el nuevo cuarteto de John Abercrombie lo forman el mago Joe Lovano al saxo, Joey Baron a la batería y Drew Gress al contrabajo.

Art Ensemble of Chicago

Full Force es un trabajo del año 1980 de uno de los padres del Free Jazz, como es Art Ensemble of Chicago. A lo largo de los cinco temas de mas de diez minutos cada uno, escuchamos adaptaciones de Lester Bowie, Joseph Jarman, Roscoe Mitchell, Malachi Favors Maghostut y Don Moye. El grupo surge en el seno de la Asociación para el Avance de los Músicos Creativos, a finales de los años 1960. Se formó inicialmente por el saxofonista Roscoe Mitchell para un concierto ofrecido en Chicago, en diciembre de 1966, bajo el nombre de Roscoe Mitchell's Art Ensemble. Sería en 1969, y en París, al registrarse la primera grabación de la banda, cuando adoptaron el nombre de Chicago Art Ensemble. Este grupo de músicos innovadores estaba formado originalmente por Mitchell, el trompetista Lester Bowie, el contrabajista Malachi Favors y el batería Philip Wilson. Este disco ha pasado ya a ser considerado un clásico, siendo una de las formaciones donde los estilos de Ornette Colleman y Art Taylor, se muestran como claras influencias de la banda. Un tema a destacar de todo el album, puede ser el enorme Charlie M, clara referencia al enorme Charlie Mingus. El disco fue una de las grabaciones, con las que la ECM abrió los años 80. Siendo este una de las producciones mas aclamadas de ese año. Un disco excepcional de Free Jazz.

Jim Hall

This 1988 studio date is one of the overlooked treasures in the considerable discography of Jim Hall, possibly due to the label's low-key promotion and less than eye-catching cover art. It is easy why to understand why artists like Art Farmer and Paul Desmond omitted a pianist after hearing a release such as this one, because it would only clutter Hall's soft yet complete accompaniment. Joined by Tom Harrell (heard mostly on fluegelhorn), bassist Steve LaSpina, and drummer Joey Baron, this CD is a delight from start to finish. The interaction of the musicians in the opener, a lively, waltzing "With a Song in My Heart," makes it sound like they have been a working unit for years. The well-conceived arrangement of "Where or When," which Hall dedicated to Basie guitarist Freddie Green (who died the year prior to the sessions), proves to be the most captivating track, with its understated yet consummately swinging air. Hall contributed the tense "Cross Court," a smoking post-bop vehicle, a pulsing calypso written originally for his 1985 Montreux concert with Michel Petrucciani and Wayne Shorter, as well as the haunting ballad "These Rooms," which opens with Harrell's melancholy unaccompanied trumpet solo, and has an abstract solo by the leader. "Something Tells Me" is a lovely bittersweet ballad by Jane Hall (Jim's wife, a talented composer whose work he has often recorded), featuring Hall and Harrell. Hall's unaccompanied take of Duke Ellington's "All Too Soon" makes one wonder why he has never recorded a entire CD of guitar solos. To allmusic.

Dave Douglas

Ahora una banda de viento en homenaje a Lester Bowie. Ocho temas propios y tres versiones de gente como Otis Redding, Hank Williams y Rufus Wainwright completan este nuevo disco que no deja indiferente al oyente. Douglas, que ya había realizado antes un homenaje a Don Cherry, se adentra en el mundo de la Lester Bowie’s Brass Fantasy un conjunto de nueve músicos que tocaban solo instrumentos de viento con paso fuerte; reduce la formación a cuarteto y se hace acompañar por una batería para marcar bien los ritmos.En “Spirit Moves” además de Lester, que tiene su homenaje en el tema “Bowie”, podemos encontrar el espíritu de Enrico Rava en “Rava”, el de Fast Waller en “Fast” y las versiones del “Soulero”, “Mister Pitiful” de Otis Redding o ese “This Love Affair” de Rufus Wainwright que traspasa al mundo de la brass band con su saber. El disco ha sido producido por el propio Douglas y grabado entre el 15 y 16 de noviembre del 2008 en Nueva York, para la Green Leaf Music.

The Antlers

Inicialmente, The Antlers era un proyecto en solitario creado por el vocalista y guitarrista Peter Silberman inmediatamente después de que éste se mudara a Brooklyn, Nueva York. Silberman escribió los dos primeros álbumes, Uprooted y In the Attic of the Universe personalmente. Más tarde, reclutó a Michael Lerner y Darby Cicci, convirtiéndose en el grupo actual. La banda grabó dos EPs: Cold War y New York Hospitals. La colección de canciones de Silberman se convertiría más tarde en un LP titulado Hospice. La historia que se esconde tras este álbum ha sido debatida, pero Silberman explicó la grabación como la historia de una relación desequilibrada, abusiva, contada a través de la analogía de un trabajador de un hospital y un paciente terminal. El álbum fue lanzado independientemente por la banda en Mayo del 2009, vendiendo todas las copias. La banda comentó más tarde que prometieron más de lo que podían ofrecer, y acabaron firmando con la productora Frenchkiss Recods, con sede en Nueva York, que lanzó una versión remasterizada del álbum el 18 de Agosto del 2009.Copiado con dos huevos de wikipedia. Un muy buen disco.

Leo Wright

Poco mas puedo añadir sobre uno de los mejores sidemans de la historia del jazz. Apariciones estelares desde finales de los años cuarenta, junto a iconos de la escena jazzistica como Charles Mingus, Kenny Burrell, Johnny Coles, Blue Mitchell o Dizzy Gillespie entre otros. Este JazzbeiFreddy es una combinación de varios factores positivos, que hacen de este directo una grabación de un nivel enorme. Tras varios paseos por Europa, tratamientos contra el alcohol y la heroína, Leo Wright se refugia en Europa, viaja a Amsterdam, Copenhague hasta aterrizar en el mítico club vienés JazzbeiFreddy en el año 1977. En esta grabación se encuentra acompañado de un excepcional Jimmy Woode al contrabajo, Fritz Power al piano y Tony Inzelaco a la batería. El disco fue una producción de la Wunderteam Vienesa. En este album, Leo Wright realiza diferentes , interpretaciones con flauta como en el tema inicial I remember April, con un bop de una velocidad tremenda. Paseos por el blues en Don´t Move, y fraseos de una gran profundidad a lo largo de todo el album. Un trabajo magnífico.

Hampton Hawes

Hampton Hawes toca, y graba, con Dexter Gordon y Wardell Gray en 1947, y después lo hará con Charlie Parker, Red Norvo y Shorty Rogers. En 1952 forma un cuarteto con Art Pepper y, en 1954, con el contabajista Red Mitchell. En 1957, graba con Charles Mingus. Detenido por posesión y consumo de heroína, es encarcelado en 1959, y permanece en prisión hasta 1963, en que es indultado.En los años 60, toca con Jon Hendricks, con Jackie McLean, con el saxofonista tenor Harold Land, nuevamente con Red Mitchell, y con el también contrabajista Jimmy Garrison. En los 70, gira frecuentemente por Europa, con su propio trío, y graba con la cantautora Joan Baez y con Charlie Haden (1976), poco antes de morir.De formación musical autodidacta, poseía una mano izquierda sobredesarrollada, con conceptos extraídos del blues y el gospel. Fue uno de los pianistas preferidos por los músicos de la West Coast californiana. Esta joyita del pianista Hampton Hawes grabada en vivo en Copenhague en el 1971, da muestras de lo que era capaz de producir la ya desaparecida Black Lion Records por aquellos años. A lo largo de este albun, se presentan siente temas de un bebop de altísimo nivel, añadiendo el último tema Dexter's Deck, compuesto e interpretado en vivo por Dexter Gordon el cual se añade a la formación en este tema de cierre. Junto a Hawes y Gordon, aparecen Henry Franklin al contrabajo y Michael Carvin a la batería. Un disco magnífico.

Dexter Gordon

This openness and invention is heard at its best on “One Flight Up”. The album is remarkable for a host of reasons. It was recorded in Paris (not New Jersey) by musicians who had established themselves outside of the United States. On its initial release on vinyl, a single 18 minute track (“Tanya”) took up the whole of the first side – this some two years before Bob Dylan’s “Sad Eyed Lady of the Lowlands” amazed the pop world by taking up a whole side of the album “Blonde on Blonde”. And “One Flight Up” marks the early and definitive appearance of one of the few European jazz players to make it on a truly international stage – bass player Niels-Henning Orsted Pedersen, unsurprisingly known for short as NHOP. Dexter had been successful with the 1963 Blue Note release “Our Man In Paris” (with Bud Powell (piano), Pierre Michelot (bass) and Kenny Clarke (drums), recorded at CBS studios Paris, as the title suggests. This in itself is often regarded as one of the great jazz albums in which Dexter’s style fully and freely emerges. Francis Wolff was keen to get more of Dexter’s output on disc and went to Paris to produce the “One Flight Up” sessions. Leonard Feather’s original album liner notes for “One Flight Up” and the additional notes prepared by Bob Blumenthal for the RVG edition in 2003 both refer to a round table discussion for “Down Beat” in 1964 in which Dexter Gordon and Kenny Drew (who plays piano on the album) talk about the advantages of being expatriates. Dexter had left the US in 1962 to take up a permanent residency at the Montmatre Club in Copenhagen. There he had recruited NHOP (then aged just 16) as bass player in his trio. Kenny Drew had moved to Paris in 1960, staying on after a six week role in the play “The Connection”. Both point out the freedom that they were able to discover in playing jazz away from the pressures of being back home. The most obvious advantage was the absence of racism – still a major problem for African Americans in the 1960s, as we have pointed out in discussing John Coltrane’s music. Blue Note References.

Philippe de Monte

Philippe de Monte fue un compositor flamenco del Renacimiento tardío. Escribió más madrigales que cualquier otro compositor de la época, y fue uno de los músicos más influyentes en este género. De Monte nació en Malinas. Después del aprendizaje musical durante su niñez en la catedral de Saint Rumbolds de su ciudad natal, (donde fue coreuta), viajó a Italia, destino común para un joven compositor flamenco en el Siglo XVI. Allí se hizo de renombre como compositor, cantante y maestro de música. Fue alumno de Orlando di Lasso. In their third disc for Hyperion, the acclaimed vocal ensemble Cinquecento continue their exploration of the rich repertoire engendered in the Habsburg court. The prolific composer De Monte, Kapellmeister to the Emperor Maximilian II, wrote over a thousand madrigals as well as hundreds of sacred works, and the expressive aspects of the madrigal infuse his sacred music delightfully. His Missa Ultimi miei sospiri contains the constant interplay between groups of voices and dramatic word-setting which are features of the madrigal genre. The motets recorded here cover many Biblical and liturgical subjects and demonstrate the wide range of techniques and styles used by the composer.