Ralph Towner Eddie Gomez & Jack DeJohnette

Este disco reune a tres de los músicos de mayor proyección internacional de los últimos treinta años. En este disco encontramos a los tres, dando forma a esta maravilla títulada Batik. El disco derrocha por todas partes una categoría y sabiduría musical extremas, donde esos fraseos típicos de la guitarra de Towner se entrelazan con la batería de Jack de Johnette y estos con el sensacional bajo de Eddie Gomez. En este disco también podemos escuchar,a un Towner con una guitarra de 12 cuerdas, la cual hará las delícias de todos los amantes de la guitarra clásica. En este disco también abundan los potentes solos de bajo de Eddie Gomez, en el que tendría que mencionar el repertorio se su buen hacer, en el primer tema llamado Whaterweel. Todo en este disco es mágico,sorprendente y cargado de una música absolutamente sensacional. Batik fue grabado en 1978 para la ECM. Creo que es uno de los pocos discos, donde podemos encontrar a esta interesantísima formación de maestros.

Sonny Rollins

En este discazo firmado por Sonny Rollins, titulado Falling in Love Whith Jazz podemos admirar toda esa potencia,fuerza y sensibilidad a la que el maestro Sonny Rollins nos tiene acostumbrados album,tras album. Este disco contiene una curiosa variedad de equipo, en la que podemos ver rotaciones que van desde Jack de Johnette a la batería,turnandose con Jeff Watts,Tommy Flanagan turnandose con Mark Soskin,Jerome Harris cambiando el sonido de su bajo eléctrico por el del contrabajo de Bob Cranshaw,y por último el saxo de Branford Marsalis por una aparición en guitarra de Jerome Harris en Tenessee Waltz y Little Girl Blue. El disco suena bien hasta en la última nota, con este album Rollins consiguió fusionar de una manera magistral el sonido del Free con el frescor que trajeron,los nuevos vientos del jazz en los años 90. El saxo de Rollins destaca de una manera absolutamente sobresaliente a lo largo de toda la grabación, siendo este disco uno de mis favoritos dentro de la amplísima discografía del maestro. El disco fue producido por el propio Rollins y grabado en la ciudad de Nueva York, en el año 1990 para la casa Milestone. Una joya de uno de los mas grandes saxofonistas de la historia del jazz.

Michel Petrucciani & Niels-Henning Ørsted Pedersen

Un disco grabado en el famoso Jazzhouse de Copenague, el cual recocoge un concierto aún sin editar que dieron los maestros Niels-Henning Ørsted Pedersen al contra y Michel Petrucciani al piano, en el año 1994. El disco saca a la luz catorece temas standars de Petrucciani, mas un trabajo no publicado de Pedersen hasta la fecha. En el album abundan los climas íntimos,donde los dos maestros dan un auténtico recital. La casa Dreyfuss se ha encargado de editar este material,casi 15 años después de haber sido grabado en vivo, en aquella mítica noche. El disco se encuentra dividido en dos cds, en los cuales se advierte la profunda sintonia,que compartian ambos maestros. Este album es pues, otra joya mas para la carrera discográfica de ambos en la que podemos escuchar uno de los mejores conciertos a dúo que han podido ser grabados en los años 90. Una joya que merece la pena seguirle la pista.

Enrico Pieranunzi Marc Johnson & Joey Baron

En este sensacional disco volvemos a encontrar a uno de los mejores y mas aclamados trios del jazz actual, el veterano Enrico Pieranunzi,el bajista y contrabajista Marc Johnson y el batería Joey Baron. En este disco la música vuelve a flotar, creando esos espacios típicos del intimismo de Pieranunzi. Todo el album se encuentra bajo la influencia directa o indirecta de la música de Morricone, pero llevandola a unas cotas donde la improvisación se hace dueña de todos los músicos. En esta joya encontramos maravillas con tradiciones orientales como Nippono Ya-Oke,o dos temas muy queridos por Pieranunzi como Castle of Solitude y As Never Before. Todo el disco es una maravilla que nos acerca todavía mas a lo que debe de ser el jazz actualmente. El album fue grabado para la Cam Jazz en este 2009. Una aunténtica pasada de disco, el cual se encuentra a mi modo de ver, entre el Disfarmer de Bill Frisell,y el Wait till You see Here de John Abercrombie, como uno de los mejores albums de jazz de este año.

Charlie Haden Paul Bley & Paul Motian

Este disco es otra de esas joyitas que me llegan gracias a los intercambios con amigos y que da gusto escuchar una y otra vez. Esta es una de las muchas grabaciones que realizan a Charlie Haden durante sus conciertos, durante los festivales de jazz en la ciudad canadiense de Montreal. Este disco forma parte del concierto dado en el Festival de Jazz de Montreal el 7 de julio de 1989. En este disco se rescata a uno de los muchos tercetos,creados por Haden a lo largo de toda su enorme carrera, en esta ocasión le encontramos rodeado del siempre ecléctico Paul Bley al piano, dando un auténtico recital y al maestro Paul Motian a la batería. Este disco es otro mas de la colección de Charlie Haden, en la que vuelve a dar cuentas de porque es uno de los mejores contrabajistas que ha dado la historia del jazz. En este disco aparecen reconocidos temas como Turn Around, When Will The Blues Leave? o el ya clásico Ida Lupino. El album fue sacado del cajón del recuerdo de la mano de la casa Verve en el año 1994. Un disco descomunal.

Erik Truffaz

La música del trompetista galo Erik Truffaz suele gustar o caer bien a todo el mundo. En su música,y concretamente este disco tiutlado The Walk of the Giant Turtle, Truffaz se une a la música electronica, pero haciendola él mismo junto a su banda habitual. La trompeta de Truffaz surca los espacios sonoros cercanos a acid, creados por su grupo en los que la trompeta de Truffaz crea unos fraseos de una calidad indiscutible. Truffaz en este disco se encuentra cercano a la etapa electrónica de Miles Davis en su In a Silent Way, pero a medida que los dos primeros temas Scoody I & II terminan, la cosa empieza a animarse hasta cotas cercanas al rock progresivo, donde la trompeta de Truffaz se acerca a a su punto mas algido y es en ese punto donde el piano y órgano de Patrick Muller comienza a crear unos espacios de autentico vértigo. El disco es un compendio de una música sensacional, fácil e incluso cercana al toque de Davis en Bitches Brew, rozando en ocasiones el Dark Magus. Junto a Truffaz y Muller el equipo de siempre,Marcello Giulliani al bajo y eléctrico y Marc Erbetta a la batería. Este The Walk of the Giant Turtle es otra muestra del buen hacer, de uno de los mejores músicos galos de estos últimos 15 años. El disco fue grabado en el año 2003 para la Blue Note.

Lester Young & Teddy Wilson

Es este disco, con el escueto título Pres & Teddy es una de las mayores glorias que ha dado la historia del jazz. Uno de los mejores discos del pianista Teddy Wilson y quizás uno de los mejores albums de la casa Verve. En este disco encontramos la peor época personal de Lester Young,pero quizás la mas creativa y la mas personal dentro de su sensacional carrera. Fue Lester Young desde sus primeras incursiones, un pionero junto a Charlie Parker dentro del sonido puro, y de la manera de expresarse a través del saxo influyendo a maestros de la categoría de Dexter Gordon,Sonny Rollins o Michael Brecker. En este disco se une el mejor Swing del maestro Young, creando unos fraseos con su saxo de unas cotas maestras, a las cuales el enorme Teddy Wilson, responde. Ambos músicos en todo el disco parecen tocados por la mano de Dios, en cada nota en cada momento e incluso en cada silencio. A su vez el trabajo del batería Jo Jones, es de auténtica mención,creando unos nudos cargados de potencia sobrenatural a lo largo del tema All of Me, Jones directamente creó escuela. Durante todo el album, podemos escuchar los sensacionales puentes de otro clásico, el gran contrabajista Gene Ramey el cual está sensacional a lo largo de toda la grabación. El disco es por entero una auténtica joya de la historia de la música, la cual es una compra absolutamente indispensable para todos los amantes del jazz. El album fue grabado para la casa Verve el 13 de Enero de 1956, siendo este una autentica pieza angular dentro de este estilo.

Dino Saluzzi

He querido comentar desde hace mucho tiempo este disco del gran maestro del bandoneón, Dino Saluzzi. Con este Cité de la Musique,Saluzzi nos acerca a unas composiciones y fraseos que llegan a calar en lo mas hondo del corazón,Saluzzi se frasea junto a su hijo el sensacional guitarrista Jose María Saluzzi y junto al maestro Marc Johnson. El disco despide fusión con el tango y el folk argentino por los cuatro costados, y ademas sirve una música cargada de improvisaciones cargadas de un lirísmo y de una categoría que se podría catalogar ya,como una obra maestra dentro del jazz contemporéneo. El trabajo se abre con un sensacional tema titulado Cité de la Musique, en el que podemos escuchar una descomunal sincronización de los tres músicos en el que los tres intervienen de manera decisiva. En el disco abunda la música de bandoneón de Dino Saluzzi, pero les deja también protagonismo tanto a Marc Johnson(el cual vuelve a relucir)dando muestras, de porque es uno de los mas valorados bajistas del panorama internacional. Así como a su hijo Jose María, el cual debutó con este disco en esta discográfica. Este disco es quizás uno de mis favoritos dentro de la enorme carrera de Saluzzi, y lo recomiendo a todos a los que les guste un mínimo la música. El disco fue grabado para la ECM en el 1996.

Bill Evans & Toots Thielemans

Este disco es quizás uno de los mas representativos de la magnífica música que creo el maestro Bill Evans en la década de los años 70. Desde la muerte de Scott LaFaro, Evans vivió un auténtico infierto en el que intervinieron adicciones a las drogas(heroina y en sus últimos años a la cocaína), el suicido de su primera mujer,arrojandose a los andenes del metro y un largo etcétera que intervino decisivamente para crear, ese tono nostalgico,melancólico e introspectivo tan presente en su maravillosa música. Este es un disco sacado del cajón del olvido, donde encontramos a un Evans, nuevo y cercano a una recuperación de su adicción(mas tarde volvería a caer). En este disco se nos presentan unas interpretaciones de Evans, de lo mejorcito de su carrera desde la desaparición de su primer trio,junto a Paul Motian y Scott LaFaro. En las que aparece junto al armonicista Toots Thielemans, el cual hace de este disco,algo mas que especial. Todo el disco es una unión de una música maravillosa,y desde el primer tema I Do It For Your love ya se percibe lo que va a ser el disco,una joya donde abunda la introspección y una música cálida y nostálgica,mejor que buena. Junto a Bill Evans y Toots Thielemans,encontramos al saxofonista Larry Schneider al cual podemos escuchar en algún fraseo,y al maravilloso bajista y contrabajista Marc Johnson el cual (y si me preguntasen)diría que es la reencarnación de Scott LaFaro,siendo este una parte absolutamente imprescindible en todo el album. A la percusión encontramos al batería Eliot Zigmund el cual marca unos ritmos templados, absolutamente necesarios para música creada en este magnífico album. Una joya para no olvidar jamás, grabada el 30 de octubre de 1978 para la casa Warner.Un disco absolutamente imprescindible.

Red Garland

Esta es otra prestigiosa grabación realizada en la década de los dorados 50, realizada por el maestro Red Garland. A lo largo de todo el disco se percibe ese bop,tan característico de esos años,abriendo con temas tan conocidos como Please Send Me Someone to Love o el lanzado,Stomping at the Savoy. Junto a Garland, podemos escuchar a maestros como Paul Chambers al contrabajo y a Art Taylor a la batería. El disco fue todo un icono del prestigioso sello Prestige siendo uno de los albums mas vendidos en la década de los 50. Este disco ha sido una piedra angular, para pianistas posteriores. En este disco se siente las tremendas influencias de pianistas anteriores como Milt Buckner, o Art Tatum. El disco es una sensacional muestra del sonido del piano de aquellos años, con el aliciente de ser interpretado por uno de los padres del jazz. Una joya de grabación, con un sonido absolutamente asombroso,realizada para la casa Prestige en el año 1957.

Joe Farrell

Joe Farrell consiguió acercar su jazz al rock, en este asombroso disco titulado Moon Germs. Directamente influido por la música de Charlie Mingus y de Elvin Jones, con los que colaboró antes de crear este trabajo.Decidió también rebuscar en el estilo mas o menos consolidado de Chick Corea,de ahí nace este trabajo cargado de ritmos potentes y frenéticos, en los cuales podemos escuchar a un nutrido elenco de maestros. Entre los cuales y de inmediato se advierte la poderosa percusión de Jack DeJohnette, el cual sigue dando muestra de su virtuosismo a la hora de interpretar ,y de marcar ritmos con su batería y percusiones. Encontramos a un Herbie Hancock eléctrico, realizando unos viajes de lo mas personales en el piano eléctrico y marcando unos puentes casi imposibles, al maestro Stanley Clarke el cual esta absolutamente brillante a lo largo de la aproximada,media hora de duración del album. Este disco es una fusión entre el jazz electrónico,tan latente en los años ochenta y setenta,junto al rock progresivo que comenzaba a aflorar en esos años. Aún asi este disco no ha perdido su encanto,como pudo ocurrir con otros saxofonistas y músicos en general, de aquellos años. Creo que es un buen album representativo de la excelente casa CTI,grabado el 21 de noviembre de 1972.

Chet Baker

Chet Baker es considerado ya por todos, uno de los padres del jazz, west coast o del cool. Es en este disco, una joya indiscutible del jazz donde encontramos esa esencia del mas puro cool. Dentro de este disco encontramos al Chet Baker, en uno de sus mejores momentos de su carrera, en el cual aún no se encontraba machacado por la heroina. Dentro de este disco encontramos temas standars típicos de la historia del jazz, como My Funny Valentine,The Thrill is Gone o But Not for Me en los que encontramos la preciosa voz de Chet Baker, así como el lirísmo absoluto de su trompeta, junto a unos acompañamientos de lujo por parte de maestros de la categoría de Kenny Drew al piano,Sam Jones y George Morrow a los contrabajos y Philly Joe Jones y Dannie Richmond a la batería. Una joya del jazz grabado para la casa Pacific en 1956.

Sylvain Luc André Ceccarelli & Jean-Marc Jafet

Uno de los referentes del jazz francés, nos lanzó este excepcional disco hace unos cuantos años. En él encontramos temas inspirados en la tradición de Django Reinhardt, entremezclados con la guitarra clásica de Ralph Towner. El disco es un excelente ejemplo del buen hacer de los nuevos músicos que salen de Francia en estos años. Desde el primer tema titulado Jordu,percibimos unos fraseos y unas composiciones mas cercanas al post bop o al be bop, que a las vanguardias puramente estudiadas advirtiendo también la perfecta conjunción entre el magnífico contrabajista Jean-Marc Jafet el cual está soberbio a lo largo de todo el disco, destacando su magnífica intervención en Out of The Night Came You en la cual realiza unos fraseos de bajo,descomunales. En el trio de Sylvain Luc también encontramos la participación del gran batería André Ceccarelli el cual ha intervenido con maestros de la categoría de Miles Davis,Jaco Pastorius o Enrico Pieranunzzi. Un disco de una categoría fuera de lo normal,grabado para la casa Dreyfus en el año 2001.

John Abercrombie Marc Feldman Thomas Morgan & Joey Baron

Es bien sabida la buena relación que han mantenido los maestros Abercrombie y Feldman en estos últimos diez años,y fruto de esta relación nace este sensacional nuevo disco Wait Till You See Her. Este último disco nos acerca a la cara mas amable de la música de Abercrombie, sacando a relucir temas donde nos acercan a una melancolía serena digna de una ciudad norteamericana cuando saluda al otoño, con maravillosos temas como Sad Song donde la combinación Feldman/Abercrombie es mas que magnífica. El disco no pierde ese toque vanguardista y avant garde,tan característico de la música de John Abercrombie el cual recuerda a discos como Tactics o al prestigioso Cat n Mouse, grabados también para la ECM. El disco alberga también la presentación para la casa ECM del joven contrabajista Thomas Morgan, el cual creo que realiza una sensacional aportación a lo largo de todo el album, y la batería del siempre magnífico y simpático Joey Baron. El album no pierde la esencia de Abercrombie y además nos presenta a un Feldman en plena forma. Uno de los mejores discos de jazz que he tenido la oportunidad de escuchar este 2009, junto al bestial Disfarmer de Bill Frisell. Una joya de la casa ECM grabada este 2009 en la ciudad de Munich.

Ron Carter

Creo que es un buen paralelismo decir ;Clint Eastwood es al cine lo que Ron Carter al jazz. Uno de los pocos clásicos vivos que se han mantenido fieles a su estilo. Modificandolo sutilmente pero sin perder la esencia y la musicalidad. Ron Carter siempre a sabido responder con su música a los tiempos que se van y vienen, manteniendo vigente su estilo sin perder jamás su toque absolutamente peculiar y dando muestras de su altísima sabiduría técnica en cada uno de sus fraseos y composiciones. En este Stardust, Ron Carter nos afreció otro trabajo de una altísima calidad reuniendo en el disco a un elenco de los mejores músicos actuales como el maestro Roland Hanna al piano,el magnífico saxo de Nueva York Benny Golson, el sensacional Lenny White a la batería y Joe Locke al vibráfono. El disco es una sensacional amalgama de estilos el cual nos conduce desde el Bop al Post-Bop. En el cual podemos escuchar de nuevo los potentes fraseos de contrabajo del maestro Ron Carter el cual está absolutamente asombroso, este album no tiene nada que envidiar a su gran trabajo The Golden Stryker o a su magnífico Yellow & Green a los cuales se acerca por momentos. Este disco fue grabado para Blue Note en los Clinton Studios de la ciudad de Nueva York el 6 de abril del año 2001.

Jim Hall

Este fue el album que presentó Jim Hall para su presentación en sociedad, con su nueva discográfica Telarc y sus Jazz series. En este album Jim Hall participa en solitario junto a su guitarra, para dar un recital cercano a la música del estilo de Ralph Towner o con los mismos registros musicales con los que nos deleitó Bill Frisell en su gran disco Nasville. El disco se compone de unos maravillosos temas compuestos por el propio Hall, donde demuestra de nuevo su enorma calidad técnica e improvisatoria. Destacando temas en este disco, recomendaría una audición al precioso tema titulado Seseragi donde Hall añade efectos a su guitarra con su pedal. A lo largo de todo el disco abunda un clima reposado y tranquilo, donde se advierte a un Hall introvertido, dando muestras de que también sabe deleitarnos con fraseos sutiles y reposados. Jim Hall en el disco rescata del olvido uno de los temas mas importantes del jazz para hacerlo propio, como la maravillosa composición de Duke Ellinton In a Sentimental Mood, en la cual se percibe ese toque característico de la casa Hall. Creo que este disco es una buena aportación a la historia del jazz, en la que se puede escuchar a un Jom Hall en solitario realmente sorprendente. Un disco grabado para la casa Telarc en 1994.

Paul Desmond

Paul Desmond uno de esos padres del cool, compañero en mas de una batalla de Chet Baker,Al Cohn o Zoot Sims. Nos presentó este bonito trabajo titulado From the Hot Afernoon hace casi cincuenta años, en este precioso album se fusiona el cool con la música brasileña creando unos espacios relajados donde el saxo de Desmond toma la voz cantante junto a unos acompañamientos sensacionales, los cuales harán las delicias de todos aquellos a los que les guste la música brasileña. En un primer momento este album formó parte del grueso de la CTI, para mas tarde formar parte de la casa Verve y de sus Request Series. En el disco participa un batallón de músicos de lo mas dispar, desde el maestro Ron Carter al contrabajo,pasando por la preciosa voz de Wanda De Sah,los magníficos saxos de Phil Bodner, George Marge hasta el piano de Patrick Rebillot y la guitarra de Dorio Ferreira. El cool es parte fundamental del album, destacando temas como Crystal Illusions, donde queda clara la influencia de Chet Baker mezclandose con las melodias de un primer Lester Young. A lo largo de todo el disco podemos disfrutar de una música ligera y desenfadada donde todas las composiciones son originales y donde toma un importante papel la orquesta que acompaña a Desmond,partiendo en este disco, de unos sonidos serenos donde podemos encontrar un buen album para desconectar del ritmo que nos otorga el estrés cotidiano. Un buen album de jazz fusión grabado en 1969.

Wynton Marsalis

Un disco de uno de los mas clásicos de los trompetistas de jazz actuales. Wynton Marsalis en este Live at the House of Tribes, nos propone una jam con músicos con los que no toca frecuentemente. A lo largo de este magnífico disco Marsalis y el elenco de músicos que le rodean, giran alrededor del swing del cool y del bebop,jugando con temas de Thelonius Monk como Green Chimneys, o You Don't Know Wat The Love is del siempre sensacional Sonny Rollins. El disco está grabado en vivo y en directo y junto a Marsalis se encuentra uno de los pocos músicos de la formación, al cual conocía tras haber tocado con él en infinidad de ocasiones el saxo alto Wessell "Warmdaddy" Anderson, este punto no dejaría de ser anecdótico ya que el resto de los integrantes de la formación actuan como sidemans. Creo que es una excepcional grabación con un sonido de auténtico lujo, en el que encontramos al gran bajista de origen latino Carlos Henriquez el cual está en el disco sensacional. De la rítmica se encarga el gran pianista Eric Lewis y los baterias y percusionistas Orlando Rodriguez y Joe Farnsworth. Un buen disco donde se percibe perfectamente el estilo clásico de Marsalis a la hora de interpretar, grabado en directo en el año 2002 y producido para la Blue Note en el año 2005.

Gary Peacock & Bill Frisell

Un disco poco común en la carrera de ambos maestros, en el que se aventuran en una auténtica carrera sonora en busca de nuevos desafios musicales desde los fraseos rápidos,el avant garde y la experimentación. El disco cuenta con once cortes siendo el último Just so Happens el que le de nombre al cd. El album podría ser perfectamente una jam entre dos buenos amigos, donde el contra de Peacock interviene de la misma forma decisiva que la guitarra de Frisell. Este disco no es un album de jazz al uso,tampoco se parece a los conjuntos formados con Ralph Towner o con Abercrombie, pero es otro punto de vista totalmente aceptable dentro de la carrera de ambos maestros donde la experimentación es la pieza base de todo el disco. Creo que la muy mal llamada abstracción, es el eje desde el que se debe de partir para aceptar y escuchar con otros oidos este reto que nos presentan estos dos sensacionales músicos. Un buen disco de jazz de vanguardias, grabado en la ciudad de Nueva York el 17 y 18 de febrero del 1994 para la PostCards Records.

Arvo Pärt & The Hilliard Ensemble

Este imponente trabajo de Arvo Pärt titulado Miserere, es quizás uno de mis predilectos hasta la fecha pasando por trabajos del mismo como De Profundis,Beatus,Kanon Pokajanen, Lamentate, Nekrolog, Passio o Pro et Contra junto a Paavo Jarvi. Al acercarme a mi tienda de música, me llamó la atención la curiosa portada al ver que en ella aparecia mi admirado Hilliard Ensemble, no había oido hablar de este disco compuesto por Pärt y llevaba mucho tiempo buscando un tema compuesto por Pärt para la película Japón,dirigida y escrita por el genial director mejicano Carlos Reygadas. Al llegar a mi casa con ganas de escuchar el disco, descubro que el mismo se encuentra en el primer tema, (casi oculto) al durar el mismo casi 35 minutos. Desde que he llegado a casa hace unas dos horas lo habre escuchado cerca de cuatro veces. Los coros del Hilliard Ensemble lo envuelven todo gracias en parte a la majestuosa partitura compuesta por el maestro Pärt. Junto al Hilliard Ensemble se encuentra la Orchester der Beethovenhalle Bonn,dirigida por Dennis Russell Davies. El disco es una autentica joya de la música clásica contemporánea en la que nos encontramos el lado pagano del compositor estonio.El disco se divide en tres cortes Miserere,Festina Lente y Sarah Was Ninety Years Old. Es este grandioso album hasta la fecha uno de mis discos firmados por Pärt hasta el momento, pero aviso a todos aquellos que desconozcan la música del compositor estonio puede llegar a ser absolutamente turbador,conmovedor,sobrecojedor e inquietante por partes iguales. Este disco también pondrá a prueba la calidad de vuestros altavoces, destacando a lo largo de toda la grabación los tonos bajos y la potencia del Hilliard Ensemble.Una auténtica joya, grabada en el año 1991 para la ECM New Series.

Arvo Pärt

En De Profundis se recogen el Salmo 129, la Missa Sillabica las Seven Magnificat Antiphons y en los dos últimos temas The Beatitudes y Magnificat. Cuatro composiciones escritas por separado por uno de los compositores de música clásica mas venerado del S.XX. En todas ellas se observa las preferencias de Part a la hora de elegir grandes corales y la potencia del organo, en esta ocasión interpretado (y no leido) por el magnífico Christopher Bowers-Broadbent. El disco completó todos los registros para alzarse como uno de los mejores discos de música clásica del S.XX siendo premiado con el diapasón de oro en el año 1997. La misa interpretada por las veintidos almas del Theatre of Voices y dirigidas por el siempre excepcional Paul Hillier, suena con una pureza donde se mezclan la mística digna del canto gregoriano, con la música contemporánea, siendo la sencillez y la belleza algo latente en todo el disco. Esta joya de la música clásica fue grabada para la casa Harmonia Mundi en el año 1997 y lo aconsejaría a todos los amantes de la música en general.

Eleni Karaindrou & Theo Angelopoulos

La discográfica ECM siempre se ha encargado de llevar en todos sus discos una señal inalterable de calidad y eso lo demostró en parte no solo gracias a los músicos que en ella han intervenido a lo largo de sus 40 años de historia, sino también por los esfuerzos del productor y dueño de la discográfica Manfred Eicher,por crear un lazo de unión entre todo aquello que va mas allá de leer una partitura, (cosa que todo músico con un par de años de experiencia sabe hacer), sino que eligió a aquellos que transmitian a traves de sus instrumentos su alma y sentimientos. Ya fuese por las vias del jazz(o de la improvisación), de las músicas del mundo o de la clásica como es el caso que ocupa el ECM New Line. De todos los músicos que componen el sello germano ECM, ninguno estudió en ningúna escuela de superdotados,aún así afloran nombres tan importantes para la música actual como Keith Jarret,John Abercrombie,Valentin Silvestrov,Agnes Buen Garnas,Michelle Makarski, Juliane Banse,Anja Lechner,Vassilis Tsabropoulos,Jack DeJohnette,Jan Garbarek,Stefano Bollani,Andras Schiff,Dino Saluzzi,Pat Metheny,Arvo Part,John Scofield,Dave Holland,Enrico Rava,Terje Rypdal el triste y reciententemente fallecido Michel Galasso o esta maravillosa mujer Eleni Karaindrou. Esta es la banda sonora de la última película del maestro del cine griego Theo Angelopoulos, en la que encontramos esa pasión arrolladora tan latente en la música compuesta por Karaindrou para Angelopoulos,donde se destaca siempre un colorido y una intensidad, para destacar con ellos los balances del cello de Renato Ripo o del arpa de María Bildea. La música en este disco así como todas las bandas compuestas para Angelopoulos por parte de Karaindrou, destacan por su contemplación, quiero decir que en ellas no existe una sucesión armónica y cuando esta se repite es solo para mantener un ritmo, (vease el corte Untravelling Time II) donde el arpa de Maria Bildea no habla sino que mantiene la melodía. Temas como Notes nos acercan a las vanguardias sonoras,acercandonos a la música de Kim Kashkashian o de Giya Kancheli. El disco consta de dieciseis temas,todos perfectamente estructurados sobre el rítmo de la película, los cuales están dirigidos por el director de orquesta Alexandros Myrat y en el podemos escuchar también, a la Hellenic Radio Television Orchestra. Este album se encuentra en todas las tiendas donde venden música, no el Corte Inglés. Una magnífica apuesta compuesta en su totalidad por Eleni Karaindrou en la que en la última pagina de su libreto, dedica esta obra al musicólogo y productor Manfred Eicher el cual no solo apostó por un estilo determinado,pensando que todo lo que lleve alma y sentimiento enriquece.Sin lugar a dudas acertó con su filosofía de vida y con su discográfica siendo esta premiada en cientos de ocasiones.Este disco acaba de salir en este 2009.

Iannis Xenakis Johannes Kalitzke & Ensemble Resonanz

Un aviso para todos aquellos que quieran bajar o comprar este disco. Esto no es un album para todos los oidos y es quizás uno de los albums mas duros de escuchar del compositor Iannis Xenakis, en él nos adentramos mas allá de la denominda música concreta, nos sumergimos en el mundo de la música estocástica, en la que el mismo Xenakis se valió de los parámetros del serialismo y del post-serialismo musical para crear un nuevo concepto musical basado en algunos de los procedimientos utilizados en sus composiciones incluyen la teoría de probabilidades (teoría cinética de gases de Maxwell-Boltzmann en Pithoprakta, distribución aleatoria de puntos en un plano en Diamorphoses, restricciones mínimas en Achorripsis, distribución gaussiana en ST/10 y Atrées, cadenas de Márkov en Analogiques), la teoría de juegos (en Duel y Stratégie), la teoría de grupos (en Nomos Alpha), y el álgebra booleana (en Herma and Eonta). En consonancia con su uso de teorías probabilísticas, muchas de la piezas de Xenakis son, en sus propias palabras, "una forma de composición que no es el objeto en sí, sino una idea en sí, esto es, los comienzos de una familia de composiciones". En este disco encontramos un conglomerado de las ideas musicales del compositor y arquitecto griego,que van desde una de sus primeras partituras titulada Syrmos para 18 cuerdas compuesta, hasta Ittidra otra composicion para sexteto de violines compuesta en el año 1996. El disco recorre toda la trayectoria del compositor griego y creo que es una buena oportunidad para acercarse e intentar conocer su obra. El disco fue grabado para la casa Mode en el 2005.

Oregon

La música y los libros siempre me han acompañado a lo largo de mi vida, siempre los he tenido casi como amigos íntimos en los que he confiado cuando no me encontraba del todo bien, o cuando necesitaba sentarme un rato a escuchar y no encontraba a nadie que me hablase o me diese consejo,estas dos cosas me han valido en muchas ocasiones para alejarme de la soledad, a la que espero jamás conocer en profundidad. A lo largo de este último mes de septiembre y en estos dias del comienzo de octubre,me ha costado conciliar el sueño, a veces y cuando me meto en la cama lloro sin motivo, o a lo mejor en ocasiones lo hay, pero ahora prefiero no pensar demasiado en ello. El caso de estar a estas horas colgando esta recomendación del disco Winter Light de la banda liderada por Ralph Towner, no es otra que mi mas profunda admiración por la misma y mi incasable insomnio,ambas cosas se han unido en esta madrugada. Así pues abriré la caja de pandora de nuevo, para recomendar este albume a todos los que visitan este espacio. Este fue el cuarto album de estudio de la banda y en este disco encontramos unos espacios donde la sutileza de la guitarra del enorme Towner encuentra su espacio, mas que en ningún otro album de la banda. Es en este cuarto album donde el contrabajista Herb Bushler fue substituido por el ahora veterano Glenn Moore, en el cual demuestra una versatilidad digna de un maestro(a observar los potentes fraseos de bajo en el tema Ghost Beads), los cuales marcan un juego mas que digno con la guitarra de Ralph Towner. A su vez el magnífico músico Paul McCandless, demuestra una vez mas su magnífica versatilidad en los instrumentos de viento. Walcott en el disco está mas que aceptable, sin interferir con sus percusiónes en los fraseos de Towner. Creo que es uno de los mejores discos de la banda, el cual recomiendo a todos los amantes del jazz y de la música instrumental en general.El disco fue grabado para la casa Vanguard en el año 1974.

Arnett Cobb

Una de esas muchas joyas que salieron en los magicos 60(para muchos la época dorada del jazz),uno de esos albums de los cuales es imposible encontrar un lp.Solamente se sacaron a la venta en el mundo 2500 unidades y ahora está practicamente imposible de econtrar debido a su alto precio en el mercado y al reducido número de copias que circulan a la venta del original.Aún así se dispone desde el 2008 del mismo album en cd,gracias a una magnífica remasterización realizada por la veterana casa Prestige. En el disco encontramos temas del mas introspectivo Arnett Cobb, en el cual fusiona su veteranía de los años 40 fusionando esa música con los nuevos vientos que traia consigo el jazz de los años 60. El disco es una obra maestra donde encontramos a maestros del jazz como el siempre mágico pianista Red Garland o el maestro George Tucker al contrabajo, así como el batería J.C Heard. En este Sizziln descubrimos temas de la factoría Cobb como el precioso comienzo con,Sweet Georgia Brown o la pieza referente de todo el disco Georgia On My Mind. Este disco se encuentra como uno de los mejores discos de la historia del jazz, en la guia Pinguin fue grabado en el año 1960 para la casa Prestige. Esto es mucho disco.

Peter Warren

En ocasiones creo que es un auténtico milagro la música que sale de las manos de Jack DeJohnette, unas percusiones que se salen de los marcos de la dificultad máxima. Este disco compuesto en su mayoría por el contrabajista Peter Warren es uno de esos discos,difíciles de escuchar y mas aún de interpretar, en el cual las cuerdas del contrabajo de Warren no toman el mas mínimo aliento. Este aceleradísimo jazz de vanguardias encierra una electrónica de autentico lujo al ser llevada en estudio por el mismísimo Pat Metheny, a su vez en esta ocasión la guitarra se encarga de llevarla otro maestro como es John Scofield el cual se encuentra en su salsa, siendo este uno de los rítmos y tempos en los que mas cómodo se puede sentir. A lo largo de todo el disco nos encontramos con la voz de veterano saxo alto,Henry Purcell el cual parece que nació para hacer este disco. En su version LP este disco cuenta con dos temas por cada cara en las cuales encontramos en la primera dos vertiginosos temas de unos diez minutos aproximadamente, donde vemos esta ensordecedora máquina de ritmos freneticos donde todos los instrumentista se coordinan aplastantemente bien. De mención y no por menos, sino porque es su album y sus composiciones el genial Peter Warre, y sus sensacionales fraseos y puentes de contra a lo largo de todo el disco. Una curiosidad sobre este disco, es que fue producido directamente por Jack DeJohnette el cual pagó todos los gastos de grabación para la casa Japo en el año 1982.Un buen disco de Jazz de Vanguardias.

Astor Piazzolla

Según las palabras del propio Piazzolla, este es el mejor album de toda su discografía y en él dejaron su alma. Este impresionante disco fue frabado en la ciudad de Nueva York durante una de las muchas visitas que Piazzolla realizó a los Estados Unidos. El disco comprende otra etapa de uno de los mas grandes músicos argentinos de todos los tiempos,el cual fue responsable de elevar el tango hasta cotas insospechadas. Piazzolla retorna con su nuevo quinteto el cual hace las delicias desde el primer tema titulado Tanguedia, en el cual encontramos todos esos componentes que afloran en la música de Piazzolla como la pasión y la fuerza. El nuevo quinteto que formó Piazzolla en ese año 1986 estaba compuesto por Fernando Suarez al Violín,Pablo Ziegler al piano,Horacio Malcivino a la guitarra y Hector Console al contrabajo. En este grandísimo disco encontramos temas conocidos de Piazzolla como La Milonga del Angel o Mumuki. Creo que todos los discos de Piazzolla son obras fundamentales para todos los que se sientan amantes de la música, y especialmente esta joya grabada para la casa Clavé.