The Doors

An American Prayer es el noveno y último álbum de estudio de la banda The Doors. En 1978, seis años después de que la agrupación se separara, los miembros que seguían vivos se reunieron y grabaron música para acompañar los poemas de Jim Morrison, que habían sido registrados anteriormente en una sesión de 1970.Las letras son semi-autobiográficas y a veces proféticas, incluyendo desde críticas de la época hasta visiones de la vida después de la muerte.Su único sencillo fue una versión en concierto del clásico Roadhouse Blues, hasta entonces inédita. Fue lanzado a principios de 1979.

Lovage

Nathaniel Merriweather Presents... Lovage: Music to Make Love to Your Old Lady By is the 2001 debut and so far only album of Lovage. Lovage is a studio supergroup featuring Dan the Automator producing, Mike Patton and Jennifer Charles on vocals, Kid Koala on the turntables, Brandon Arnovick (as Astacio the Nudist) on guitar, Daniels Spills on keyboards and SweetP on harpsichord & noseflute. Dan the Automator provides trip hop beats while the vocals mostly consist of Mike Patton and Jennifer Charles engaging in sultry and provocative dialogue. Nevertheless, the overall tone of the album is tongue-in-cheek. The album cover is an homage to Serge Gainsbourg's second album. The song "Sex (I'm A)" was originally written and performed by 1980s New Wave band Berlin. The Lovage version differs significantly from the original. The album features many references to Alfred Hitchcock, most notably the titles of the songs "To Catch a Thief", "Lifeboat", and "Strangers on a Train", which were all named after the movies, and contain re-dubbed excerpts. The album title itself also refers to an album Hitchcock appeared on in 1956 titled Alfred Hitchcock Presents: Music to Be Murdered By. An instrumental version of the album has also been published.

Sonny Rollins

Recorded at the Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey on October 5, 1956. Originally released on Prestige (7095). Includes liner notes by Ira Gitler.Digitally remastered by JVC using XRCD (Extended Resolution Compact Disc) technology.Recorded in 1956, the year after Charlie Parker's death, ROLLINS PLAYS FOR BIRD consists primarily of a seven-song medley of tunes associated with Bird's post-1950 period. In the course of referencing this repertoire, Rollins succeeds in paying tribute to a great artist without descending into mere mockery. Bird's playing was the definition of bebop phrasing and Rollins has moments here that are clearly quotations of the altoist's rhythmic sensibilities. This is a carefully titled album, however: it's not "Rollins Plays Bird," but "Rollins Plays 'For' Bird."Anyone who wants reassurances of authenticity need only look to the sidemen credits. Trumpeter Kenny Dorham was on many of Bird's own recordings, as was drummer Max Roach. Pianist Wade Legge and bassist George Morrow, while not Parker alumni, were working with Rollins, Roach, and Dorham in the Max Roach Quintet at the time of this session. "I've Grown Accustomed To Your Face" is a ballad feature for Rollins, while his original "Kids Know," a cooking quintet tune in 3/4 time, provides conclusive proof that the tenorist was in full possession of his own voice on this date.

The Dodos

Visiter is the second album released by The Dodos. A special edition is being put together to include a DVD of live footage from the last show of their most recent tour. In an April 2008 interview in the L.A. Record, band member Meric Long revealed the origin of the name of Visiter. "The reason it’s misspelled is because it’s from a drawing this kid gave us. We played a show for a bunch of kids in South Central L.A.—Dorsey High. A friend’s sister [Barbara Lempel] is a special-ed teacher there, so we went down there to her class and we played for the kids and it was super fun. Then it came to the kids asking us questions and then one of the kids came up to us and he gave us a drawing with that written on it. The drawing is the cover actually of the album, and just—I dunno we liked it. Actually we used all of the drawings that the kids made in the artwork on the album. It was definitely a fun, interesting venture for us. We’d never played for kids before—we didn’t know what to expect but they were clapping and dancing." Phares, Heather. "Visiter - The Dodos | AllMusic". allmusic.com.

Godspeed You! Black Emperor

Godspeed You! Black Emperor, grupo catalizador del crecimiento, asentamiento y maduración del paradigma de experimentación post-rockera. La razón de ello es su reciente vuelta al ruedo fonográfico con su álbum “Allelujah! Don’t Bend! Ascend!” a fines de 2012, tras un largo hiato de 10 años desde la publicación del trabajo anterior “Yanqui U.X.O.”. Ahora, de la mano de David Bryant [guitarra, dulcémele, Portsound, kemençe], Efrim Manuel Menuck [guitarra, hurdy-gurdy], Michael Moya [guitarra], Sophie Trudeau [violín, sintetizador Casio SK5], Thierry Amar [bajo, contrabajo, teclados], Mauro Pezzente [bajo], Aidan Girt [batería] y Bruce Cawdron [batería, vibráfono, marimba, glockenspiel], GODSPEED YOU BLACK EMPEROR! reconstruye su visionaria mirada musical para orientarla hacia este catálogo de nuevos paisajes sónicos. Cabe destacar, de entrada, la manera tan decidida en que el ensamble ha remodelado sus propias raíces tal como se plasmaron en clásicos como “Lift Your Skinny Fists Like Antennas To Heaven” y “F#F#∞” para insuflarles un vigor fresco que varias veces roza con la pura polenta rockera: el resultado se traduce en una amalgama sonora donde la exaltación de la energía y la celebración de las dimensiones más oscuras del orden del universo se conjugan a la perfección. Pasemos al repertorio mismo del álbum para penetrar en los detalles de los cuatro temas que conforman su repertorio. “Allelujah! Don’t Bend! Ascend!” resulta, en el balance final, una nueva cátedra fenomenal de cómo se hace y rehace el discurso del post-rock a través de las conjugadas labores del refinamiento intelectual, la neurosis emocional y la ansiedad moral. Cesar Inca.

Ornette Coleman

La crítica se tomó este trabajo como una ofensa. The Shape of Jazz to Come, es otro de esos trabajos de la ya conocida Generación del 59. En este album de Ornette Coleman, ofrecía un avance de su This is Our Music, repitiendo exactamente la misma formación. Aquí intervienen varios factores que hacen de este disco una grabación historica. A su vez fue el primer disco del saxofonista Ornette Coleman para la Atlantic, puede entenderse como el inicio del Free Jazz, este último un estilo en el cual la improvisación se libera de la estructura armónica y el género alcanza el mayor grado de libertad.El trabajo se compone de estructuras muy afines a This is our Music, pero cambiando frecuentemente los tiempos, dejando que las percusiones coloreen los fraseos e improvisaciones de Coleman. La interacción entre ellos es única y la sección rítmica corre a cargo de Charlie Haden y Billy Higgins los cuales tocan de un modo absolutamente vanguardista,para una época donde donde el contrabajo y la batería tenían una contribución inusual.Pasados unos años Haden convertiría el tema Lonely Woman casí en un himno propio en su album Etudes un trabajo realizado para la Blue Label Italiana en los 80, grabado junto a Geri Allen y Paul Motian. El sonido del saxo alto de plástico es seco, crudo y agudo, sus frases son fluidas y el efecto creado junto a la trompeta de bolsillo de Don Cherry es descomunal. Un disco de jazz esencial.

Dave Brubeck

Este Time Out, ha enganchado a generaciones al jazz. Es otro de esos discos de la Generación del 59, una grabación ya histórica y cargada de anécdotas. En este album Brubeck propuso cambiar los tiempos predominantes en percusión de 4/4 o 3/2 a 5/4 variando con ello la estructura predominante en los 50. A lo largo de el album, encontramos temas ya clásicos y versionados hasta en rock por Emerson, Lake & Palmer como Blue Rondo a la Turk o el icono del álbum compuesto por Paul Desmond Take Five. Este tema casi acaba con la formación del cuarteto. Brubeck el cual tenia una gran relación con el batería Joe Morello, le propuso un solo de batería a lo largo de la grabación durante la finalización y contestación al solo de Paul Desmond, el cuál apareció finalmente en la grabación final. Morello realiza con ello uno de los primeros grandes fraseos de batería de la historia del jazz, hasta esos momentos un instrumento bastante arrinconado y centrado en la meramente en la labor rítmica por standares del swing de esos años. Paul Desmond discutió con Brubeck al final de la grabación,siendo este el motivo por el cual el disco fue grabado en tres días diferentes, con márgenes casi de meses entre ellos. Un buen recuerdo que ha vuelto después de mucho tiempo. El album fue grabado para la Columbia entre junio y agosto de 1959. Un disco magnífico.

Johnny Griffin

1959 año en el cual se dice que hubo un giro drástico en cuanto a la estética que ofrecía el jazz. Del swing al bop, bebop y los cañonazos de los últimos cincuenta con el hardbop. The Little Giant es el comienzo o el principio de algo en constante evolución. Este disco pasó prácticamente sin pena ni gloria, por aquel año. Eclipsado por The Kind of Blue de Miles Davis, Ah Um de Charlie Mingus o por The Shape the Jazz to Come de Ornette Coleman. Pero esto también es un buen trabajo, sin la mas mínima pretensión de Griffin que la de hacer música, buena música. Destaco el tercer corte, Lonely me, en el que ensalzo la absoluta comunicación entre Albert Heath, Sam Jones y el propio Griffin. La formación se compone de Johnny Griffin al saxo tenor, Blue Mitchell a la trompeta, Julian Priester al trombón, Wynton Kelly al piano, Sam Jones al bajo y Albert "Tootie" Heath a la batería. El album fue una producción para la Riverside records.

Charlie Haden

Puedo decir abiertamente que este disco me enamoró desde el primer tema hasta el último. La comunicación entre los tres maestros se demuestra desde los primeros acordes por parte del contrabajo de Charlie Haden en el primer corte, Lonely Woman. Tema compuesto por Ornette Coleman, pero con una interpretación y ejecución por parte de este trio descomunal. Geri Allen vuela alto a lo largo de todo este álbum de estudio, pareciendo un trabajo grabado en vivo, respecto a la intensidad con la que ha sido realizado. Todo el disco se compone de temas de Paul Motian, Charlie Haden y Herbie Nichols. Etudes está mucho mas arriba dentro de la carrera de estos genios, de lo que el tiempo ha mostrado. Creo que es de justicia sacar de cajón del olvido este enorme trabajo. Etudes fue una producción de la casa italiana Blue Label, grabada entre el 14 y 15 de septiembre de 1987.

Eddie "Lockjaw" Davis & Johnny Griffin

Battle Stations es considerado un trabajo menor dentro de la amplia obra de Eddie "Lockjaw" Davis y Johnny Griffin . Ese menor impuesto por la moda del absurdo y por sobretodo este revisionismo que nos atrapa a los seguidores de esta música, no debe de hacer sombra a ese seguir descubriendo, a ese seguir conociendo. Este trabajo al fin y al cabo es otra sorpresa. Un álbum que arranca con un clamoroso hard bop, en el corte de entrada What's happening, pero se vuelve a ubicar en las raices del swing de los 50. Ese sonido que se mezcla con las sensaciones, con todo aquello que va mas allá de la palabra. Pura mágia reducida en casi 55 minutos de música. Por parte de Davis y de Griffin poco mas puedo decir de sus batallas, este disco es otra pieza de colección. Junto a ellos Norman Simmons al piano, Victor Sproles al contrabajo y Ben Riley a la batería. Un disco grabado para la casa Prestige en 1960.

Coleman Hawkins

Coleman Hawkins perteneció a la generación del swing de los primeros años 50, pero siempre mantuvo a su música cercana al bebop, pero siempre fue Hawkins. Desde este The Hawk Flies High hasta su último album llamado Sirius. Hasta cuando fue sideman de músicos afines a su estilo como Sonny Rollins o Kenny Burrell, hasta autores que poco tenían que ver con la música que Hawkins escribía. como Abbey Lincoln en Straight Ahead o su ya reconocido We Insist, en el cual aparece también la incursión Max Roach. Este The Hank flies Hight, es una de las primeras grabaciones como lider de Hawkins. El swing lo envuelve todo, pero sin llegar a ser cargante. Un álbum perfecto para entender la mejor faceta del jazz de los años 50. El equipo de Coleman se compone de J.J. Johnson al trombón, Idrees Sulieman a la trompeta, Hank Jones al piano , Oscar Pettiford al contrabajo, Barry Galbraith a la guitarra y Jo Jones a la batería. El disco fue una producción de la Riverside del año 1957.

Ornette Coleman

Preparados para los ritmos del bebop y del free jazz. En este discazo de Ornette Coleman todo es obligatoriamente improvisado, en esa obligatoriedad de no seguir los cánones marcados por un jazz mas primitivo, Coleman mueve a su equipo por parajes que se adelantan treinta años a su música. Donde el movimiento del Free Jazz se encontraba buscando su hueco aparecían músicos que hacían emerger al jazz de nuevo con sus propuestas como este This is our music. Este disco acompaño a trabajos de Coltrane como Avant Garde o Impresions editados ese mismo 1961. Y tiene una particularidad especial es la única grabación de la Atlantic Records que no contiene ningún standar, todo son improvisaciones a excepción de Embraceable You. Coleman no dudo tampoco en recurrir a un conjunto de maestros como Don Cherry a la trompeta, Ed Blackwell a la batería y Charlie Haden al contrabajo.

Sam Rivers

Este Fuschia Swing Song es el debut como líder del saxofonista Sam Rivers en 1964 para la afamada Blue Note. Entre otras peculiaridades su portada, la original en color rojizo es de la copia original del año 64, en el año 2005 se realizó una remasterización del album en la cual se eligió el color azul para su edición en cd. En este disco se muestran claramente las influencias de John Coltrane o del Free Jazz de Ornette Colleman. Después de haber escuchado grabaciones como sideman junto a Bill Frisell, Miles Davis, Barry Altschul, Bobby Timmons, Larry Young o Dave Holland, puedo decir que este disco es absolutamente distinto en cuanto estilo, no encuentro parecidos ni en forma ni en ejecución en el resto de sus albums, siendo este una pequeña joya distinta a la música que nos tiene acostumbrados rivers, un disco que se mueve entre el free jazz y el hard bop, pero sin ser los momentos mas intensos de la grabación fraseos forzados.El disco original se compone de seis temas, pero en la reedición se añadieron cuatro temas extra que quedaron descartados en el album original. Junto a Rivers, aparece un terceto de lujo compuesto por Jaki Byard al piano, Ron Carter al contrabajo y Toni Williams a la batería. El disco fue grabado en los Van Gelder Studios en un único día, el 11 de diciembre de ese mismo 1964.

Elvin Jones & Richard Davis

Heavy Sounds es uno de los primeros trabajos como líder del batería de jazz norteamericano Elin Jones junto al bajista Richard Davis. En este disco se juntaron, para interpretar temas de Frank Foster, George Gershwin o Johnny Bourke. Este disco se acerca a las raices del Hard Bop, pero sin adentrarse el vértigo y la velocidad que a veces impera en el estilo. El disco se compone de seis cortes,entre los cuales encuentro una curiosidad como es el Elvin's Guitar Blues interpretado por el propio Elvin Jones, pero esta vez dejando la batería y pasándose por unos minutos a la guitarra . Junto a Elvin Jones y a Richard Davis, aparecen Frank Foster al saxo y Billy Greene al piano. El disco fue grabado entre el 19 y 20 de junio de 1967 en los Rudy Van Gelder Studios de Nueva Jersey para la Impulse Records.

Charles Mingus

Un disco grabado en vivo durante la actuación de Charlie Mingus y su sexteto, durante el Newport in Europe Festival celebrado en Rotterdam el 1 de noviembre de 1970. Mingus abre la grabación haciendo un enorme homenaje al público holandés, con su conocido Orange Was the Color of Her Dress, en el cual se advierte lo que viene después. Fraseos e intercambios entre el piano de Jaki Byard y el saxo alto de Charles McPherson y el disco avanza tema a tema haciendose cada vez mas versátil. Giros drásticos, ritmos incansables,improvisaciones y unos destellos de genialidad por parte de Mingus que rozan en ser una de las mejores grabaciones en vivo que se conservan durante sus tours europeos. La formación se conservó hasta el North Sea del siguente año. Desapareciendo con esta grabación el sexteto original formado por Mingus al contrabajo, Jackie Byard al piano, Charles MacPherson al saxo, Bobby Jones al clarinete,Eddie Preston a la trompeta y Dannie Richmond a la batería. El disco fue una producción de la Cross Roads Records.

John Abercrombie

Within A Song es el título del nuevo trabajo de John Abercrombie, desde la anterior grabación como líder en el año 2009 con Wait till you see here, ha aparecido acompañando trabajos de John Surman o John Patitucci. Y tres años después nos presenta esta sorprendente propuesta, alejada de los canones marcados en Cat n Mouse o Tactics. Esto es otro album, un homenaje extenso a los clásicos basandose en standars de Miles Davis, John Coltrane, Ornette Colleman o Bill Evans. Abercrombie nos entrega un disco tierno y melancólico, donde no falta fuerza y calor, un trabajo con cargado de influecias y detalles a esa generación de su juventud. Compone un tema llamado ‘Easy Rider’, recrea una composición que en su momento toco Sonny Rollins y Jim Hall: ‘Without a Song’ mezclándola con otra suya ‘Withing a Song’, y además revisa ‘Flamenco Sketches’ de Miles Davis, ‘Blues Connotation’ de Ornette Coleman, ‘Wise One’ de John Coltrane e ‘Interplay’ de Bill Evans. Este disco es otra tremenda producción de la ECM para este 2012, pero grabada en septiembre del 2011. En el nuevo cuarteto de John Abercrombie lo forman el mago Joe Lovano al saxo, Joey Baron a la batería y Drew Gress al contrabajo.

Art Ensemble of Chicago

Full Force es un trabajo del año 1980 de uno de los padres del Free Jazz, como es Art Ensemble of Chicago. A lo largo de los cinco temas de mas de diez minutos cada uno, escuchamos adaptaciones de Lester Bowie, Joseph Jarman, Roscoe Mitchell, Malachi Favors Maghostut y Don Moye. El grupo surge en el seno de la Asociación para el Avance de los Músicos Creativos, a finales de los años 1960. Se formó inicialmente por el saxofonista Roscoe Mitchell para un concierto ofrecido en Chicago, en diciembre de 1966, bajo el nombre de Roscoe Mitchell's Art Ensemble. Sería en 1969, y en París, al registrarse la primera grabación de la banda, cuando adoptaron el nombre de Chicago Art Ensemble. Este grupo de músicos innovadores estaba formado originalmente por Mitchell, el trompetista Lester Bowie, el contrabajista Malachi Favors y el batería Philip Wilson. Este disco ha pasado ya a ser considerado un clásico, siendo una de las formaciones donde los estilos de Ornette Colleman y Art Taylor, se muestran como claras influencias de la banda. Un tema a destacar de todo el album, puede ser el enorme Charlie M, clara referencia al enorme Charlie Mingus. El disco fue una de las grabaciones, con las que la ECM abrió los años 80. Siendo este una de las producciones mas aclamadas de ese año. Un disco excepcional de Free Jazz.

Jim Hall

This 1988 studio date is one of the overlooked treasures in the considerable discography of Jim Hall, possibly due to the label's low-key promotion and less than eye-catching cover art. It is easy why to understand why artists like Art Farmer and Paul Desmond omitted a pianist after hearing a release such as this one, because it would only clutter Hall's soft yet complete accompaniment. Joined by Tom Harrell (heard mostly on fluegelhorn), bassist Steve LaSpina, and drummer Joey Baron, this CD is a delight from start to finish. The interaction of the musicians in the opener, a lively, waltzing "With a Song in My Heart," makes it sound like they have been a working unit for years. The well-conceived arrangement of "Where or When," which Hall dedicated to Basie guitarist Freddie Green (who died the year prior to the sessions), proves to be the most captivating track, with its understated yet consummately swinging air. Hall contributed the tense "Cross Court," a smoking post-bop vehicle, a pulsing calypso written originally for his 1985 Montreux concert with Michel Petrucciani and Wayne Shorter, as well as the haunting ballad "These Rooms," which opens with Harrell's melancholy unaccompanied trumpet solo, and has an abstract solo by the leader. "Something Tells Me" is a lovely bittersweet ballad by Jane Hall (Jim's wife, a talented composer whose work he has often recorded), featuring Hall and Harrell. Hall's unaccompanied take of Duke Ellington's "All Too Soon" makes one wonder why he has never recorded a entire CD of guitar solos. To allmusic.

Dave Douglas

Ahora una banda de viento en homenaje a Lester Bowie. Ocho temas propios y tres versiones de gente como Otis Redding, Hank Williams y Rufus Wainwright completan este nuevo disco que no deja indiferente al oyente. Douglas, que ya había realizado antes un homenaje a Don Cherry, se adentra en el mundo de la Lester Bowie’s Brass Fantasy un conjunto de nueve músicos que tocaban solo instrumentos de viento con paso fuerte; reduce la formación a cuarteto y se hace acompañar por una batería para marcar bien los ritmos.En “Spirit Moves” además de Lester, que tiene su homenaje en el tema “Bowie”, podemos encontrar el espíritu de Enrico Rava en “Rava”, el de Fast Waller en “Fast” y las versiones del “Soulero”, “Mister Pitiful” de Otis Redding o ese “This Love Affair” de Rufus Wainwright que traspasa al mundo de la brass band con su saber. El disco ha sido producido por el propio Douglas y grabado entre el 15 y 16 de noviembre del 2008 en Nueva York, para la Green Leaf Music.

The Antlers

Inicialmente, The Antlers era un proyecto en solitario creado por el vocalista y guitarrista Peter Silberman inmediatamente después de que éste se mudara a Brooklyn, Nueva York. Silberman escribió los dos primeros álbumes, Uprooted y In the Attic of the Universe personalmente. Más tarde, reclutó a Michael Lerner y Darby Cicci, convirtiéndose en el grupo actual. La banda grabó dos EPs: Cold War y New York Hospitals. La colección de canciones de Silberman se convertiría más tarde en un LP titulado Hospice. La historia que se esconde tras este álbum ha sido debatida, pero Silberman explicó la grabación como la historia de una relación desequilibrada, abusiva, contada a través de la analogía de un trabajador de un hospital y un paciente terminal. El álbum fue lanzado independientemente por la banda en Mayo del 2009, vendiendo todas las copias. La banda comentó más tarde que prometieron más de lo que podían ofrecer, y acabaron firmando con la productora Frenchkiss Recods, con sede en Nueva York, que lanzó una versión remasterizada del álbum el 18 de Agosto del 2009.Copiado con dos huevos de wikipedia. Un muy buen disco.

Leo Wright

Poco mas puedo añadir sobre uno de los mejores sidemans de la historia del jazz. Apariciones estelares desde finales de los años cuarenta, junto a iconos de la escena jazzistica como Charles Mingus, Kenny Burrell, Johnny Coles, Blue Mitchell o Dizzy Gillespie entre otros. Este JazzbeiFreddy es una combinación de varios factores positivos, que hacen de este directo una grabación de un nivel enorme. Tras varios paseos por Europa, tratamientos contra el alcohol y la heroína, Leo Wright se refugia en Europa, viaja a Amsterdam, Copenhague hasta aterrizar en el mítico club vienés JazzbeiFreddy en el año 1977. En esta grabación se encuentra acompañado de un excepcional Jimmy Woode al contrabajo, Fritz Power al piano y Tony Inzelaco a la batería. El disco fue una producción de la Wunderteam Vienesa. En este album, Leo Wright realiza diferentes , interpretaciones con flauta como en el tema inicial I remember April, con un bop de una velocidad tremenda. Paseos por el blues en Don´t Move, y fraseos de una gran profundidad a lo largo de todo el album. Un trabajo magnífico.

Hampton Hawes

Hampton Hawes toca, y graba, con Dexter Gordon y Wardell Gray en 1947, y después lo hará con Charlie Parker, Red Norvo y Shorty Rogers. En 1952 forma un cuarteto con Art Pepper y, en 1954, con el contabajista Red Mitchell. En 1957, graba con Charles Mingus. Detenido por posesión y consumo de heroína, es encarcelado en 1959, y permanece en prisión hasta 1963, en que es indultado.En los años 60, toca con Jon Hendricks, con Jackie McLean, con el saxofonista tenor Harold Land, nuevamente con Red Mitchell, y con el también contrabajista Jimmy Garrison. En los 70, gira frecuentemente por Europa, con su propio trío, y graba con la cantautora Joan Baez y con Charlie Haden (1976), poco antes de morir.De formación musical autodidacta, poseía una mano izquierda sobredesarrollada, con conceptos extraídos del blues y el gospel. Fue uno de los pianistas preferidos por los músicos de la West Coast californiana. Esta joyita del pianista Hampton Hawes grabada en vivo en Copenhague en el 1971, da muestras de lo que era capaz de producir la ya desaparecida Black Lion Records por aquellos años. A lo largo de este albun, se presentan siente temas de un bebop de altísimo nivel, añadiendo el último tema Dexter's Deck, compuesto e interpretado en vivo por Dexter Gordon el cual se añade a la formación en este tema de cierre. Junto a Hawes y Gordon, aparecen Henry Franklin al contrabajo y Michael Carvin a la batería. Un disco magnífico.

Dexter Gordon

This openness and invention is heard at its best on “One Flight Up”. The album is remarkable for a host of reasons. It was recorded in Paris (not New Jersey) by musicians who had established themselves outside of the United States. On its initial release on vinyl, a single 18 minute track (“Tanya”) took up the whole of the first side – this some two years before Bob Dylan’s “Sad Eyed Lady of the Lowlands” amazed the pop world by taking up a whole side of the album “Blonde on Blonde”. And “One Flight Up” marks the early and definitive appearance of one of the few European jazz players to make it on a truly international stage – bass player Niels-Henning Orsted Pedersen, unsurprisingly known for short as NHOP. Dexter had been successful with the 1963 Blue Note release “Our Man In Paris” (with Bud Powell (piano), Pierre Michelot (bass) and Kenny Clarke (drums), recorded at CBS studios Paris, as the title suggests. This in itself is often regarded as one of the great jazz albums in which Dexter’s style fully and freely emerges. Francis Wolff was keen to get more of Dexter’s output on disc and went to Paris to produce the “One Flight Up” sessions. Leonard Feather’s original album liner notes for “One Flight Up” and the additional notes prepared by Bob Blumenthal for the RVG edition in 2003 both refer to a round table discussion for “Down Beat” in 1964 in which Dexter Gordon and Kenny Drew (who plays piano on the album) talk about the advantages of being expatriates. Dexter had left the US in 1962 to take up a permanent residency at the Montmatre Club in Copenhagen. There he had recruited NHOP (then aged just 16) as bass player in his trio. Kenny Drew had moved to Paris in 1960, staying on after a six week role in the play “The Connection”. Both point out the freedom that they were able to discover in playing jazz away from the pressures of being back home. The most obvious advantage was the absence of racism – still a major problem for African Americans in the 1960s, as we have pointed out in discussing John Coltrane’s music. Blue Note References.

Philippe de Monte

Philippe de Monte fue un compositor flamenco del Renacimiento tardío. Escribió más madrigales que cualquier otro compositor de la época, y fue uno de los músicos más influyentes en este género. De Monte nació en Malinas. Después del aprendizaje musical durante su niñez en la catedral de Saint Rumbolds de su ciudad natal, (donde fue coreuta), viajó a Italia, destino común para un joven compositor flamenco en el Siglo XVI. Allí se hizo de renombre como compositor, cantante y maestro de música. Fue alumno de Orlando di Lasso. In their third disc for Hyperion, the acclaimed vocal ensemble Cinquecento continue their exploration of the rich repertoire engendered in the Habsburg court. The prolific composer De Monte, Kapellmeister to the Emperor Maximilian II, wrote over a thousand madrigals as well as hundreds of sacred works, and the expressive aspects of the madrigal infuse his sacred music delightfully. His Missa Ultimi miei sospiri contains the constant interplay between groups of voices and dramatic word-setting which are features of the madrigal genre. The motets recorded here cover many Biblical and liturgical subjects and demonstrate the wide range of techniques and styles used by the composer.

Erik Truffaz

After three years and three albums springing from some fruitful partnerships (Benares, Paris and Mexico), Erik Truffaz has gone back to his old quartet. Close friend Benoît Corboz has taken up the keyboards formerly played by Patrick Muller, and brought his rigged Hammond organ and his Rhodes piano into the studio. Sophie Hunger, one of Erik’s Swiss compatriots, joined the musicians to record one of the compositions, Let me go! and a cover version of an obscure Bob Dylan number, Dirge. The slow, sad track that opens the album sets the tone for the whole opus. The secret of the dead sea, with its vocal and drum blend, unites the chantings of the Hammond organ with those of Truffaz’s trumpet. The musician explains: "The album is pretty sombre and sad. But we didn’t set out to do it that way. Each of us comes to the studio with more or less finished compositions and then we root out a sound together. It’s only afterwards that we discover the result.” The musician has dropped the electronic effects of yore and placed his new silver-incrusted instrument centre stage, producing an ampler sound that at times approaches the flute. It is the keyboards that provide the effects – dreamlike sounds, like on Mechanic Cosmetic, a track created from one of the quartet’s very modal improvisations. The more agitated Lost in Bogota, which the Rhodes piano turns almost funky, is a long way from the D&B rhythm of BC One, an ethereal tune created and dissected by Benoît Corboz. In Between propagates a hushed (dis)quiet, with the trumpet playing softly and the drums taking back stage before the Rhodes piano comes whirling in. In Between is in constant oscillation – flitting from past to present, joy to sadness, life to death. Erik Truffaz In Between (Blue Note/EMI) 2010

Jack

Jack Reynolds emergió imperturbable y ajado, exiliado en Londres desde las glaciales calles del Sur de Gales, a principios de los 90. Una época famosa por la completa falta de justicia en lo relacionado con el éxito comercial de los grupos, los más o los menos populares. Sin embargo, el primer disco de Jack, "Pioneer Soundtracks", y sus correspondientes singles, editados en Too Pure (el sello más pujante del momento, entonces con Stereolab o Pj Harvey en sus filas), y producidos por Peter Walsh, antiguo colaborador de Scott Walker, fue descrito como "brutalmente honesto" por el NME, "definitivamente necesario" (Melody Maker), "tremendamente ambicioso" (The Guardian), y "deslumbrante hazaña" (Q). Los seis miembros de Jack - Anthony más George Wright, Matthew Scott, Richard Adderley, Patrick Pulzer y Colin Williams " giraron el Reino Unido dos veces con Suede (quienes declararon que "Pioneer Soundtracks" fue el mejor elepé del 96) y luego con The Divine Comedy. Entonces, el incansable inquieto Reynolds creó el alter ego de Jack, Jacques. El álbum "How To Make Love..." se editó en Setanta en el 97. Producido y grabado en una semana junto a Momus (Nick Currie), no era un intento de capturar la mejor toma, sino de inmortalizar la primera. En el 98 se publicó el segundo disco de Jack, "The Jazz Age", con el entusiasmo de la crítica y unas ventas modestas. La transformación de la realidad urbana en una realidad fantástica, su mágica conversión de Holloway Road en Hollywood, lo sitúa entre los hallazgos musicales más épicos y visionarios del momento. Artículo de Rock Wheels.

Arvo Pärt

This is a remarkable release, both for its beauty and its novelty at programming. Für Alina is a two-minute solo piano piece composed by Pärt in l976 that ushered in his "tintinnabuli" style, that is, the bell-like, simple, no-notes-wasted method for which he has become beloved and famous. On this CD, pianist Alexander Malter plays it twice, as the second and fourth tracks; each iteration takes almost 11 minutes (Pärt assumed it would be embellished, and he chose this pair for the CD). There are minute variations in tempo, emphasis, and rubato from one to the other, but, all that being said, it amounts to 22 minutes of the most beautiful, contemplative music ever performed. Almost equally gentle is Spiegel im Spiegel, played as tracks 1, 3 and 5 and scored for piano and, respectively, violin, cello, and then violin again. The instruments mirror one another (Spiegel is German for mirror), with notes added to the scale with each repetition, and so on. Almost impossible to describe in its loveliness, each of the three sets is beautiful; the cello in track 3 gives it extra mellowness. This is music staggering in its simple complexity and a treat for the ear and heart.

Wes Montgomery

ROAD SONG, originally issued as A&M SP 3012, CTI series, was recorded a month before Wes Montgomery died of a heart attack on June 15, 1968 at age 45 and relesed posthumously. The title song and "Serene," named in honor of his wife, were written by Wes. Other outstanding tracks are "Scarborough Fair" and "Where Have All the Flowers Gone?." Superb guitar playing, as always. Listening to this makes one wonder what more he would have accomplished had he not died so young. It's hard to name all the artists he's influenced. As the liner notes state: "This is the last one. Be glad we have it. If this isn't jazz, then what is? Just because he didn't play the same old standards (pop song from the 30's and 40's) critics gave him hell. I'm an organ player with a love for guitar and I know that the way he play's the octave strums so clean he is the master of this style. The tunes are very touching and short. Some you may know ( Yesterday, Where Have All the Flowers Gone). The originals are clasic (Road Song, Serene). The album is complemented with strings and some tunes are in the baroque style. Don Sebesky did the conducting and arranging. Not to mention Herbie Hancock, Ron Carter, Grady Tate and a host of other great musicians support Wes in the most classy manner. The album is about 30 min. long. but it says a life time in such a short time. By J.B Bent

Madrugada

Industrial Silence is the debut album of the Norwegian alternative rock band Madrugada in 1999. The best known track of the album is the ballad Vocal.From the album also exist a limited edition including 2 discs, and a remastered Deluxe edition of the album was released on July 5, 2010. Disc 2 of the remastered Deluxe edition contains 4 previously unrelased demo recordings, and also has tracks from all their early EPs. The remastering was done by Greg Calbi at Sterling Sound in New York.Madrugada was a Norwegian rock band formed in the town of Stokmarknes 1992. The band members included Frode Jacobsen (bass), Sivert Høyem (vocals) and Robert Burås (guitar). After the death of Burås on July 12, 2007 Høyem and Jacobsen decided to finish recording their latest album. The album, entitled Madrugada, was released on January 21, 2008. After the release of the album the band announced they would split after one last tour. They performed their last ever concert on November 15, 2008 at Oslo Spektrum in Oslo-Norway.Industrial Silence is unusually strong and even for a debut album. This, of course, has to do with the fact that they already had been playing together for six years before its release. It kicks off with the majestic "Vocal," with its dense and thick guitar sound and singer Sivert Høyem's distinctive crooning on top of it all. What's really impressive on this album, besides the quality of the songs, is guitarist Robert Burås' creative and versatile playing. From Jim´s World of Music.

Nils Petter Molvær

Molvaer's new album "Baboon Moon" marks the self-assured new start of a musician who has already travelled a long way. He began his career in the bands of Jon Christensen and Arild Andersen, but gradually broke out more and more beyond the confines of jazz, starting with his 1997 album "Khmer". His musical journey took him through a wide variety of styles, and he tried out different degrees of abstraction along the way. He experimented together with musicians like Bill Laswell, Sidsel Endresen and Eivind Aarset, and surrounded himself with DJ's and VJ's, but he also worked on his own. His language of expression remained vivid throughout. On his last album, "Hamada", he switched to and fro between very harmonious and extremely brutal passages, while on "Baboon Moon" these two opposite poles blend into a unified whole again.
Molvaer's new album "Baboon Moon" marks the self-assured new start of a musician who has already travelled a long way. He began his career in the bands of Jon Christensen and Arild Andersen, but gradually broke out more and more beyond the confines of jazz, starting with his 1997 album "Khmer". His musical journey took him through a wide variety of styles, and he tried out different degrees of abstraction along the way. He experimented together with musicians like Bill Laswell, Sidsel Endresen and Eivind Aarset, and surrounded himself with DJ's and VJ's, but he also worked on his own. His language of expression remained vivid throughout. On his last album, "Hamada", he switched to and fro between very harmonious and extremely brutal passages, while on "Baboon Moon" these two opposite poles blend into a unified whole again.In order to arrive at this point, he formed a new band. His two fellow players on "Baboon Moon" have come to jazz 'through the back door', as it were. Stian Westerhus is one of Europe's most innovative, and in the meantime most sought-after guitarists. A former member of the post-rock band Jaga Jazzist, he runs the industrial-improv duo Monolithic together with Motorpsycho drummer Kenneth Kapstad. For Westerhus, the electric guitar is not just an instrument: it's a whole orchestra, a creative museum of physical and spiritual possibilities for producing electronic sounds. He manipulates his instrument with every conceivable material and effect, and even produces indefinable sounds by shouting into the strings. Erland Dahlen has played his way into the hearts of alternative-rock fans as drummer of the Norwegian psychoblues band Madrugada. He contributed this deep and earthy but also progressive blues feeling to Eivind Aarset's Sonic Codex Orchestra first of all, and now he brings it to Molvaer's trio.From nilspettermolvaer.info

Gustavo Santaolalla

El compositor y productor argentino Gustavo Santaolalla, sorprendía a la crítica musical con “Ronroco”, un trabajo exquisito y acaso su obra cumbre hasta el momento.La sorpresa residía en la eficacia con la que abordaba la música tradicional argentina desde una óptica contemporánea que la emparentaba con lo que se ha dado en llamar World Music. Santaolalla se acerca al folklore de su tierra (una constante en su extensa carrera) de una manera natural, pero –y he aquí su gran acierto– tomando los ritmos autóctonos de la “Argentina profunda” siempre como un punto de partida y nunca como un fin en sí mismo, algo de lo que deberían tomar nota muchos “puristas” a ambos lados del Atlántico. Siendo básicamente un músico de rock y teniendo su base de operaciones en Los Ángeles. Santaolalla es un músico atento a lo que ocurre a su alrededor y permeable a las influencias más variopintas, que pueden abarcar desde música de África o Japón hasta Europa del Este, así como, por supuesto y en mayor medida, Latinoamérica. Conceptualmente hablando, "Ronroco" es una obra minimalista, en la que el trabajo de producción (que lo hay, y mucho), nunca sale a la superficie de manera obvia. Santaolalla construye un andamiaje sonoro prácticamente imperceptible sobre el que se deslizan sutiles arpegios que se superponen unos a otros, creando texturas de una belleza realmente conmovedora. La interpretación, lejos de cualquier alarde de virtuosismo, funciona a la perfección con la idea que este talentoso multiinstrumentista nos quiere transmitir. Charango, ronroco y maulincho, todos ellos instrumentos de cuerda autóctonos de Argentina, Perú, Bolivia y Chile son los encargados de dar el “color” general a la obra, mientras que muy medidas intervenciones de flauta, armónica, guitarra y guitarrón, enfatizan y realzan momentos puntuales a lo largo de los más de 40 minutos de placer que nos depara “Ronroco”. Santaolalla mismo es el encargado de ejecutar todos estos instrumentos, mientras que su socio musical desde hace más de 20 años, Anibal Kerpel, aporta lo suyo en vibráfono y melódica, y el legendario charanguista Jaime Torres hace una breve pero contundente intervención en uno de los 12 tracks del cd. En síntesis (una palabra que bien sirve para definir el espíritu de esta obra en su totalidad), escuchar estas canciones es adentrarse en el paisaje que las ha inspirado, como si ese mismo paisaje generase la música, como si el viento del Altiplano del árido norte argentino nos estuviese susurrando melodías ancestrales al oído.De elsoundsystem.blogspot.com

Ludovico Einaudi & Ballaké Sissoko

Diário Malí es el título que el pianista italiano Ludovico Einaudi, ha dado a esta grabación realizada junto al músico africano Ballaké Sissoko. El disco está formado por diez temas, compuestos mano a mano, en el que el piano de Einaudi se mezcla con la kora(arpa africana de 21 cuerdas)de Sissoko, creando un disco pausado y reposado, donde la armonía y el encanto se hacen presentes en todas las composiciones. El disco combina a la perfección el neoclasicismo(tan presente en la música de Einaudi), con los ritmos del africa occidental. Un disco de músicas del mundo muy agradable. El álbum fue producido por la Ponderosa Music & Art en el año 2003.

MobyDick

Un disco fantástico donde se combinan a la perfección infinidad de géneros, como el folk,el rock progresivo y la música acustica. MobyDick es el pseudónimo de Eneko, un cantante y compositor bilbaino el cual es el encargado de dar vida a este album, con versiones de la Velvet Underground y con temas propios. Tiene una voz única y un toque de guitarra íntimo y mágico. And she becames a Gods Friend es el título de esta su ópera prima.Me gustaría destacar temas como su versión de Venus in Furs o Find the blue key,meet the wizard. Esperemos que siga en sus siguientes álbums el mismo camino. El disco es una autoproducción del mismo músico, grabada en el 2009.

Pink Floyd

The Wall es el undécimo de la banda británica de rock, Pink Floyd publicado en 1979. Se grabó entre abril y noviembre bajo la dirección del productor Bob Erzin y de los miembros de Pink Floyd David Gilmour y Roger Waters. Este doble album nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada Pink, basado en su mayoría de las vivencias del antiguo lider de la banda Syd Barret, convirtiéndolo así en una especie de alter ego. Descrito por Roger Waters,Pink se reprime debido a los traumas que la vida le va deparando: La muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial, la sobreprotección materna, la opresión de la educación británica, los fracasos sentimentales, la presión de ser una figura famosa en el mundo de la música, su controvertido uso de drogas sumado a su asma, etc., son convertidos por él en "ladrillos de un muro" que lo aísla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva. El disco esconde varios de los mejores temas de la historia del rock, con unos solos de guitarra que ponen los pelos de punta. The Wall es sin lugar a duda uno de los mejores albums de rock de todos los tiempos.

Dino Saluzzi

Andina es el título de este precioso trabajo en solitario, del sensacional bandoneonista argentino Dino Saluzzi. Este disco reúne paisajes sonoros, en los que se pueden visualizar a la perfección bellísimas estampas andinas y de tierra del fuego. Saluzzi y su bandoneón , transmiten a la perfección y con una genialidad sublime todo lo que la música debe reflejar ,siendo este un disco intimo, el cual merece la pena ser escuchado mas de una vez. Temas como Transmutation, Waltz for Verena o Memories muestran a un Saluzzi en estado de gracia.Si no fuera poco, Saluzzi añade improvisaciones de flauta en temas como Andina o My Father,montada a posteriori en el estudio. El disco fue grabado en el año 1988 para la ECM.

John Surman & Chick Corea

No voy a decir que este disco tenga una audición fácil, quien jamás haya investigado en el jazz de vanguardia o directamente en experimentos musicales cercanos a la música de Messiaen o Berio entre otros, no encontrarán el mas mínimo atractivo a este álbum. Bass is es un experimento musical que un disco de jazz al uso. En este trabajo tanto el prestigioso saxofonista John Surman y el pianista Chick Corea, reunieron a cuatro de los mejores bajistas del momento para crear un cuarteto de cuerdas de lo mas peculiar, siendo elegidos el grandísimo Dave Holland, Peter Warren,Glen Moore y Jaime Faunt. Todos ellos interpretan las extrañas composiciones de Corea y Surman entre las percusiones de Barry Altshul, Steve Hauss y Stu Martin. El disco es extraño, complejo y diferente a todo el repertorio de los músicos mencionados. No es un disco de jazz al uso, simplemente es una nueva apuesta por crear una música diferente. El disco está producido por la casa italiana Enja.