The Antlers

Inicialmente, The Antlers era un proyecto en solitario creado por el vocalista y guitarrista Peter Silberman inmediatamente después de que éste se mudara a Brooklyn, Nueva York. Silberman escribió los dos primeros álbumes, Uprooted y In the Attic of the Universe personalmente. Más tarde, reclutó a Michael Lerner y Darby Cicci, convirtiéndose en el grupo actual. La banda grabó dos EPs: Cold War y New York Hospitals. La colección de canciones de Silberman se convertiría más tarde en un LP titulado Hospice. La historia que se esconde tras este álbum ha sido debatida, pero Silberman explicó la grabación como la historia de una relación desequilibrada, abusiva, contada a través de la analogía de un trabajador de un hospital y un paciente terminal. El álbum fue lanzado independientemente por la banda en Mayo del 2009, vendiendo todas las copias. La banda comentó más tarde que prometieron más de lo que podían ofrecer, y acabaron firmando con la productora Frenchkiss Recods, con sede en Nueva York, que lanzó una versión remasterizada del álbum el 18 de Agosto del 2009.Copiado con dos huevos de wikipedia. Un muy buen disco.

Leo Wright

Poco mas puedo añadir sobre uno de los mejores sidemans de la historia del jazz. Apariciones estelares desde finales de los años cuarenta, junto a iconos de la escena jazzistica como Charles Mingus, Kenny Burrell, Johnny Coles, Blue Mitchell o Dizzy Gillespie entre otros. Este JazzbeiFreddy es una combinación de varios factores positivos, que hacen de este directo una grabación de un nivel enorme. Tras varios paseos por Europa, tratamientos contra el alcohol y la heroína, Leo Wright se refugia en Europa, viaja a Amsterdam, Copenhague hasta aterrizar en el mítico club vienés JazzbeiFreddy en el año 1977. En esta grabación se encuentra acompañado de un excepcional Jimmy Woode al contrabajo, Fritz Power al piano y Tony Inzelaco a la batería. El disco fue una producción de la Wunderteam Vienesa. En este album, Leo Wright realiza diferentes , interpretaciones con flauta como en el tema inicial I remember April, con un bop de una velocidad tremenda. Paseos por el blues en Don´t Move, y fraseos de una gran profundidad a lo largo de todo el album. Un trabajo magnífico.

Hampton Hawes

Hampton Hawes toca, y graba, con Dexter Gordon y Wardell Gray en 1947, y después lo hará con Charlie Parker, Red Norvo y Shorty Rogers. En 1952 forma un cuarteto con Art Pepper y, en 1954, con el contabajista Red Mitchell. En 1957, graba con Charles Mingus. Detenido por posesión y consumo de heroína, es encarcelado en 1959, y permanece en prisión hasta 1963, en que es indultado.En los años 60, toca con Jon Hendricks, con Jackie McLean, con el saxofonista tenor Harold Land, nuevamente con Red Mitchell, y con el también contrabajista Jimmy Garrison. En los 70, gira frecuentemente por Europa, con su propio trío, y graba con la cantautora Joan Baez y con Charlie Haden (1976), poco antes de morir.De formación musical autodidacta, poseía una mano izquierda sobredesarrollada, con conceptos extraídos del blues y el gospel. Fue uno de los pianistas preferidos por los músicos de la West Coast californiana. Esta joyita del pianista Hampton Hawes grabada en vivo en Copenhague en el 1971, da muestras de lo que era capaz de producir la ya desaparecida Black Lion Records por aquellos años. A lo largo de este albun, se presentan siente temas de un bebop de altísimo nivel, añadiendo el último tema Dexter's Deck, compuesto e interpretado en vivo por Dexter Gordon el cual se añade a la formación en este tema de cierre. Junto a Hawes y Gordon, aparecen Henry Franklin al contrabajo y Michael Carvin a la batería. Un disco magnífico.

Dexter Gordon

This openness and invention is heard at its best on “One Flight Up”. The album is remarkable for a host of reasons. It was recorded in Paris (not New Jersey) by musicians who had established themselves outside of the United States. On its initial release on vinyl, a single 18 minute track (“Tanya”) took up the whole of the first side – this some two years before Bob Dylan’s “Sad Eyed Lady of the Lowlands” amazed the pop world by taking up a whole side of the album “Blonde on Blonde”. And “One Flight Up” marks the early and definitive appearance of one of the few European jazz players to make it on a truly international stage – bass player Niels-Henning Orsted Pedersen, unsurprisingly known for short as NHOP. Dexter had been successful with the 1963 Blue Note release “Our Man In Paris” (with Bud Powell (piano), Pierre Michelot (bass) and Kenny Clarke (drums), recorded at CBS studios Paris, as the title suggests. This in itself is often regarded as one of the great jazz albums in which Dexter’s style fully and freely emerges. Francis Wolff was keen to get more of Dexter’s output on disc and went to Paris to produce the “One Flight Up” sessions. Leonard Feather’s original album liner notes for “One Flight Up” and the additional notes prepared by Bob Blumenthal for the RVG edition in 2003 both refer to a round table discussion for “Down Beat” in 1964 in which Dexter Gordon and Kenny Drew (who plays piano on the album) talk about the advantages of being expatriates. Dexter had left the US in 1962 to take up a permanent residency at the Montmatre Club in Copenhagen. There he had recruited NHOP (then aged just 16) as bass player in his trio. Kenny Drew had moved to Paris in 1960, staying on after a six week role in the play “The Connection”. Both point out the freedom that they were able to discover in playing jazz away from the pressures of being back home. The most obvious advantage was the absence of racism – still a major problem for African Americans in the 1960s, as we have pointed out in discussing John Coltrane’s music. Blue Note References.

Philippe de Monte

Philippe de Monte fue un compositor flamenco del Renacimiento tardío. Escribió más madrigales que cualquier otro compositor de la época, y fue uno de los músicos más influyentes en este género. De Monte nació en Malinas. Después del aprendizaje musical durante su niñez en la catedral de Saint Rumbolds de su ciudad natal, (donde fue coreuta), viajó a Italia, destino común para un joven compositor flamenco en el Siglo XVI. Allí se hizo de renombre como compositor, cantante y maestro de música. Fue alumno de Orlando di Lasso. In their third disc for Hyperion, the acclaimed vocal ensemble Cinquecento continue their exploration of the rich repertoire engendered in the Habsburg court. The prolific composer De Monte, Kapellmeister to the Emperor Maximilian II, wrote over a thousand madrigals as well as hundreds of sacred works, and the expressive aspects of the madrigal infuse his sacred music delightfully. His Missa Ultimi miei sospiri contains the constant interplay between groups of voices and dramatic word-setting which are features of the madrigal genre. The motets recorded here cover many Biblical and liturgical subjects and demonstrate the wide range of techniques and styles used by the composer.

Erik Truffaz

After three years and three albums springing from some fruitful partnerships (Benares, Paris and Mexico), Erik Truffaz has gone back to his old quartet. Close friend Benoît Corboz has taken up the keyboards formerly played by Patrick Muller, and brought his rigged Hammond organ and his Rhodes piano into the studio. Sophie Hunger, one of Erik’s Swiss compatriots, joined the musicians to record one of the compositions, Let me go! and a cover version of an obscure Bob Dylan number, Dirge. The slow, sad track that opens the album sets the tone for the whole opus. The secret of the dead sea, with its vocal and drum blend, unites the chantings of the Hammond organ with those of Truffaz’s trumpet. The musician explains: "The album is pretty sombre and sad. But we didn’t set out to do it that way. Each of us comes to the studio with more or less finished compositions and then we root out a sound together. It’s only afterwards that we discover the result.” The musician has dropped the electronic effects of yore and placed his new silver-incrusted instrument centre stage, producing an ampler sound that at times approaches the flute. It is the keyboards that provide the effects – dreamlike sounds, like on Mechanic Cosmetic, a track created from one of the quartet’s very modal improvisations. The more agitated Lost in Bogota, which the Rhodes piano turns almost funky, is a long way from the D&B rhythm of BC One, an ethereal tune created and dissected by Benoît Corboz. In Between propagates a hushed (dis)quiet, with the trumpet playing softly and the drums taking back stage before the Rhodes piano comes whirling in. In Between is in constant oscillation – flitting from past to present, joy to sadness, life to death. Erik Truffaz In Between (Blue Note/EMI) 2010

Jack

Jack Reynolds emergió imperturbable y ajado, exiliado en Londres desde las glaciales calles del Sur de Gales, a principios de los 90. Una época famosa por la completa falta de justicia en lo relacionado con el éxito comercial de los grupos, los más o los menos populares. Sin embargo, el primer disco de Jack, "Pioneer Soundtracks", y sus correspondientes singles, editados en Too Pure (el sello más pujante del momento, entonces con Stereolab o Pj Harvey en sus filas), y producidos por Peter Walsh, antiguo colaborador de Scott Walker, fue descrito como "brutalmente honesto" por el NME, "definitivamente necesario" (Melody Maker), "tremendamente ambicioso" (The Guardian), y "deslumbrante hazaña" (Q). Los seis miembros de Jack - Anthony más George Wright, Matthew Scott, Richard Adderley, Patrick Pulzer y Colin Williams " giraron el Reino Unido dos veces con Suede (quienes declararon que "Pioneer Soundtracks" fue el mejor elepé del 96) y luego con The Divine Comedy. Entonces, el incansable inquieto Reynolds creó el alter ego de Jack, Jacques. El álbum "How To Make Love..." se editó en Setanta en el 97. Producido y grabado en una semana junto a Momus (Nick Currie), no era un intento de capturar la mejor toma, sino de inmortalizar la primera. En el 98 se publicó el segundo disco de Jack, "The Jazz Age", con el entusiasmo de la crítica y unas ventas modestas. La transformación de la realidad urbana en una realidad fantástica, su mágica conversión de Holloway Road en Hollywood, lo sitúa entre los hallazgos musicales más épicos y visionarios del momento. Artículo de Rock Wheels.

Arvo Pärt

This is a remarkable release, both for its beauty and its novelty at programming. Für Alina is a two-minute solo piano piece composed by Pärt in l976 that ushered in his "tintinnabuli" style, that is, the bell-like, simple, no-notes-wasted method for which he has become beloved and famous. On this CD, pianist Alexander Malter plays it twice, as the second and fourth tracks; each iteration takes almost 11 minutes (Pärt assumed it would be embellished, and he chose this pair for the CD). There are minute variations in tempo, emphasis, and rubato from one to the other, but, all that being said, it amounts to 22 minutes of the most beautiful, contemplative music ever performed. Almost equally gentle is Spiegel im Spiegel, played as tracks 1, 3 and 5 and scored for piano and, respectively, violin, cello, and then violin again. The instruments mirror one another (Spiegel is German for mirror), with notes added to the scale with each repetition, and so on. Almost impossible to describe in its loveliness, each of the three sets is beautiful; the cello in track 3 gives it extra mellowness. This is music staggering in its simple complexity and a treat for the ear and heart.

Wes Montgomery

ROAD SONG, originally issued as A&M SP 3012, CTI series, was recorded a month before Wes Montgomery died of a heart attack on June 15, 1968 at age 45 and relesed posthumously. The title song and "Serene," named in honor of his wife, were written by Wes. Other outstanding tracks are "Scarborough Fair" and "Where Have All the Flowers Gone?." Superb guitar playing, as always. Listening to this makes one wonder what more he would have accomplished had he not died so young. It's hard to name all the artists he's influenced. As the liner notes state: "This is the last one. Be glad we have it. If this isn't jazz, then what is? Just because he didn't play the same old standards (pop song from the 30's and 40's) critics gave him hell. I'm an organ player with a love for guitar and I know that the way he play's the octave strums so clean he is the master of this style. The tunes are very touching and short. Some you may know ( Yesterday, Where Have All the Flowers Gone). The originals are clasic (Road Song, Serene). The album is complemented with strings and some tunes are in the baroque style. Don Sebesky did the conducting and arranging. Not to mention Herbie Hancock, Ron Carter, Grady Tate and a host of other great musicians support Wes in the most classy manner. The album is about 30 min. long. but it says a life time in such a short time. By J.B Bent

Madrugada

Industrial Silence is the debut album of the Norwegian alternative rock band Madrugada in 1999. The best known track of the album is the ballad Vocal.From the album also exist a limited edition including 2 discs, and a remastered Deluxe edition of the album was released on July 5, 2010. Disc 2 of the remastered Deluxe edition contains 4 previously unrelased demo recordings, and also has tracks from all their early EPs. The remastering was done by Greg Calbi at Sterling Sound in New York.Madrugada was a Norwegian rock band formed in the town of Stokmarknes 1992. The band members included Frode Jacobsen (bass), Sivert Høyem (vocals) and Robert Burås (guitar). After the death of Burås on July 12, 2007 Høyem and Jacobsen decided to finish recording their latest album. The album, entitled Madrugada, was released on January 21, 2008. After the release of the album the band announced they would split after one last tour. They performed their last ever concert on November 15, 2008 at Oslo Spektrum in Oslo-Norway.Industrial Silence is unusually strong and even for a debut album. This, of course, has to do with the fact that they already had been playing together for six years before its release. It kicks off with the majestic "Vocal," with its dense and thick guitar sound and singer Sivert Høyem's distinctive crooning on top of it all. What's really impressive on this album, besides the quality of the songs, is guitarist Robert Burås' creative and versatile playing. From Jim´s World of Music.

Nils Petter Molvær

Molvaer's new album "Baboon Moon" marks the self-assured new start of a musician who has already travelled a long way. He began his career in the bands of Jon Christensen and Arild Andersen, but gradually broke out more and more beyond the confines of jazz, starting with his 1997 album "Khmer". His musical journey took him through a wide variety of styles, and he tried out different degrees of abstraction along the way. He experimented together with musicians like Bill Laswell, Sidsel Endresen and Eivind Aarset, and surrounded himself with DJ's and VJ's, but he also worked on his own. His language of expression remained vivid throughout. On his last album, "Hamada", he switched to and fro between very harmonious and extremely brutal passages, while on "Baboon Moon" these two opposite poles blend into a unified whole again.
Molvaer's new album "Baboon Moon" marks the self-assured new start of a musician who has already travelled a long way. He began his career in the bands of Jon Christensen and Arild Andersen, but gradually broke out more and more beyond the confines of jazz, starting with his 1997 album "Khmer". His musical journey took him through a wide variety of styles, and he tried out different degrees of abstraction along the way. He experimented together with musicians like Bill Laswell, Sidsel Endresen and Eivind Aarset, and surrounded himself with DJ's and VJ's, but he also worked on his own. His language of expression remained vivid throughout. On his last album, "Hamada", he switched to and fro between very harmonious and extremely brutal passages, while on "Baboon Moon" these two opposite poles blend into a unified whole again.In order to arrive at this point, he formed a new band. His two fellow players on "Baboon Moon" have come to jazz 'through the back door', as it were. Stian Westerhus is one of Europe's most innovative, and in the meantime most sought-after guitarists. A former member of the post-rock band Jaga Jazzist, he runs the industrial-improv duo Monolithic together with Motorpsycho drummer Kenneth Kapstad. For Westerhus, the electric guitar is not just an instrument: it's a whole orchestra, a creative museum of physical and spiritual possibilities for producing electronic sounds. He manipulates his instrument with every conceivable material and effect, and even produces indefinable sounds by shouting into the strings. Erland Dahlen has played his way into the hearts of alternative-rock fans as drummer of the Norwegian psychoblues band Madrugada. He contributed this deep and earthy but also progressive blues feeling to Eivind Aarset's Sonic Codex Orchestra first of all, and now he brings it to Molvaer's trio.From nilspettermolvaer.info

Gustavo Santaolalla

El compositor y productor argentino Gustavo Santaolalla, sorprendía a la crítica musical con “Ronroco”, un trabajo exquisito y acaso su obra cumbre hasta el momento.La sorpresa residía en la eficacia con la que abordaba la música tradicional argentina desde una óptica contemporánea que la emparentaba con lo que se ha dado en llamar World Music. Santaolalla se acerca al folklore de su tierra (una constante en su extensa carrera) de una manera natural, pero –y he aquí su gran acierto– tomando los ritmos autóctonos de la “Argentina profunda” siempre como un punto de partida y nunca como un fin en sí mismo, algo de lo que deberían tomar nota muchos “puristas” a ambos lados del Atlántico. Siendo básicamente un músico de rock y teniendo su base de operaciones en Los Ángeles. Santaolalla es un músico atento a lo que ocurre a su alrededor y permeable a las influencias más variopintas, que pueden abarcar desde música de África o Japón hasta Europa del Este, así como, por supuesto y en mayor medida, Latinoamérica. Conceptualmente hablando, "Ronroco" es una obra minimalista, en la que el trabajo de producción (que lo hay, y mucho), nunca sale a la superficie de manera obvia. Santaolalla construye un andamiaje sonoro prácticamente imperceptible sobre el que se deslizan sutiles arpegios que se superponen unos a otros, creando texturas de una belleza realmente conmovedora. La interpretación, lejos de cualquier alarde de virtuosismo, funciona a la perfección con la idea que este talentoso multiinstrumentista nos quiere transmitir. Charango, ronroco y maulincho, todos ellos instrumentos de cuerda autóctonos de Argentina, Perú, Bolivia y Chile son los encargados de dar el “color” general a la obra, mientras que muy medidas intervenciones de flauta, armónica, guitarra y guitarrón, enfatizan y realzan momentos puntuales a lo largo de los más de 40 minutos de placer que nos depara “Ronroco”. Santaolalla mismo es el encargado de ejecutar todos estos instrumentos, mientras que su socio musical desde hace más de 20 años, Anibal Kerpel, aporta lo suyo en vibráfono y melódica, y el legendario charanguista Jaime Torres hace una breve pero contundente intervención en uno de los 12 tracks del cd. En síntesis (una palabra que bien sirve para definir el espíritu de esta obra en su totalidad), escuchar estas canciones es adentrarse en el paisaje que las ha inspirado, como si ese mismo paisaje generase la música, como si el viento del Altiplano del árido norte argentino nos estuviese susurrando melodías ancestrales al oído.De elsoundsystem.blogspot.com

Ludovico Einaudi & Ballaké Sissoko

Diário Malí es el título que el pianista italiano Ludovico Einaudi, ha dado a esta grabación realizada junto al músico africano Ballaké Sissoko. El disco está formado por diez temas, compuestos mano a mano, en el que el piano de Einaudi se mezcla con la kora(arpa africana de 21 cuerdas)de Sissoko, creando un disco pausado y reposado, donde la armonía y el encanto se hacen presentes en todas las composiciones. El disco combina a la perfección el neoclasicismo(tan presente en la música de Einaudi), con los ritmos del africa occidental. Un disco de músicas del mundo muy agradable. El álbum fue producido por la Ponderosa Music & Art en el año 2003.

MobyDick

Un disco fantástico donde se combinan a la perfección infinidad de géneros, como el folk,el rock progresivo y la música acustica. MobyDick es el pseudónimo de Eneko, un cantante y compositor bilbaino el cual es el encargado de dar vida a este album, con versiones de la Velvet Underground y con temas propios. Tiene una voz única y un toque de guitarra íntimo y mágico. And she becames a Gods Friend es el título de esta su ópera prima.Me gustaría destacar temas como su versión de Venus in Furs o Find the blue key,meet the wizard. Esperemos que siga en sus siguientes álbums el mismo camino. El disco es una autoproducción del mismo músico, grabada en el 2009.

Pink Floyd

The Wall es el undécimo de la banda británica de rock, Pink Floyd publicado en 1979. Se grabó entre abril y noviembre bajo la dirección del productor Bob Erzin y de los miembros de Pink Floyd David Gilmour y Roger Waters. Este doble album nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada Pink, basado en su mayoría de las vivencias del antiguo lider de la banda Syd Barret, convirtiéndolo así en una especie de alter ego. Descrito por Roger Waters,Pink se reprime debido a los traumas que la vida le va deparando: La muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial, la sobreprotección materna, la opresión de la educación británica, los fracasos sentimentales, la presión de ser una figura famosa en el mundo de la música, su controvertido uso de drogas sumado a su asma, etc., son convertidos por él en "ladrillos de un muro" que lo aísla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva. El disco esconde varios de los mejores temas de la historia del rock, con unos solos de guitarra que ponen los pelos de punta. The Wall es sin lugar a duda uno de los mejores albums de rock de todos los tiempos.

Dino Saluzzi

Andina es el título de este precioso trabajo en solitario, del sensacional bandoneonista argentino Dino Saluzzi. Este disco reúne paisajes sonoros, en los que se pueden visualizar a la perfección bellísimas estampas andinas y de tierra del fuego. Saluzzi y su bandoneón , transmiten a la perfección y con una genialidad sublime todo lo que la música debe reflejar ,siendo este un disco intimo, el cual merece la pena ser escuchado mas de una vez. Temas como Transmutation, Waltz for Verena o Memories muestran a un Saluzzi en estado de gracia.Si no fuera poco, Saluzzi añade improvisaciones de flauta en temas como Andina o My Father,montada a posteriori en el estudio. El disco fue grabado en el año 1988 para la ECM.

John Surman & Chick Corea

No voy a decir que este disco tenga una audición fácil, quien jamás haya investigado en el jazz de vanguardia o directamente en experimentos musicales cercanos a la música de Messiaen o Berio entre otros, no encontrarán el mas mínimo atractivo a este álbum. Bass is es un experimento musical que un disco de jazz al uso. En este trabajo tanto el prestigioso saxofonista John Surman y el pianista Chick Corea, reunieron a cuatro de los mejores bajistas del momento para crear un cuarteto de cuerdas de lo mas peculiar, siendo elegidos el grandísimo Dave Holland, Peter Warren,Glen Moore y Jaime Faunt. Todos ellos interpretan las extrañas composiciones de Corea y Surman entre las percusiones de Barry Altshul, Steve Hauss y Stu Martin. El disco es extraño, complejo y diferente a todo el repertorio de los músicos mencionados. No es un disco de jazz al uso, simplemente es una nueva apuesta por crear una música diferente. El disco está producido por la casa italiana Enja.

Enrique Morente

Yo no sé si Lorca pensó en alguna música cuando escribió sus poemas, pero lo cierto es que su poesía está llena de sonidos”, sostiene Morente acerca de la poesía lorquiana. Y ello le llevó a forjar un nuevo trabajo sobre la obra del poeta granadino, que ya abordó en el Omega y en Lorca. Basado en Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, el nuevo album está editado por el Patronato Cultural Federico García Lorca, al que ha sido donado por el cantaor en un acto celebrado en la Casa Museo de Fuente Vaqueros. El disco es la gran joya de despedida del maestro Morente, hacía mucho que no me emocionaba escuchando música. Este album lo ha conseguido, con el mismo empuje que el Pablo de Málaga. Morente hace todo en este album, los arreglos, guitarra, precusiones y electrónica, ofreciendo una joya de 15 minutos de duración. El disco se compone de tres temas La cogida y la muerte, Alma Ausente seguidos de un último tema en el que Morente muestra su cante en total soledad. Enrique Morente ha podido dejar uno de los mayores legados musicales de la historia del S.XX y este álbum cierra su obra dejando un legado musical abrumador.El disco fue donado por Morente al Patronato Federico García-Lorca en el 2010. Hasta siempre Maestro.

Jesper Bodilsen

Short stories for dreamers, es ni más ni menos que el título que el gran contrabajista nórdico ha puesto a este enorme trabajo. El título no solo sugiere que en álbum encontraremos temas cargados de profundidad,serenidad y reflexión ,sino que además lo afirma. Desde el primer tema caetano, donde sobre la estructura creada por Bodilsen se crea un círculo narrativo entre el vibráfono de Severi Pyysalo y la guitarra del siempre magnífico Ulf Wakenius, dando muestras de que esto, va en camino de convertirse en un disco asombroso. En este álbum no solo sorprende la grandeza de Bodilsen como lider de agrupación, sino que además el resto de sus compañeros están de verdadero lujo. Empezando con Ulf Wakenius a la guitarra.

Desde su notoriedad como sideman de confianza de Oscar Peterson, junto a Orsted-Pedersen, no ha dejado de sorprender. Tanto los trabajos para la casa ACT pasando por la Sttitel. En este disco, podemos escuchar algo mucho mas grande y este trabajo no defraudará a ninguno de sus seguidores. Junto a ellos unos genios, como el vibrafonísta y percusionista Severi Pyysalo y el trompetista Peter Asplund. El disco por completo es un joya, pero destacaría dos temas como A new day o One of a Kind. El trabajo fue producido por la danesa Stunt Records en el año 2009.

Pat Martino

Podría definir este disco de Pat Martino como un album de busqueda, desde el jazz hacia el blues. Se que esta afirmación no es del todo ortodoxa, pero creo que con ella todo el mundo se puede hacer una pequeña idea de la identidad de este album. Martino saca del cajón una versión de su Gibson, añadiendole cuatro cuerdas mas. El disco comienza con quizás el tema mas duro de escuchar de todo el album como es Blackjack, en el que se mezcla el free jazz con el hard bop creando unas velocidades de vértigo, y unos fraseos de guitarra de infarto. El album se va haciendo mas accesible a medida que los temas van pasando, descubriendo en el el buen hacer no solo de Martino, sino de todas las personas que le acompañan. Debo de resaltar en este disco la importancia de Thyrone Brown al bajo, sin el cual este disco no tendría ni pies ni cabeza. Creo que en temas como Oleo, la velocidad de Martino me superó y que decidí refugiarme en el bajo de Brown a la hora de escucharlo. A su vez a Brown y Martino les acompañan Eddie Green al piano, Sherman Ferguson a la batería y Eric Kloss en el segundo tema al saxo tenor. Este disco fue grabado el 9 de marzo de 1970 para la casa Prestige.

Stefano Bollani Jesper Bodilsen & Morten Lund

Gleda es el título de este sensacional disco de Stefano Bollani. En este trabajo, Bollani se sumerge en la tradición del jazz nórdico, creando unas atmósferas suaves y unos espacios armónicos que reciben influencia directa del jazz báltico. Un disco sensacional que no defraudará a nadie y que incluso no molestará a los que por cuestiones de espacio tienen que oir a través de las paredes la música que escuchamos. El disco se va calentando poco a poco, a partir del segundo tema y tras los fraseos de bajo de Jesper Bodilsen, el disco va adquiriendo matices de música de club en vivo(siendo este disco un album de estudio), recordandome por momentos a trabajos de Charlie Haden junto a Gonzalo Rubalcaba. Pero es quizás la aparición del veterano Morten Lund, lo que envuelve al álbum en unas melodias mágicas cargadas de buen gusto. El disco fue grabado para la danesa Focus Recordings en el año 2004.

Neil Young

Hay opiniones dispares sobre este último trabajo de Neil Young. Muchos atacan que él solo, se haya atrevido a concebir un álbum en solitario, otros alaban la inmensa calidad del mismo. Por mi parte solo puedo decir una cosa, me ha encantado este disco. Desde siempre he tenido una profunda admiración a la guitarra de Neil Youn, concretamente a su ya famosa y conocida Gibson Les Paul "Old Black". Es su principal guitarra eléctrica y fue utilizada en la mayoría de sus álbumes. En 1972, fue instalada una minihumbucker de una Gibson Firebird, reemplazando a la P-90 habitual de las guitarras Les Paul de la época. La guitarra incluye también un mini-switch que permite mandar la señal del mini-humbucker directamente al amplificador. La guitarra se hizo mas famosa todavía ,gracias a ser la protagonista de la banda sonora de la enorme película de Jim Jarmusch, Dead Man. Este disco me recuerda a ese sonido roto y distorsionado,tan típico de la música de Neil Young,a las cuales va añadiendo unas letras que consiguen conmoverme. Temas del disco como Love and War, varían el discurso adentrandose en el camino acústico de la mano de una Martin D-28, perteneciente a Hank Williams. El trabajo desde la primera a la última composición me parece magnífico, desenfadado y sin pretensiones. Digno heredero de su tradición musical .Recomiendo este trabajo a todos los amantes y conocedores de la obra de Neil Young. El disco fue grabado entre enero y julio del 2010, bajo la tutela de Daniel Lalois para la Reprise Records.

John Scofield

Un álbum de John Scofield firmado en el año 1994. El estilo de este disco es un frío acercamiento al Funk desde el jazz de Scofield, los fraseos de nuevo son de vértigo y le acompaña su equipo de incondicionales de esos años. El disco comienza a calentarse a partir del segundo tema y gracias a la gran entrada al piano del gran Larry Goldings. Este disco recibe influencias claras del post bop de los años 80, She's So Lucky o Whip The Mule fueron piezas clave para la formación Pastorius/Scofield y aquí Scofield rinde tributo a su amigo y colega. El disco fue grabado en la ciudad de Nueva York,por partes separadas a lo largo del año 1993 para ser presentado en sociedad por parte de la Blue Note el año próximo. A la guitarra de Scofield le acompaña,Eddie Harris al saxo tenor, Larry Goldings al piano, Dennis Irwin al bajo, Bill Stewart a la batería y Don Alias a las percusiones.

Stafford James

Este es el segundo álbum como líder de Stafford James, antes de esta joya oculta grabo una tirada de 1000 lps en la misma casa donde grabó este segundo disco, para la desaparecida productora italiana Red Records. Este album fue un trampolín que ayudó a James a ocupar un hueco en el jazz de los años 70. Añadió composiciones del Frank Strozier como Twelve for Four, Yellow Days e Impressions siendo esta última pieza un sentido homenaje de toda la agrupación a John Coltrane. En el disco se agrupan James al contrabajo, Strozier al saxo alto, el sensacional Harold Mabern al piano y Louis Hayes a la batería. Este disco es una joya prácticamente imposible de encontrar en cd, grabado en Italia en el año 1978.

Dave Holland & Pepe Habichuela

Este disco es el resultado de un encuentro, que mas de un admirador de ambos genios llevábamos mucho tiempo esperando . El disco se muestra mas cercano al flamenco que al jazz, pero siempre dejando a Dave Holland ahondar en su música. Temas como El ritmo me lleva, nos acercan al disco de Habichuela junto a los Bollywood Strings, destacando los acompañamientos de bajo de Holland a lo largo del tema. El disco me resulta mucho mas cercano a la música de Habichuela que a la de Holland en un comienzo, pero solo hay que esperar a las entradas y fraseos de Holland para darse uno cuenta de que su carácter va siempre impreso, a lo largo de todas y cada una de las composiciones.La familia Carmona, se presenta casi al completo acompañando a los dos maestros; Josemi y Carlos Carmona a la guitarra y Juan Carmona e Israel Porrina a las percusiones. Un trabajo magnífico grabado en el 2010 para la casa Emarcy.

Tim Hagans

Alone Together reúne al trompetista Tim Hagans con el trío de muchos años del pianista Marc Copland para la segunda grabación de Hagans en el sello Pirouet. Los veteranos colaboradores del cuarteto anterior de Beautifull Lilly (Pirouet, 2005), destacaron una formación similar con el bajista Drew Gress y el baterista Bill Stewart; esta sesión incluye al baterista regular Jochen Rückert de Copland en lugar de Stewart. Donde "Beautiful Lily" contuvo un número de originales de Hagans, la mayoría de las melodías en Alone Together son escritas por Copland, con un puñado de estándares para redondear el programa. Referencias Musica que Cuelga. Un disco grabado en el 2008 para la casa Pirquet.

Art Blakey & The Jazz Messengers

Un disco extraído de las mismas y ya famosas grabaciones, como Live in Tunisia grabadas en el año 1960 pero con una aparición estelar. La del maestro Lee Morgan. El disco nos aleja a un sonido que cada vez se acerca mas al Hard Bop, manteniendo una frescura que va en aumento tema a tema, presentándonos composiciones de Wayne Shorter mas una composición del mismo Shorter como es la pieza Johnny's Blue . El disco es una joya representativa de aquellos años, en la que intervinieron maestros del jazz, como Bobby Timmons al piano y los y mencionados;Wayne Shorter al saxo tenor, Lee Morgan a la trompeta y Art Blakey a la batería. El disco fue grabado en los Van Der Gelder Studios en el año 1960 para la Blue Note.

Pierrick Pedron

Los críticos franceses tienen razón: Deep in a Dream es una pequeña joya trabajada por un foráneo directamente en el epicentro del jazz. Si algo, Pedron juega el papel de un jazzman americano de los años '50 tan satisfactoriamente, que uno anhela, quizás injustamente, por un rayo del patrimonio musical del músico francés de ojos brillantes: el vástago de una familia musical de Bretaña, enseñada en valses Bretones tradicionales, Pedron se haría, como mucha de su cohorte, un entusiasta de Pink Floyd, pero hay escasas pruebas de estos detalles biográficos en la música en este disco. ¿(Descubro algunos elementos bretones en "Waltz for a King", el tributo de tiempo 3/4 de Pedron al saxofonista alto inglés Peter King? Probablemente no.) No importa, un logro sumamente gratificante. En el disco aparecen Mulgrew Miller al piano, Thomas Bramerie al contrabajo y Lewis Nash a la batería. Una reseña de musica que cuelga. El disco fue grabado para la Plus Loin Music en el año 2006.

Pat Martino

Consciousness es el duodécimo disco del guitarrista Pat Martino, en este disco Martino se acerca al temperamento de John Coltrane,donde nos adentra desde el swing y el bop a una música y a un virtuosismo grandioso. Temas de acercamiento,al puro bop como Impressions,con unos fraseos ágiles y veloces,o una incursion introspectiva bellísima con temas como Passata on guitar. Arropado a su vez con sus habituales,Thyrone Brown al bajo,Eddie Green al piano y Sherman Ferguson a la batería. El disco es una pequeña joya editada por la casa Muse.

Carlo Gestualdo

Carlo Gestualdo fue probablemente una de las figuras mas notorias de la música del renacimiento.Las excelentes relaciones de su familia con la Iglesia hicieron que su obra no sufriera ningún tipo de censura. Sus composiciones se salen de los cánones de la época: Gesualdo no tenía que agradar a nadie, escribía para sí mismo, el resultado fue una obra original, extraña y sorprendente en el Renacimiento. Fue así de extraña por su uso constante de la disonancia y del cromatismo, algo impensable para la época que veía en su seno el inicio de una protoarmonía tonal que en el barroco se desarrollará, como con el tratado de armonía de Rameau del año 1722.Por ello, Gesualdo es considerado un adelantado de su época. En este album editado por Naxos en el año 2004,se nos acerca a la música sacra de Gestualdo,interpretada por la Oxford Camerata bajo la batuta de Jeremy Summerly. Un excelente disco de música clásica.

Vic Chesnutt

North Star Deserter,sería el nombre que el cantante,compositor y guitarrista Vic Chesnutt diera a esta maravillosa colaboración junto al guitarrista y hombre fuerte de la formación Fugazi,y junto a los componentes de la formación canadiense de Post-Rock A Silver Mt.Zion. Si la voz y las composiciones de Chesnutt han creado conmoción en la escena musical contemporánea,este disco tampoco se queda muy lejos de los trabajos acusticos de Chesnutt. La música de este músico irrepetible hace llegar a unos estados,donde la nostalgia,la melancolía,la ira y la plegaría se transforman en una sola palabra,música. Música creada desde el corazón,musica que no cree en limitaciones físicas y que desnudan el alma. Desde la silla de ruedas en la que se vió,confinado desde que tenía 18 años,Chesnutt lanzó al mundo desde sus composiciones sus mensajes,siendo este disco uno de los mas maravillosos legados músicales del panorama musical de los últimos veinte años. Con una parálisis casi total y unos dolores fisicos,que cuando no disponía de su medicación llegaban al delírio,este maravilloso compositor realizó temas que se presentan en este album como Everything I Say ,(el cual se puede ver online en uno de sus últimas apariciones en vivo) o las maravillosas You Never Alone o Over. El disco fue grabado en el año 2007 para la Constellation Records. Un disco tremendo.

Anouar Brahem

The Astounding eyes of Rita, es el último trabajo para la ECM del maestro laudista,Anouar Brahem. En este disco vuelve a sorprendernos con su personal estílo y sonido,volviendo a fusionar el world músic con la música neoclásica. En este disco adopta al magnífico clarinetista Klaus Gesing(un clásico ya dentro del sello),a Björn Meyer y al imprescindible Khaled Yasine a la darbouka. El disco nos acerca a albums de Brahem como Le Voyage de Sahar o Le pas du la chat noir. El disco fue grabado en el año 2009,siendo esta una de las últimas producciones del desaparecido Manfred Eicher.

Charlie Haden Paul Motian & Geri Allen

Después de unos meses de inactividad, pido perdón a los seguidores del blog,por haberlo tenido tan desatendido. Puede que sea Charlie Haden, uno de los contrabajistas del momento que mas me gusten, en este discazo grabado en vivo,el 1 de Julio de 1989 en el Festival de Jazz de Montreal,se reunieron tres magos. Por un lado al piano,el maestro Geri Allen y en la batería el maestro Paul Motian. Cerca de una hora y media de autentica genialidad. Todo se empieza a averiguar,con el arranque Blues in Motian,con una sensacional combinación de fraseos,entre Allen y Haden. La velocidad,de Allen ,en la deconstrucción se hace notable en temas como Fiasco y For John Malachi,introduciendo al jazzero mas exigente en un auténtico huracán de sonido. El disco es una pequeña muestra de lo que se podía escuchar en uno de los mejores festivales de jazz de esos años.Fue grabado pora la casa Verve en ese mismo año,salió a la venta en LP en el 1990.

Hildur Gudnadóttir

Para romper con el post rock de esta semana, presento un disco que me ha conmovido. Se trata de un album de la compositora y cellista islandésa Hildur Gudnadóttir. En este album se nos presentan unos temas tristes melancólicos e incluso oscuros. Donde Hildur Gudnadottir se mueve con su cello,por parajes poblados de niebla y de soledad. Hildur Gudnadóttir no es una simple compositora al uso, olvida la mera lectura y escritura musical para adentrarse en la improvisación en cada uno de sus temas,dejando así a la imaginación volar por ese cielo poblado de nieblas y de ruinas. En el disco en los temas 7 y 10 aparece la voz del clarinetista Guðni Franzson dando un mayor empaque a las composiciones. En el corte adicional también aparece el aporte del bajista Skúli Sverrisson,así como en el segundo corte el órgano de Jóhann Jóhannsson. El disco fue grabado entre Reykjavík y Berlín en el año 2008. Un disco de música neoclásica precioso.

September Malevolence

Otra banda de post rock nacida en el frío. September Malevolence es del mismo modo que EF,una agrupación nacida en la ciudad sueca de Goteborg. El sonido de September Malevolence puede que sea un poco mas oscuro que EF pero continuando con unos rifs templados,dotados de unas letras y unas melodías ligeras,no tan potentes como Daturah,Isis o Red Sparrowes. Digamos que la música de esta banda queda bien en cualquier momento, alejada de los rifs agresivos y violentos predominantes en el post rock. En Tommorrow We'll Wonder Where This Generation It's Priorities From, que así se llama este su segundo album de estudio,destaca esa sobriedad sello de esta banda,presentandonos siete temas de los cuales el último,titulado Nobody Noticed the Fire es donde sacan su capacidad para el jamming. En el corte tercero Distance-Closure es donde podemos escuchar el tema mas cañero del conjunto sueco. Un buen disco de Post Rock,grabado en el año 2006.

Joy Wants Eternity

Otra banda mas para esta semana dedicada al Post Rock. Joy Wants Eternity es una agrupación nacida en Seattle a finales del año 2006. Su primer y último disco es este You Who Pretend to Sleep, ya que la banda no ha vuelto a sacar nada desde el año 2007 a parte del LP editado ese mismo año con el nombre Must You Smash Your Ears Before You Learn to Listen with Your Eyes. El sonido de esta banda es una mezcla sutíl y suave ,que solo abandona cuando entran los potentes y melódicos rifs. A diferencia de la experimentación de grupos ya antes comentados como Tulsa Drone, Joy Whants Eternity deja en su disco una música con mensaje y con paisaje. Dando en cada corte sentimiento y fuerza a partes iguales. Es una pena que bandas como esta,que prometian un futuro potente dentro del campo del post rock,se desintegren casi sin haber nacido. Aún así este disco ya está editado para que todo el mundo pueda disfrutarlo.