sábado, 16 de mayo de 2009

Uri Caine & Gustav Mahler


Después de publicar el aclamado "Toys", Uri Caine se ha tomado el tiempo necesario para preparar a conciencia su nuevo y arriesgado proyecto. No es la primera vez que alguno de los músicos que frecuentemente colaboran con Caine, como el trompetista Dave Douglas, siente la tentación de acercarse a los planteamientos de la "música culta" de tradición europea, si bien el nuevo trabajo del pianista se acerca mucho más a las obras conceptuales del clarinetista Don Byron. "Urlicht / Primal Light", una de las primeras referencias del lujoso catálogo Winter & Winter que viene a sustituir a jMT, es una fascinante aproximación a la obra de Gustav Mahler, una búsqueda intensiva que integra junto a algunos de los fragmentos de mayor belleza de su obra, sus facetas más excéntricas: su afición por las marchas militares, las danzas populares, el reflejo de la cultura judía... La obra de Caine, que nació como música para un documental sobre el compositor, aúna el academicismo de un grupo de músicos de virtuosismo inigualable (Byron, Douglas, Feldman), con una provocadora utilización de los más variados recursos: efectos electrónicos, cantos de salmos de la sinagoga... creando un producto complejo y ambicioso que, sin dejar de ser una visión actualizada, es al mismo tiempo un viaje a las raíces históricas de la época en que se desarrolla la obra del compositor vienés.

Chano Dominguez


El pianista gaditano ha tenido el valor de enfrentarse a ese reto tan exigente de tocar en solitario, ese terreno donde las virtudes pero sobre todo las carencias quedan más de relieve, sin el adorno ni el diálogo con ningún otro instrumento, aunque eso sí, con el cálido estímulo de un público plenamente identificado con su colosal empeño. Y no sólo ha salido airoso de esta experiencia, sino que aunque sea repasando algunos de los temas de sus anteriores trabajos, ha seguido ahondando en esa asombrosa síntesis entre sus querencias flamencas y sus pasiones jazzísticas, alcanzando tal naturalidad al exponer sus hallazgos que parece que éstos no lo fueran tanto porque ya estuvieran presentes desde siempre. La magia del rasgueo de la guitarra flamenca por bulerías trasladada al piano de forma prodigiosa ("Refrito/Retaila"), el hondo homenaje a Camarón ("Mr.C.I."), la recreación de las canciones populares más arraigadas ("La Tarara", "El Toro y la Luna") y de la copla ("Ojos Verdes")... Pero también la permanente veneración por el maestro de la sensibilidad ante un piano, Bill Evans, con su preciosa versión del tema de Steve Swallow "Hullo bolinas", o esas magníficas lecturas de piezas inmortales asociadas al legado ellingtoniano, la estimulante "Caravan" del trombonista Juan Tizol y la delicada "Lush Life" de Billy Strayhorn, que Chano hace suyas con inusual destreza. Quizás sean el tema por colombianas "Alma de Mujer", y "Naranja y Canela", una simple y obsesiva melodía de indescriptible belleza, los mejores ejemplos de la fascinante capacidad evocadora de la música de Chano. Una música que se nutre de las más profundas raíces culturales de un pueblo para, traspasando géneros y lenguajes, hacerse universal.

Matthew Shipp & Joe Morris


Muchos son los paralelismos que pueden establecerse entre estos dos músicos, una carrera labrada desde la semi-clandestinidad que al fin obtiene la merecida atención, un estilo rompedor que desecha incluso los esquemas más tradicionales del free, una aproximación a sus instrumentos que traspasa los límites conocidos hasta ahora... El encuentro entre ambos parecía inevitable dada la afición al formato de dúo que con tan brillantes resultados cultiva el pianista y la sintonía de sus respectivas concepciones musicales que había quedado ya patente en la intensa aportación del trío de Shipp a uno de los más recientes trabajos de Morris, el excelente "Elsewhere" (Homestead). Mientras que el pianismo de Shipp, además de absorber buena parte de la tradición jazzística (Bud Powell, Andrew Hill, el ataque percusivo en la línea de Cecil Taylor...), deja entrever una soberbia asimilación de elementos clásicos, Morris se acerca más al fraseo de saxofonistas como Ornette Coleman o Leo Smith que al de cualquier otro guitarrista. Densidad de ideas, urgencia creativa, riesgo permanente, nerviosos intercambios que alternan con serenos pasajes en solitario de belleza desnuda, música capaz de pasar de la abstracción más compleja al lirismo más melódico, raramente puede encontrarse una muestra más impresionante de lo que se ha dado en llamar "la tradición del cambio".

Bobo Stenson Anders Jormin & Jon Christensen


El pianista sueco Bobo Stenson es un veterano con una larga carrera a sus espaldas que ha ganado notoriedad con su participación en el grupo de Charles Lloyd -en el que sus prestaciones despuntan muy por encima de las del propio saxofonista-, propiciando que volviera a grabar en trío en 1996 ("Reflections"), algo que no había hecho en los últimos 25 años. Ahora vuelve a insistir en este formato con un disco muy característico del sonido asociado al jazz nórdico, y por extensión al sello ECM. Atmósferas espaciosas, preciosismo melódico, y ante todo un trío compenetrado que comparte un mismo concepto musical y que, siguiendo el ejemplo de los de Keith Jarrett, permite a sus miembros una gran libertad. En palabras de Stenson: "es imposible ser el líder en un grupo que incluye a Christensen". El batería noruego así lo pone de manifiesto en la memorable versión de la ellingtoniana "Melancholia". Un jazz muy abierto que permite integrar con total coherencia una preciosa lectura de "Oleo de mujer con sombrero" -del cantautor cubano Silvio Rodríguez-, junto a dos temas de Ornette Coleman -"All My Life" y el que titula el álbum-. Entre los temas propios, el contrabajista -también compañero en el grupo de Lloyd-, revela su buen gusto con tres sugerentes composiciones, mientras Stenson aporta una pieza de aire oriental ("Bengali Blue"). Un magnífico disco de la ECM del año 1997

Bill Dixon


Personaje fundamental del free de los 60, fundador del New York Comteporary Five con Archie Shepp y John Tchicai, organizador de la famosa serie de conciertos "The October Revolution", recordado sobre todo por su participación en discos tan señalados como "Conquistador" (Cecil Taylor), desde entonces su actividad se ha dirigido principalmente a la enseñanza siendo escasas sus grabaciones y actuaciones. Sin duda junto a Don Cherry el más original innovador de su instrumento, del que ha expandido su vocabulario hasta extremos insospechados, su espíritu transgresor lleva hasta el límite la libertad formal de su música, capaz de generar tantas adhesiones inquebrantables como rechazos furibundos. Buena prueba de ello es este disco, segunda entrega de una sesión que Dixon grabó hace cuatro años con la intención de que se editara como doble CD. Sólo una banda de ensueño como ésta podría generar la comunicación casi telepática necesaria para desarrollar improvisaciones tan abiertas como fecundas. El fascinante juego de los dos contrabajos y la colorista e imaginativa batería del británico Tony Oxley crean las texturas adecuadas secundando el discurso de Dixon, que más allá de cualquier regla explota múltiples efectos: ecos deliberados, sonidos chirriantes, gruñidos... La pieza final, rizando el rizo de la experimentación, consiste en una doble grabación del cuarteto, con la peculiaridad de que sólo el líder escucha la primera toma mientras tocan de nuevo, lo que da lugar a un resultado imprevisible sólo apto para el disfrute de los iniciados más libres de prejuicios. Junto a el Barry Guy y William Parker a los contras y Tony Oxley a la batería.

Tim Berne & Michael Formanek


La colaboración discográfica entre Tim Berne y Michael Formanek se remonta a las grabaciones del bajista para Enja y SoulNote a principios de los 90 y se ha prolongado hasta las ocho entregas del Bloodcount; en total una docena de discos en los que comparten algo más que los créditos. De hecho, aunque Berne siempre se ha rodeado de bajistas participativos y con personalidad (Ed Schuller, Mark Helias, Mark Dresser o Drew Gress), el nivel de comunicación entre ambos es difícilmente superable y justifica la esperada edición de este dúo. El formato no es desconocido para Berne ("Theoretically" con Bill Frisell en 1984, "Inference" con Marilyn Crispell en 1992 y en un tema con Tim Smith en "We Speak Etruscan" en 1994), cuyos recientes proyectos en Screwgun se orientan hacia un progresivo acercamiento a formaciones reducidas -desde 1997 sólo ha grabado bajo su nombre con cuarteto (Bloodcount) y tríos (Paraphrase, Big Satan). Por su parte, Formanek, aunque firmemente radicado en primera línea de vanguardia, protagoniza una carrera musical llena de contrastes, junto a westcoasters históricos (Chet Baker, Stan Getz o Gerry Mulligan) y figuras como Dave Liebman, Gunter Schuller, Joe Henderson, Uri Caine, Dave Douglas y un largo etcétera. Recientemente ha editado su primer disco a solo ("Am I bothering you?"). Estamos ante dos músicos que ejemplarizan la comunión entre composición e improvisación, fundiendo ambos campos con la facilidad y maestría que dan el dominio del lenguaje y el sonido. El disco se abre con dos temas en los que se reconoce inmediatamente la marca de la casa y las influencias que ambos atesoran: unísonos decididos, largas líneas líricas entrecruzadas, inquietos y recortados desarrollos. En varios momentos Formanek aprovecha las capacidades expresivas de su particular técnica con el arco, en la que el barítono se acopla perfectamente, y también acomete discursos de riesgo. A nivel solista, ambos están magníficos, con momentos de alta tensión. Berne disfruta de largos espacios en los que muestra al desnudo su bien reconocible estilo. Como reza la información promocional, "parece un disco de Screwgun, suena como un disco de Screwgun, pero no es un disco de Screwgun. ¿Qué diablos es?". Una pequeña joya editada por un pequeño sello de la costa oeste, en la que dos grandes músicos hablan en alto, pero sin gritar. Un paréntesis en las ediciones del saxofonista, aunque que no se libra de la inefable receta

Evan Parker & Electro-Acoustic Ensemble



Evan Parker es uno de los más importantes músicos europeos, durante años ha dedicado su trabajo a las formas de improvisación libre y ha figurado en las más diversas experiencias musicales (desde Derek Bailey, Anthony Braxton, Kenny Wheeler, etc...). Esta experiencia la traslada, desde hace unos años, a la modificación electroacústica de su sonido. Desde el año 1992 viene trabajando con su Electro-Acoustic Ensemble, una ampliación de su trío habitual (Barry Guy al contrabajo y Paul Lytton a la batería), a los que se les añaden tres ingenieros encargados de modificar su sonido acústico en tiempo real. Cada uno de los integrantes del trío electrónico (colaboradores entre otros, de los trabajos de Luciano Berio, John Cage o Karl Heinz Stockhausen), tiene a su cargo la modificación del sonido de uno de los miembros acústicos. Así Wachsmann se encarga de Parker, Prati de Guy y Vecchi de Lytton. Como curiosidad citar la existencia de tres temas en donde un solista acústico interactúa con los tres ingenieros a la vez. Especialmente brillante se encuentra en este formato Evan Parker en el tema The Regenerative Landscape. Las percusiones de Lytton, el trabajo de Guy con el arco, y las oleadas de notas creadas por la respiración circular de Parker crean una atmósfera densa, pero a la vez muy interesante. Una música dura y sin concesiones, un poco alejada de la estética habitual de ECM (aunque recientemente han grabado en esta compañía gente como: Marilyn Crispell, Joe Maneri...)

Booker Ervin


Un disco de finales de 1963, presenta a Booker reunido con una de las más sensacionales e innovadoras secciones rítmicas de la historia del jazz, el pianista Jaki Byard (un colega del grupo de Mingus), el contrabajista Richard Davis y el baterista Alan Dawson. Con estos hombres la música de Booker dio un gran salto. Estos músicos le permitieron dirigirse libremente hacia áreas desconocidas pero al mismo tiempo prestándole un muy estimulante apoyo. El primer tema de la grabación, "A Lunar Tune", es lo más avanzado que podría escucharse en aquellos momentos. La extraordinaria sensibilidad de Booker es evidenciada con la balada "Cry Me Not" escrita por Randy Weston. Aquí es un dramático tema que el saxofonista reviste de todos sus sentimientos. Este tema es una premonición de la absolutamente "chef d'ouvre" que Booker llegaría a hacer con Randy Weston en 1964, "Portrait Of Vivian". El rápido blues en tono menor "Grant's Stand" es un triunfo para Booker. La música se agria con un abandonado lamento reminiscescia de maestros como Gorgon, Gray o Stitt. Byard hace un solo económico y monkiano. Los otros dos temas son buena muestra de la creatividad de todos los musicos participantes.

Booker Ervin Carmell Jones Gildo Mahones Richard Davis & Alan Dawson


Booker Ervin fue un músico muy desafortunado. No sólo porque murió con sólo 40 años de edad, sino porque el mundo del jazz nunca le valoró lo suficiente como un músico individual. Tendemos a olvidar que los años en los que Booker Ervin imprimió su marca en la música de jazz fueron los dominados por Sonny Rollins y John Coltrane, principalmente de 1958 a 1968. Booker Telefierro Ervin II nació en Denison, Texas en 1930. Murió en 1970 en New York. Durante su carrera tocó con Charles Mingus y Randy Weston siendo fundamental para la música de ambos. THE BLUES BOOK de la casa Prestige data de mediados de 1964 y encuentra a Booker Ervin completamente inmerso en su elemento, el blues. Un trompetista está de nuevo a bordo, esta vez Carmell Jones, que desempeña agradablemente su papel con un delicado tono servido con veloces y profundas ideas. Gildo Mahones, el pianista, es una sorpresa, aunque había ganado cierta notoriedad siendo colaborador tanto de Miles Davis como de la época más tardía de Lambert-Hendricks-Ross. Su estilo es una personal combinación de inesperadas disonancias con algunas líneas fluidas. Blues medios, rápidos y lentos aparecen con intensidad en esa actitud declamatoria del fraseo de Ervin. El tema más extenso "No Booze Blooze" es la auténtica bomba de la sesión.

Solomon Burke


Una entrada a estas horas de la madrugada escuchando la voz de este soulman de 160 kilos es una razón de peso, para reconciliarse con uno mismo. La voz del maestro del soulman/bluesman trae una sabiduría plena en el campo del soul, con unos acompañamientos de absoluto lujo. Ya no se hacen discos de soul clásico. Pero hay algunos clásicos que han vuelto para reclamar su lugar en el olimpo, como Bobby Purify, Al Green o el reverendo Solomon Burke. En su segundo intento de este nuevo siglo, después del grandioso Don't Give Up On Me , Solomon Burke vuelve a mostrarse más versátil que nunca, recreando canciones propias y versiones de gente como The Band o Hank Williams, de quien retoma su "Wealth Won't Save Your Soul" ("La riqueza no salvará tu alma") para llevarla a su terreno, la Iglesia; mejor dicho, a la gloria del soul celestial. Una joya.

viernes, 15 de mayo de 2009

Billy Cobham


Este album fue el segundo trabajo como lider del batería Billy Cobham. Billy Cobham, fue uno de los primeros bateristas que supo conjugar los ritmos del rock con la polirritmia del jazz, fundando así, junto a Tony Williams y Jack DeJohnette, un estilo nuevo en la batería de jazz que tiene muchos adeptos. Fue colaborador asiduo de Miles Davis y la lista de grandes músicos con los que ha trabajado es interminable: George Benson, John McLaughlin, Gil Evans, Grover Washington, Roberta Flack, Peter Gabriel, Randy Brecker, Frank Gambale y muchos más. En este album se encuentra una enorme amalgama de estilos desde la fusión, hasta el jazz progresivo(gracias en otra parte a la participación del maestro John Abercrombie). Junto a Cobham, en este album encontramos a George Duke a los teclados, John Williams al contrabajo y bajo eléctrico, Garnett Brown al contrabajo, Randy Brecker a la trompeta, Michael Brecker al saxo tenor y por último John Abercrombie a la guitarra. Un gran album para la casa Atlantic de 1974.

jueves, 14 de mayo de 2009

Luc Ferrari


Continuamos con otra grabación histórica y una obra de Luc Ferrari que forma parte de su ciclo Sociétés, esta serie de obras no escénicas pero de alto contenido teatral. Société II es el título, fue compuesta en 1967 y puede ser descrita como una reunión de músicos en torno a un pianista. A pesar de la naturaleza improvisatoria que posee, la partitura es un concierto concebido estrictamente para piano, tres percusionistas y 16 instrumentistas. Además, el subtítulo “y si el piano es un cuerpo femenino” otorga una perspectiva dudosa a una obra aparentemente seria. Pero lo cierto es que plasma un cuestionamiento al comportamiento machista y la violencia contra la mujer en plena década de 1960. Société II fue registrada por primera vez por Gérard Frémy en piano, Jean-Pierre Drouet, Sylvio Gualda y Gaston Sylvestre en percusiones, el Ensamble Instrumental de Música Contemporánea de París dirigido por Konstantin Simonovitch. Un aviso para todos, nos adentramos con este album en el mundo de la música concreta, del mismo modo que hicimos con Stockhausen. Este album se aleja de la concepción musical de Glass, Shöemberg, Berio y Penderecki. Nada tiene que ver. Un album para oidos muy experimentados, si Boulez o Messiaen a muchos les cuesta puede que este album lo odien.

Alex Cline Jeff Gauthier Peggy Lee Myra Melford & Scott Walton


Un dato simple: fuera de las constricciones de género, algunas de las mayores épicas de la guitarra están siendo escritas e interpretadas por Nels Cline. La idea de grabar Coward procede de la inspiración de maestros como Metheny, Towner, Abercrombie o Scofield. Cline tira de ello para anotar en todas estas influencias su toque personal, como microtonos, distorsiones o afinaciones alternativas, haciendo uso de su legión de guitarras y abundancia de tratamientos electrónicos y de estudio toma infinidad de direcciones cuya coherencia es mantenida por la personalidad interpretativa del guitarrista. Sin enclave en el Rock, a diferencia de la de Nels, la música de Alex se crea a partir de la mezcla de la música de cámara, el jazz. En este disco Alex Cline crea obras memorables como los temas Nourishing Our Roots, Clearing Our Streams, Open Hands o On the Bones of The Homecoming Thunther, esta última de dieciocho absorbentes minutos. Una autentica joya del jazz de vanguardias. Junto a Alex Cline y su batería y percusiones, Jeff Gauthier al violín, Peggy Lee al Chelo, Myra Melford al piano y al armonio y Scott Walton al bajo. Esta joya fue grabada en Los Angeles el pasado 2008 para la Crytogramophone.

Don Cherry Nana Vasconcelos & Collin Walcott


Pura magia. El arte de la improvisación llega a todos los límites en este extraordinario triple album. Anticipandose a todo tipo de lengua, comparando todo tipo de idioma, anticipandose a la moda del World Music, dibuja las tradiciones de todos y cada uno de los continentes. Codona no es una banda cualquiera. Es sonido puro, un potente surtido de poesía y música, evocadora, en cada segundo en cada nota bien marcada y bien realizada por cada uno de los componentes. Collin Walcott al que conocemos en su esencia jazzistica se atrevió a probar suerte junto a Don Cherry en el proyecto del percusionista brasileño Nana Vasconcelos, y la jugada salió a pedir de boca. Los tres albums que salieron de sus manos son autenticas joyas del panorama musical. Las tres se encuentran en este extraordinario pack, editado de nuevo por la ECM records. Si la trompeta de Cherry nos tiene acostumbrados a viajes intensos en este album también se anticipa a nuestro oido y nos regala unos temas en organo, Vasconcelos se atreve incluso con sus cuicas y berimbaus, y el sorprendente Walcott con un sitar. Un disco que sorprenderá a todo el mundo, por su eclecticismo, elegancia y profundidad. Uno de los mejores albums de músicas del mundo que he tenido el placer de escuchar en muchos años.

miércoles, 13 de mayo de 2009

Biréli Lagrène


Sin dejar atrás el enorme legado dejado por el maestro Django Reinhardt, Lagrène nos muestra su cara mas simpática y amable en en este sensacional disco junto a su Gipsy Project. Más de una hora y media de fabulosas improvisaciones junto a su equipo formado a las guitarras por Holzmano Làgrene, Hono Witerstein. Un expectacular Diego Imbert al bajo y contrabajo un increible Florin Niculescu al violín y el maestro Richard Galiano al acordeón. Un disco donde nos encontramos la mezcla perfecta del mas puro Jazz francés con música gitana. El album hará pasar un buen y divertido rato a todos los que se topen con esta joyita. La guitarra de Lagrène nos trae ecos de lo que se escuchaba en Sain Germain, allí por los años 50 y 60, con un espíritu renovado y fresco. Un album altamente recomendable para todos los amantes de la música de esos años. Un album de la Dreyfuss para la Sony Music France de 1998.

Giovanni Paolo Foscarini Rolf Lislevand & Esemble Kapsberger


A lo largo de la historia, el hombre ha inventado diferentes sistemas de notación musical. El Alfabeto, uno de los más rudimentarios y elementales, fue usado por los guitarristas amateurs de mediados del siglo XVII: indicaba donde poner los dedos en el mástil, mientras que la melodía y el ritmo se improvisaban. El Ensemble Kapsberger, a partir de manuscritos originales y con instrumentos de época, recrea con innovación y creatividad obras de Corbetta, Foscarini y Pellegrini. Además, la precisión técnica, la transparencia y la plenitud de sonido hacen que este disco sea sumamente interesante. El sello Astrée acaba de editar una recopilación de obras de Foscarini, Pellegrini, Granata y Corbetta con el título de Alfabeto, que han sido interpretadas por el Ensemble Kapsberger y por Rolf Lislevand. Rolf Lislevand llegó a la familia de instrumentos en torno al laúd no directamente ni desde la guitarra española, sino desde el jazz, de donde posiblemente deriva su preocupación por la componente improvisatoria de la interpretación. En la schola Cantorum Basiliensis conoció a Jordi Savall, en cuyos grupos se integró durante mucho tiempo tanto para dar conciertos en directo como para grabar discos, entre éstos Tous les matins du monde. Pero como solista, acompañante o director del Ensemble Kapsberger, Ya cuenta con una discografía abundante, en la cual gusta de recuperar autores menos conocidos por el gran público. El último ha sido Foscarini en un disco titulado Alfabeto ya candidato a varios premios de la crítica que no vendrían sino a engrosar su ya repleta vitrina de trofeos. Un excelente disco de música antigua.

Karl Heiz Stockhausen


Desde que Karlheinz Stockhausen comenzara a controlar personalmente la edición discográfica de sus obras, agrupándolas en la “Stockhausen Verlag”, encontrar una grabación “independiente” con música del autor de Colonia se ha hecho tarea casi imposible. El prestigioso sello alemán Wergo, sin embargo, ha roto esa tendencia con la publicación de Tierkreis, la pieza “zodiacal” de Stockhausen escrita en 1975, que, por cierto, aparece en el CD número uno de la “Stockhausen Verlag” en una versión que incluye un piano y tres percusionistas. Lo exclusivo de este proyecto discográfico por parte del propio músico imposibilita que circulen con normalidad por el mercado las grabaciones de su música. Con todo, la fácil accesibilidad de la “Stockhausen Complete Edition” en Internet permite al interesado adquirir sin dificultades cualquiera de sus grabaciones. Como se ve, y esto no puede sorprender a estas alturas, Stockhausen lo quiere controlar todo. Al reducir el campo interpretativo a músicos de su entorno, logra que su obra sólo pueda estar en manos de gente de su confianza; en manos, por decirlo así, de expertos, familiarizados con su estética, pero priva al grueso del mercado fonográfico de la presencia natural de su música. La novedad que supone Tierkreis va más allá de lo anecdótico. Se trata, en primer lugar, de una música de una calidad absolutamente extraordinaria, una obra que rebosa invención y felicidad. Por otro lado, la grabación de Wergo se beneficia de una interpretación colosal, fuera de norma tanto en el conocimiento de la obra como en la recreación sonora. Al contrario de lo que pudiera pensarse al tratarse de un sello ajeno al control del compositor, no estamos aquí ante una formación de instrumentistas que desconozca el mundo del autor de Gesang der Jünglinge. El grupo de seis músicos está comandado por Mike Svoboda, el trombonista norteamericano que reside en Alemania desde hace ya muchos años y que interviene en la ópera Licht de Stockhausen en el papel de “Lucifer”. Pedagogo y músico iconoclasta, muy ligado a la improvisación, Svoboda incorpora a esta formación de Tierkreis a dos de los músicos que figuran en su grupo de reciente creación Alphorn Special, el contrabajista Stefan Husseng, presente en anteriores grabaciones de Wergo (Two, de Cage) y Col Legno (Sen V y Melodia, de Hosokawa). Al clarinetista, Michael Riessler, también lo encontramos en otra pieza de Hosokawa, Vertical time study I. Los seis músicos aportan un formidable tono de vitalidad a la música ideada por Stockhausen, quien, no hay que olvidar, que formara parte activa de diferentes grupos de jazz e improvisación en sus años de estudiante de música. El grupo de Svoboda retoma el aire del Stockhausen de los primeros tiempos, incluso del creador de obras donde el comportamiento de los instrumentistas más obedece al espíritu de una improvisación colectiva (música intuitiva, habría que llamarla) que a una música totalmente escrita.

Frank Zappa


Todavía hay mucha confusión con respecto a las intenciones originales de Zappa para el álbum. Muchos seguidores de Zappa creen que su intención primera fue editar el álbum en cuatro álbumes individuales (un total de 5 LP), siendo así como los mandó en primera instancia a Warner Bros. en 1976. La historia oficial dada por Gail Zappa cuando salió Läther en 1996 contradice muchas de las evidencias dejadas en entrevistas a Zappa y artículos de la época. Cuando el material se lanzó en CD con Zappa aun vivo él decidió editarlo en cuatro CD indivialues. Cada CD de la colección tenía un estilo propio. De todas maneras, en Läther está todo mezclado sin ningún orden aparente.La historia oficial de Gail Zappa es la siguiente: el álbum fue originalmente concebido como una caja recopilatoria de cuatro álbumes en 1977. Cuando Zappa entregó los álbumes a Warner Bros. Records, el sello discográfico rechazó lanzarlos. Zappa pidió un cambio en el contrato para poder hacer este tipo de proyectos especiales. Warner Bros. aceptó brevemente , antes de pedirle los cuatro álbumes que según ellos les debía. Zappa reeditó en material en cuatro álbumes independientes Zappa in New York, Studio Tan, Sleep Dirt y Orchestral Favorites. Depués de lanzar el primero, Warner se negó a pagarle y a lanzar el resto de la colección. Zappa tomó cartas en el asunto tocando, en diciembre de 1977, el álbum Läther íntegro en una emisora de radio de Pasadena (KROQ) dando instrucciones a los oyentes de grabarlo todo. Cuando Zappa intentó conseguir un contrato con Mercury/Phonogram para lanzar Läther, Warner Bros. edcidió lanzar los álbumes individuales que les había entregado en 1976. hasta la edición en CD de Rykodisc, Läther solo estuvo disponible en bootlegs grabadas de la edición radiodifundida. El triple CD representa las ocho caras preconcebidas para el álbum original de 1977. La mayoría del material que aparece en Läther aparece en álbumes de la época de 1978/1979; en toal de las treinta canciones del álbum veinte ya aparecen en algun otro álbum. Aun así, solo seis de las pistas son exactas a sus apariciones en otros álbumes, todas las demás siendo de alguna manera alteradas para la edición de 1996. Hay una pequeña discrepancia: en el libreto del CD se incluye una versión de "Baby Snakes". No hay ninguna explicación de porqué esta canción aparece en el libreto pero no en el álbum mismo. Estos datos se encuentran volcados en wikipedia.

martes, 12 de mayo de 2009

Bill Evans


Esta fue la última sesión de estudio del pianista Bill Evans: una excursión rara con un quinteto (Tom Harrel, trompetista, y Larry Schneider en saxofón tenor y soprano) y su primera grabación con los miembros de su trío final (el bajista Marc Johnson y el percusionista Joe LaBarbera). Aunque esta nueva edición en CD directa del LP original, la duración es de más de más de 61 minutos. El grupo interpreta For All We Know y siete originales de Evans incluyendo Peri's Scope y Five. La meditativa sesión está llena de melodías líricas y de solos fuertes, mientras el trabajo en teclado eléctrico de Evans en algunas melodías es distintivo. En este último album Bill Evans se encuentra rodeado de un mágico elenco de maestros como Marc Johnson al contrabajo, Joe Labarbera a los tambores y batería,Larry Schneider a los saxo alto y tenor y flauta y Tom Harrell a la trompeta. Una buena despedida.

George Winston


Tengo que decir que su album titulado Autumn me ha dejado sin dormir varias noches, me prometí durante mucho tiempo no volver a escucharlo. El piano y las composiciones de Winston se adentran en lo mas profundo del alma, escarbando en aquello que queremos olvidar, hasta casi dejarnos en pañales. La inmensa mayoría de sus albums llevan impresa esa forma absolutamente deliciosa y nostalgica, sello indiscutible de la calidad de este virtuoso pianista norteamericano, absolutamente inclasificable en cuanto a género. En este nuevo album, nos encontramos a un Winston generoso, el cual rinde culto a su viejos profesores de piano , James Booker Henry Butler y el profesor Loghair. Los cuales se vieron afectados por el huracán Katrina. Winston no solo presta su música sino que también, dio todos los royalities del album a sus profesores para ayudarles en la reconstrucción de sus hogares. Un album absolutamente magistral firmado por uno de los mejores pianistas actuales.

Shura Cherkassky


Shura Cherkassky representa una generación de pianistas cuya influencia en el siglo XX sólo puede medirse con el baremo de la historia.Una carrera brillante e intensa cuyos inicios se remontan a la fecha lejana de 1920, más o menos cuando Cherkassky celebró su noveno cumpleaños en Odessa y regaló a sus familiares y amigos el primer recital de su vida. Tres años después, se presentó en Estados Unidos para estudiar junto a Josef Hofmann en el Curtis Institute de Filadelfia, y en 1928 decidió comenzar su carrera profesional...Una gira europea jalonada por los conciertos de Londres, París, Berlín y Viena precede a su histórica presentación en el Festival de Salzburgo, donde adquiere una notoriedad artística de primer orden en la década de los años cincuenta.Cherkassky, igual que Vladimir Horowitz, adopta la nacionalidad norteamericana, y se prodiga durante las tres últimas décadas en los principales teatros y auditorios del mundo, así como desarrolla una intensa actividad discográfica que plantea sus puntos culminantes en las versiones de Mozart, Beethoven, Chopin, Brahms y Liszt. Este disco se encontrará en las tiendas a partir del mes de junio aunque ya es posible descargarlo por internet, en el nos encontramos con una mágica selección de sus mejores interpretaciones., merece la pena tener discos como este en una colección de música clásica.

Terje Rypdal Victor Bailey & Billy Cobham


Muchos a los que les gusta escuchar sonidos puros, conocen la existencia de estos tres maestros indiscutibles de la música con mayúsculas. Terje Rypdal puede que sea uno de los mas veteranos y experimentados guitarristas de la casa germana ECM, con un dominio absolutamente magistral de la guitarra y de todo instrumento musical que se le pase por las manos. Victor Bailey un maravilloso remplazo de Jaco Pastorius en la Weather Report junto a uno de los maestros de la batería el maestro Billy Cobham reunidos en directo en el año 1994. Un cd, que hará temblar a los admiradores de los tres músicos. Desde la excepcional pieza inicial Here Today, Gone Tomorrow hasta un asombroso solo de Bailey en Birdland. Si todos los que pasan por este blog conocen mi mas profunda admiración por Rypdal, en este disco se encontrarán con otra joya del genio nacido en Finlandia. Un disco para recordar.

domingo, 10 de mayo de 2009

Brad Mehldau Jeff Ballard & Larry Grenadier


Mehldau es comparado en ocasiones con Bill Evans, aunque a él no le agrada dicha comparación y explica por qué en el apartado de notas de su álbum "The Art of the Trio IV". También es comparado con Keith Jarrett, aunque él describe el trabajo en solitario de Jarrett como una inspiración más que como influencia. Otras influencias citadas por él mismo son Miles Davis, Larry Goldings, Kurt Rosenwinkel, Jesse Davis, David Sanchez y otros miembros de su propio trío. Con formación clásica a sus espaldas, Mehldau es capaz de sorprendernos a menudo tocando melodías separadas, una con cada mano, con compases tan poco usuales como 5/4 y 7/4. En este disco aparece junto a sus compañeros de batalla de toda la vida como Jeff Ballard a la batería y Larry Grenadier al bajo. Un muy buen disco grabado en vivo.

John Coltrane & Johnny Hartman


Entre finales de 1962 y comienzos de 1963 Coltrane grabó tres albums de baladas. Cuando el productor Bob Thiele se acercó a Hartman con la propuesta de Coltrane de grabar juntos, Hartman se resistió, ya que no se consideraba un cantante de jazz y pensaba que él y Coltrane fuesen a complementarse bien, musicalmente. Coltrane y Hartman se conocían desde sus días tocando en la banda de Dizzy Gillespie a fines de los 40.Hacía ya varios años que Hartman no grababa, y Thiele consiguió que fuese a escuchar a Coltrane en el Birland de New York, para ver si podían llegar a un acuerdo. Hartman fue, y después de que el club cerró se quedó cantando algunas canciones junto a Coltrane y McCoy Tyner.El 7 de Marzo de 1963, Coltrane y Hartman tenían decidido unas 10 canciones para el álbum, pero cuando iban para el estudio, escucharon a Nat King cole cantando Lush Life, y Hartman decidió que quería grabarla. El disco fue grabado en sólo un día, y cada canción fue grabada en sólo una toma, excepto You Are Too Beautiful, que debió ser grabada dos veces debido a que Elvin Jones quebró uno de sus palillos durante la primera toma.John Coltrane and Johnny Hartman es un disco maravilloso, un verdadero dueto, donde el saxo de Coltrane canta junto a Hartman. La voz profunda y oscura de Johnny Hartman y el saxo tenor de Coltrane se conjugan perfectamente.El disco se convirtió instantaneamente en una clásico del jazz classic, y las versiones de Lush Life, My One and Only Love, The Say It's Wonderful son consideradas insuperables. El disco de la casa Impulse! se cierra junto a los maestros Mccoy Tyner al piano,Jimmy Garrison al contrabajo y Elvin Jones a la batería.

sábado, 9 de mayo de 2009

Thomas Feiner


Un opiáceo es una especie de conjura para ahuyentar la melancolía. Se le consideró siempre como una medicación casi milagrosa, llegando Paracelso a considerarlo como la piedra de la inmortalidad. Algo parecido le ocurre a Thomas Feiner, compositor sueco nacido en Goteborg, que en 1989 inició una prometedora carrera junto a su banda Anywhen. El grupo formado por el propio Thomas Feiner (voz), Mikael Andersson Tigerström (bajo), Kalle Thorslund (batería) y Jan Sandahl (guitarra), publicó dos álbumes As We Know It (1993) y Anywhen (1996), hasta que en 1999, dos años antes de la publicación de The Opiates (2001), la banda empezó a difuminarse hasta quedar con vida sólo la persona del cantante. La revisión de éste trabajo en el año 2008, gracias a David Sylvian y a su sello SamadhiSound, ha supuesto el redescubrimiento de éste barítono desengañado con voz cavernosa que una vez se vio reflejado en el agua cristalina de su propia desesperación. La Radio Symphony Orchestra de Varsovia acompaña a los disueltos Anywhen y a la voz de Thomas Feiner en éste álbum retocado titulado The Opiates (Revised), que contiene dos nuevas canciones y que oscila entre lo intimo y lo épico en una obra imprescindible por su fuerza, matices y profundidad. Hay que destacar la colaboración del prestigioso diseñador gráfico Aubo Lessi, autor de uno de los video-clips que acompañan el disco, absolutamente imprescindible y el diseño general de Chris Bigg, con imágenes de Jean Cocteau y Marcel Khill, fotografiadas por Cecil Beaton. Su reedición hace justicia a uno de los mejores discos de rock de la década.

John Taylor Marc Johnson & Joey Baron


A la edad de 61 años, el pianista John Taylor finalmente ha hecho su debut como líder. Pero otra vez, Rosslyn realmente no tiene un cacique. A Taylor, que ha sido un sideman desde los años '70, parece no importarle compartir sus tribunas con sus dos compañeros de banda: el bajista Marc Johnson y el baterista Joey Baron.El británico Taylor ganó el temprano reconocimiento con John Surman, antes de hacerse el pianista de la casa del club de Ronnie Scott. La aclamación crítica vino con el grupo Azimuth (con Kenny Wheeler y Norma Winstone). La década pasada se sentó como el ancla para el trío de Peter Erskine con el bajista Palle Danielsson. Este trío, originalmente llamado John Taylor's New York Trio hace cinco años, se reúne siempre que coincidan los tres músicos en la misma ciudad. Su trinidad, un triángulo equilátero, es un éxtasis de belleza. Taylor más Marc Johnson, el último gran bajista de Bill Evans, y Joey Baron -Mr. Downtown-comparten sus deberes aquí. Johnson, conocido por su lírica ejecución, no mantiene un tiempo estricto en este álbum. Ninguno de los músicos lo hace en un sentido formal. Los músicos están tan familiarizados con el material, que el pulso, simplemente, a menudo es sobreentendido. Un discazo para la ECM, grabado en el 2003.

Jackie McLean


Probablemente uno de los mas profundos discos de groove de la década de los 60, el saxo alto de McLean rasga el aire y el alma. Si el ragtime marcó los años de la prohibición en este disco se trataba de hacer lo propio con la era espacial. Recomiendo el último tema Ghost Town compuesto por Moncur ya que en él se ve la manera ejemplar de McLean de resolverlo. Una auténtica obra maestra del jazz de los años 60. En este disco intervienen de lo mejorcito de la casa Blue Note, como Grachan Moncur al trombón, Bobby Hutcherson al vibráfono, Eddie Khan al contrabajo y Tony Williams a la batería. Un album para no olvidar, grabado para la Blue Note en los Van der Gelder Studios de Nueva Jersey en enero de 1961.

Randy Weston


Esta edicion reune dos obras tempranas de Randy Weston: Little Niles en sexteto y Piano a La Mode en trío mas un bonus track en cuarteto. A lo largo de su escucha se aprecian dos aspectos fundamentales, complementarios, de la personalidad musical del pianista ya que en 1957 estaban plenamente desarrollados y que seguirían desde entonces encendiendo la llama de su música. Su interés por la composición y el arreglo sin caer jamás en la melodía robotica y dejando su sello y su personalidad en cada uno de los mágicos temas de este discazo. Junto a el destacados maestros del mejor jazz de los 50 como Johnny Griffin al saxo tenor, Cecile Payne al saxo barítono, George Joyner, Peck Morrison y un jovencísimo Ron Carter a los contrabajos, Charlie Persip, Conie Kay y Roy Haynes a las baterías .Ray Copeland e Idres Sulieman a las trompetas. Un autentico triple album de auténtico lujo grabado entre 1957,1958 y 1960 para la Jazz Beat.

jueves, 30 de abril de 2009

Ike Quebec Grant Green Paul Chambers & Philly Joe Jones


Con un sonido sensual y puramente vanguardista(aún hoy) se nos presenta este disco de historias mágicamente narradas por Ike Quebec, una combinación perfecta entre maestros donde el sonido de la guitarra de Green enlaza perfectamente con las improvisaciones de Quebec, sin dejar un respiro ni una pausa para una serena reconciliación de ambos maestros, junto a ellos la majestuosa aportación de los maestros Paul Chambers al contrabajo y Philly Joe Jones a la batería. Un disco perfecto para cubrir la soledad de un fin de semana por la noche. Un album de la Blue Note del año 1961. Un disco de jazz que gustará a todo el mundo.

miércoles, 22 de abril de 2009

Victor Jara

Creo que es de justicia por mi parte, presentar en este blog esta maravillosa antología de uno de los mas grandes cantautores iberoamericanos de todos los tiempos. Victor Jara fue asesinado y torturado en el año 1973, en Chile destacaría por componere canciones que reflexionaban sobre el estado del pueblo, sobre sus alegrías y sus miserias.Jara, autor en poco más de diez años de una decena de discos con su obra más conocida, llegó temprano la mañana del 11 de septiembre de 1973 a la Universidad Técnica de Santiago, en la zona poniente de Santiago. Allí trabajaba él; pero ese día era especial pues el propio presidente Allende hablaría al mediodía para anunciar un plebiscito que pusiera fin a la crisis política que vivía Chile. Pero los militares se adelantaron y dieron su golpe.En eso estaba el 11 de septiembre de 1973. Víctor Jara fue llevado junto a centenares de prisioneros a un estadio que ahora lleva su nombre. Durante las primeras horas, los militares no sabían que estaba entre los detenidos. Pero cuando lo descubrieron se ensañaron. Una comisión oficial dijo que a Víctor Jara lo torturaron con brutalidad extrema, que sus manos quedaron convertidas en «una sola llaga» y su cuerpo quemado con cigarrillos.Poco antes de ser sacado la noche del 15 de septiembre hacia un pasillo del estadio entregó unas hojas a un prisionero que más tarde las sacaría del lugar entre sus ropas. Era su último poema. De mano en mano llegó la hoja arrugada a su esposa, la bailarina británica Joan Jara: «¡Canto que mal me sales/cuando tengo que cantar espanto!/ Espanto como el que vivo/como el que muero, espanto». Este disco no corresponde a la Antología titulada Derecho a Vivir en Paz, la cual contiene un dvd sobre la vida de Victor Jara. Un disco para no olvidar jamás.

viernes, 17 de abril de 2009

Erkan Oğur & Djivan Gasparyan


Ultimamente me estoy volviendo muy étnico, pero creo que merece la pena sumergirse de vez en cuando en otras culturas diferentes a la mia, también opino que en estos tiempos de crisis es dificil buscar un viaje asequible fuera y dentro de mi odiado pais, así que una buena opción es conocer el mundo por otras vias mas asequibles. En este disco se fusiona la mejor música armenia y turca, el duduk del maestro Djivan Gasparyan junto a la guitarra y arreglos del excepcional Erkan Ogur, junto a ellos una verdadera coral de músicos como Soner Akalin,Selda Ozturk,Emre Kocabas,Ferruh Yarkin a las percusiones, Armen Gazaryan a los acompañamientos al duduk y Vazgen Makaryan al duduk bajo y Derya Turkan al kemenche. Un disco triste y magnífico, un muy buen disco de músicas del mundo para la Kalan Records grabado en Estambul en el 2001.

martes, 14 de abril de 2009

Anouar Brahem


Es difícil que destaque algún disco de Anouar Brahem como uno de mis favoritos. Barzakh fue su primer album para la casa ECM en el año 1990, sus melodías pueden recordar a una fabulosa mezcla de la mejor música de Tunez junto con unas improvisaciones nacidas de su laud absolutamente sorprendentes. El disco engancha desde el primer tema titulado Raf Raf, una preciosa improvisación del maestro Brahem, hasta la entrada de las percusiones de Lassad Hosni en Sadir,Béchir Selmi a su vez acompaña al violín creando unos espacios admirables donde muestra una poderosa versatilidad músical . Este precioso disco de músicas del mundo hace reir, llorar y es absolutamente sorprendente, como todo la música nacida de la imaginación de Anouar Brahem. Un disco altamente recomendable a todos los que les guste rebuscar en las músicas de los diferentes paises del mundo.

miércoles, 1 de abril de 2009

Bill Frisell


Esa personal mezcla de estilos y modos de expresar sus raíces norteamericanas le conceden una libertad absoluta de jugar con elementos y compañeros de aventuras sónicas , intercambiando con su inimitable capacidad de improvisación y su técnica de composición, desafíos y conexiones a cada proyecto que se propone. Este disco es otra demostración de ese bun hacer, un disco absolutamente mágico, con encontramos con uno de los mejores discos del genio de Baltimore. En este mágico doble para la casa Nonesuch se nos presenta una demostración de los bariados estilos de Fisell junto a unos acompañamientos junto a sus inseparables Victor Krauss al contrabajo y Kenny Wollesen a la batería y percusiones. Un sentido homenaje a Johnny Cash y a la música de Willie Nelson y Henry Mancini. Los temas estan grabados entre estudios y directos entre los años 2002 y 2003. Un discazo

Dave Holland


Este asombroso quinteto formado por Dave Holland deslumbra, han decidido sacar de su interior la mejor música, su creatividad sorprende album tras album. En este disco se notan modelos en la composición de Duke Ellington, en las cuales sus melodias crean un interacción total con las composiciones del maestro Dave Holland. Este album crea una severa adicción, sobretodo se muestra una participación plena de Chris Potter en el que encontramos una de las mas prestigiosas figuras del jazz norteamericano. El quinteto del maestro del contrabajo Dave Holland esta formado en esta ocasión por Robin Eubanks al trombón, Chris Potter a los saxos tenor y alto, Steve Nelson a los vibrafonos y a la marimba, Billy Kilson a la batería. Un discazo de la ECM grabado en 1998.

Archie Shepp


Archie Sheep fue etiquetado en las corrientes del jazz de los 60 como uno de los nuevos líderes del denominado free jazz. Este disco es otro disco difícil incluso para los mas avanzados aficionados al jazz, un sonido mezclado entre el gospel,la vanguardia y el free jazz de los 60. En él escuchamos cantos y a veces hasta susurros, el saxo de Sheep describe emociones completamente abstractas y descompuestas un disco muy especial, en el que nos encontramos algo muy distinto a lo que nos ofrecia el panorama del jazz de los 70. Comparten cartel junto a saxofonista Sheep,Rafi Taha,Charles Greenlee, Cameron Brown al contrabajo, Beaver Harris a la percusión y Andrew Cyrille y Dave Burrell al piano. El disco fue grabado en agosto del 1975 en Milan en los estudios Phonogram para la Black Saint.

Keith Jarrett


Uno de los famosos conciertos en solitario del prestigioso pianista Keith Jarrett, esta vez en la ciudad de Paris grabado en ocubre del año 1988 para la ECM.La trayectoria de Keith Jarrett durante los últimos veinte años, refleja una pasmosa fidelidad al proyecto iniciado en 1983, cuando grabó sus extraordinarios discos: "Standards. Vol 1"; "Standards. Vol 1" y "Standards Live" junto a Gary Peacock y Jack DeJohnette. Jarrett se puso al frente de un trío convencional para iniciar lo que hoy alcanza dimensiones de enciclopédico homenaje a la tradición jazzistica. El Jarrett pianista, se ha alimentado en las escuelas de Bud Powell y Lennie Tristano, sin excluir la influencia de un Bill Evans siempre presente en sus discos, y se convirtió en modelo de muchos pianistas.